Cinematic Thinking

作者:Phillips, James

页数:220

出版时间:2008-4

价格:$ 56.50

isbn号码:9780804758000

具体描述

Each essay in "Cinematic Thinking" is organized around an interpretation of a postwar filmmaker and the philosophical issues his or her work raises. The filmmakers covered are Alfred Hitchcock, Luchino Visconti, Michelangelo Antonioni, Robert Altman, Carlos Saura, Glauber Rocha, Margarethe von Trotta, Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders, and Claire Denis. As the authors collected here are philosophers, rather than film critics, the volume approaches its subjects with a different set of interests and commitments from the bulk of works in film theory. Memory, judgment, subjectivity, terrorism, feminism, desire, race relations, experience, the work of mourning, and utopia are among the questions discussed in relation to some of the most significant films of the last fifty years. This collection analyzes the theoretical and political contexts in which the films were made and examines their reception down to the present day.

用户评价

市面上谈论电影的书籍，要么是赞美大师的辉煌成就，要么是普及基础的拍摄技巧，但这本书却反其道而行之，将焦点对准了“失败的美学”和“创作的阻力”。作者用了大量的篇幅来探讨，当灵感枯竭、预算超支、演员失控时，一个创作者如何利用这些“负面能量”来驱动最终的作品。他描述了那些被剪掉的、被修改的、最终淹没在历史尘埃中的片段，并论证了正是这些被否决的可能性，塑造了最终成品的骨架。这种对“过程”的近乎病态的迷恋，让这本书拥有了一种独特的、带有泥土气息的厚重感。它不是教你如何站在聚光灯下，而是带你走进那个充满灰尘、电线和未完成梦境的工作室，告诉你真正的创造力往往诞生于混乱的边缘。

我不得不承认，这本书的作者显然是一个极度偏执的完美主义者。他的文字里充满了对“平庸”的鄙夷，对任何形式的套路化表达都嗤之以鼻。这种强烈的个人主义色彩，使得全书的语调近乎于一种布道式的说教，让人有时感到压抑。书中关于“留白”和“未完成性”的论述，尤其让我印象深刻——他认为，最好的叙事不是填满所有细节，而是留下足够的空白，让观众的焦虑和想象力去完成那缺失的部分。这种对“不确定性美学”的推崇，与当前追求效率和明确答案的时代思潮格格不入。它要求读者拥有极大的耐心和开放的心态，去接受那些刻意制造的叙事断裂和情绪游离。它更像是一面棱镜，将单一的光束折射出无数种可能性，但你也必须准备好被那些色彩过于强烈的片段闪到眼睛。

说实话，我期待的是一本能教我如何用iPhone拍出有“电影感”的入门指南，结果拿到手却发现，这简直就是一本针对电影史学家的深度报告，夹杂着一些难以捉摸的符号学解读。作者的笔调极其学术化，充满了对德勒兹和巴赞理论的引用，初读时感觉像在啃一本高深的哲学著作，而不是一本关于“如何思考”的指南。他将蒙太奇的演变与社会思潮的变迁做了强行关联，这种宏大叙事固然有其深刻之处，但对于急于在短视频平台上获得关注的普通读者来说，无疑是天书。然而，坚持读下去后，你会发现这种晦涩的背后，是对电影本体论的极致探求。他探讨的“时间感”和“空间感”是如何被技术手段扭曲和重塑的，这远远超出了普通叙事技巧的范畴，直指媒介本身的局限与可能性。这本书更像是一把手术刀，而不是画笔，它解剖的不是情节，而是我们观看世界的方式。

这部作品，以一种近乎野蛮的直接，将那些平日里被光鲜叙事和剪辑技巧遮蔽的“幕后”真相剥开，呈现出一种令人不安却又无比真实的景象。它不是那种告诉你“如何拍出大片”的教科书，而更像是导演的私人日记，记录了那些在深夜的剪辑室里，被咖啡因和焦虑驱动的挣扎与顿悟。作者对视觉语言的剖析深入骨髓，他似乎能看到光线是如何在胶片上跳舞，以及声音设计是如何在潜意识里操控观众的情绪。阅读过程中，我不断地被提醒，电影制作远非艺术的纯粹表达，而是一场关于妥协、权力和对时间精确控制的残酷游戏。那种对“完美瞬间”的执着，那种为了一个三秒钟镜头的反复推敲，读起来让人既感到佩服，又有点心寒。它让我重新审视了那些我曾经视为理所当然的经典桥段，发现每一帧背后都堆满了被否决的脚本和心碎的尝试。这本书的力量在于，它没有试图美化这个过程，反而将其中的混乱和不确定性提升到了一种近乎哲学思辨的高度。

这本书的排版和设计简直是一场视觉上的灾难，大量的纯文本堆砌，几乎没有插图或图表来辅助理解那些复杂的空间调度理论。我一度怀疑这是不是印刷错误，为什么一本探讨视觉艺术的书籍，在视觉呈现上如此敷衍？不过，或许作者正是想用这种极简甚至可以说“粗暴”的方式，迫使读者完全依赖文字构建脑海中的画面。读到关于景深运用如何影响观众的道德判断那一段时，我猛地抬起头，感觉自己仿佛被强行拉出了电影院，站在了幕布的前方，审视着那些光影的陷阱。这种对“被动观看”的反抗，才是这本书最核心的价值所在。它不是教你如何“看电影”，而是让你反思“你为什么会以这种方式看东西”。它挑战了我们对连续性和一致性的固有认知，让人在阅读过程中充满了不断的自我修正和质疑。