Beethoven's Symphonies Five and Seven

作者:Hurwitz, David

页数:144

出版时间:2008-12

价格:$ 22.54

isbn号码:9780826429445

具体描述

Composers often write pieces in highly contrasting moods in very close proximity. But no composer took this process further than Beethoven. His famous Fifth Symphony, with an opening any child knows, became the standard for the Romantic, tragedy to triumph, "victory symphony." The sunny Seventh however represents a high-water mark of relaxed lyricism and painting in tones. On a superficial listening, they couldn't sound more different from one another. Yet by examining them more closely, they have more in common than their emotional trajectories might suggest. This book aids the listener in getting beneath the surface of these two beloved symphonies, revealing that however disparate the expressive message, the language and style remain Beethoven's--a symphonic voice as powerful in struggle and victory as in relaxation and meditation.

用户评价

这份资料的排版和设计简直是灾难性的，完全配不上它所承载的深刻内容。我打开后花了整整二十分钟才适应那种密集的、缺乏呼吸感的文字布局。如果说内容是黑金，那么排版就是一堆毫无章法的碎石。不过，抛开外在的视觉体验，其核心的学术价值是毋庸置疑的。它聚焦于一个非常小众但极其关键的议题——早期手稿中的演奏记号与现代标准解读之间的演变冲突。作者运用了大量的脚注和交叉引用，似乎在向读者证明，他所提出的每一个观点都是有据可查的，这对于学术研究者来说是极大的安慰。我尤其欣赏作者对“诠释自由度”这个概念的探讨，他没有给出绝对的答案，而是呈现了不同时代指挥家和演奏家们在面对同一段乐谱时，所采取的截然不同的处理方式，并分析了这些差异背后的哲学动因。这本书的阅读体验是挑战性的，它要求读者具备一定的专业背景知识，否则很容易在众多的术语和版本对比中迷失方向。但如果你能坚持读下去，你会发现自己对作品的理解维度被极大地拓宽了，它不再是一个固定的文本，而是一个充满生命力的、不断被重塑的艺术实践场。

我是一个业余的室内乐爱好者，平时最常玩的就是钢琴三重奏和弦乐四重奏的改编版本，因此我对那些只关注宏大交响乐的出版物通常不太感冒。但这本书的某个章节，出乎意料地触动了我——它详细探讨了特定配器选择对作品情感表达的微妙影响。作者以一种近乎“声音解剖学”的方式，解析了某个慢板乐章中，中提琴声部是如何在背景中支撑起主旋律的张力。这种对中声部和低音区处理的重视，在许多主流评论中是常常被忽略的。这本书的语言风格非常生动，充满了类比和感性的描述，但这些描述并非空穴来风，而是建立在严谨的音乐结构分析之上。比如，它将乐曲的转调过程比作一次“心理上的迷失与回归”，这种形象化的表达方式，极大地帮助我这个非科班出身的读者理解了和声的戏剧性。我甚至发现自己开始在日常演奏中，有意识地去加强那些原本被我忽视的内声部线条。总而言之，这本书成功地将学院派的严谨性与普通听众的审美愉悦感结合了起来，做到了雅俗共赏，尤其适合那些希望提升自己演奏或欣赏层次的普通音乐爱好者。

说实话，我本来以为这又是一本平庸的古典音乐读物，市面上这类东西太多了，大多是泛泛而谈的传记或者空洞的赞美之词。然而，当我打开这本书时，那种扑面而来的严肃性和专业性让我感到惊喜。它的叙事风格非常克制且理性，不像某些畅销书那样煽情，而是专注于挖掘音乐作品背后的社会文化背景和创作心路历程。作者似乎对当时的政治环境、哲学思潮如何渗透到音符的排列之中有着独到的见解。我特别留意了其中关于“英雄主义”主题在不同创作阶段演变的长篇论述，作者并没有简单地套用固有的标签，而是通过比对大量的私人信件和当时的乐评，构建了一个更为立体和矛盾的人物群像。这种深入挖掘的写作手法，让原本看似宏大叙事的主题，变得可触摸、可理解。读完后，我感觉自己对那段时期的艺术精神有了更深层次的共鸣。它不是那种读完后让你情绪高昂的书，而是那种让你陷入沉思，需要反复咀嚼才能品出其中深意的作品。如果你期待的是一本轻松的消遣读物，那你可能会觉得它有些晦涩，但对于追求知识深度和批判性思维的读者来说，它无疑是一笔宝贵的财富。

我通常不太相信那些被过度宣传的“天才的秘密”之类的书籍，它们往往抓住了大众对伟人光环的迷恋，内容却空洞无物。这本书一开始也给我这种感觉，开篇的几章用了不少篇幅来描绘作曲家早年的生活窘迫与精神挣扎，叙事节奏稍显拖沓。然而，一旦进入作品分析阶段，画风就骤然一变，变得极其犀利和精准。最让我印象深刻的是，作者居然引入了心理动力学的视角来分析作曲家在创作高峰期的情绪波动如何直接投射到管弦乐的织体密度上。这种跨学科的分析方法是罕见的。比如，书中论证了在某个狂想性乐章中，主题的突然回归并非偶然的结构安排，而是作曲家在面对巨大压力时，寻求秩序感的心理投射。作者的语言风格在这部分变得非常具象化，充满了动态感，仿佛读者正亲眼目睹音符在乐谱上被激烈地重组。这本书的优点在于，它成功地将一个遥远的、被神化的历史人物，重新拉回到一个有血有肉、有挣扎有突破的艺术家的位置上。它并非单纯地赞美，而是力图“理解”其创作的必然性。对于希望从更深层的人性角度去接近古典音乐的读者，这本书提供了一个极佳的切入点，让你不再只是欣赏旋律的美，而是去探究旋律诞生的土壤。

这部新出版的乐谱集简直是音乐爱好者的福音，尤其是对于那些痴迷于管弦乐配器和和声分析的深度学习者来说。我拿到手后，首先被其精美的装帧和纸张质量所吸引，那种厚重而富有质感的触感，让人立刻感受到出版方对古典音乐作品的敬意。我迫不及待地翻阅了其中的技术性说明部分，发现编者在处理复杂的对位法和声部平衡上展现了极高的水准。例如，他们对某个特定乐章中弦乐组与木管组之间微妙的动态对比的处理，用清晰的图表和详尽的文字注释进行了剖析，这比单纯听录音能提供更深入的理解。特别是对于那些初次接触专业乐理分析的人来说，这种细致入微的讲解，能够帮助他们搭建起从“听觉享受”到“结构认知”的桥梁。我尤其欣赏其中对于特定历史版本差异的考据，这不仅仅是简单地复刻了旧版，而是融入了当代音乐学研究的最新成果，使得这份资料的权威性大大增强。在我看来，即便是经验丰富的指挥家，也能从中找到新的启发点，从而在排练和诠释作品时，能更加精准地把握作曲家当年的意图。这本书的价值，绝非仅仅是提供了一套可供演奏的乐谱，它更像是一份详尽的、带有学术深度的音乐会前导读，让每一次的聆听都充满了探索的乐趣。