A Modern Approach to Classical Guitar

作者:Duncan, Charles

页数:80

出版时间:1996-12

价格:$ 12.37

isbn号码:9780793570737

具体描述

Now Available With CDs This multi-volume method was developed to allow students to study the art of classical guitar within a new, more con-temporary framework. For private, class or self-instruction. Book One features an all-new format that incorporates chord frames and symbols, as well as a record to assist in tuning and to provide accompaniments for at-home practice. Book One also introduces beginning fingerboard technique and music theory. Book Two and Three build upon the techniques learned in Book One.

用户评价

关于这本书的排版和装帧，我得说，这绝对是专业出版物的典范，尽管我有些许抱怨。纸张的质量是无可挑剔的，厚实且光滑，能很好地承受翻页的摩擦，即使是经常需要打开查看的篇章，也不会有磨损的担忧。然而，这份专业性也带来了一个小小的遗憾：乐谱的呈现方式。大量的五线谱和六线谱并置，虽然方便了不同背景的学习者，但有时会显得过于拥挤。尤其是一些需要多声部对位的复杂段落，谱面上的文字和符号密集得让人头晕目眩。我不得不经常借助放大镜来确认那些细小的指法标注和指位示意图。不过，一旦你适应了它的“信息密度”，你就能体会到其设计的巧妙之处——所有的关键信息都紧凑地集中在一起，你无需在书本的不同区域之间来回跳转。此外，教材中穿插的一些历史背景介绍和乐器构造图解，图文并茂，极大地丰富了阅读体验。这些部分处理得非常优雅，没有打断学习的主线，反而像是一扇扇窗户，让你得以窥见古典吉他艺术背后更宏大的文化背景。

这部教材，说实话，初翻的时候让人心里咯噔一下，感觉自己像是被卷入了一场学术风暴。封面设计虽然简洁，但内容排布的密度和信息量之大，绝对不是那种让你轻松入门的“新手友好”读物。它更像是一份精心绘制的地图，详细标注了古典吉他这片广阔领域的每一个山头、每一条河流的走向。学习的初期，我几乎是抱着啃硬骨头的决心，每一个音阶的指法变化、每一次琶音的力度控制，都需要反复推敲。尤其是在基础技巧的讲解部分，作者似乎默认读者已经具备一定的乐理基础，很多概念的铺陈直接深入到原理层面，而不是停留在表层的“怎么做”。这迫使我必须同步查阅其他乐理书籍，去理解这些技巧背后隐藏的声学和肌肉运动学逻辑。我印象最深的是关于右手拨弦角度的章节，那段文字不仅仅是告诉你应该如何拨弦，而是详细剖析了指甲的形状、肉垫的接触面与音色之间的微妙关系，甚至提到了不同木材琴弦对这种微小调整的反应差异。这本书的深度，要求你不仅是演奏者，更得像个小型研究员，时刻保持批判性思维，去质疑和验证书中的每一个论断。这无疑增加了学习的门槛，但也正是这份严谨，为后续的深入探索打下了无比坚实的基础。它不是教你弹奏几首曲子，而是教你如何构建一套属于自己的、可持续发展的演奏系统。

当我把注意力从那些密集的技法讲解中抽离出来，开始关注曲目编排时，我发现了一股非常克制的、但又极其有远见的音乐哲学。这本书的选曲逻辑，绝非是简单地罗列不同时期和风格的代表作，而是一条清晰的、循序渐进的“声音进化”路径。它不是按年代或作曲家来划分的，而是围绕着“如何解决特定技术难题”来组织的。比如，你会发现好几首看似风格迥异的小品，却被放在一起，因为它们都在探讨如何在一个和弦内实现清晰的声部分离。这种编排方式的好处是，你的耳朵和手指总是在同时接受新的挑战，而且这些挑战是相互关联的。更令人称道的是，对于每一首曲子，教材都附带了大量的演奏提示，但这些提示极为精炼，不拖泥带水。它们往往是针对演奏中容易出现“平庸化”的地方进行点拨，比如，在哪一个乐句的转折处，需要将呼吸感如何从左手传递到右手。这就像一个经验丰富的大师坐在你旁边，时不时地在你快要犯错的时候轻声提醒一句关键的“秘诀”。阅读这些提示时，我常常会产生一种“原来如此”的顿悟感，感觉自己终于触及到了这首曲子真正的情感核心，而不是停留在机械地弹奏音符的层面。

这本书的“非传统”之处，在于它对“风格化演奏”的强调，这让我感觉它更像是一本关于“审美培养”的指南，而非单纯的技术手册。它没有提供一套放之四海而皆准的演奏标准，反而鼓励学习者去理解不同历史时期音乐的“空气感”。比如，在探讨巴赫作品时，它会引导你思考巴洛克时期的室内乐思维如何应用于独奏吉他；而在处理十九世纪浪漫主义的作品时，它又会深入分析如何通过踏板和音色的变化来模拟当时的管弦乐效果。这种细致入微的风格区分，需要学习者具备极强的同理心和想象力。我发现，这本书很少直接给出“你必须这样做”的指令，更多的是提出问题：“如果你想要达到那种深邃的、歌唱性的效果，你会如何调整你的指甲长度和触弦角度？”这种引导式的教学方法，迫使你将主动权收回到自己手中。这对于那些习惯于被动接受指令的学习者来说，或许会感到沮丧，因为它要求你对自己的每一次演奏选择负责，但对于渴望成为独立艺术家的我来说，这无疑是至宝。它教我如何“思考音乐”，而不是仅仅“演奏音乐”。

最让我印象深刻的，是作者在全书末尾对“练习的哲学”那一章的处理。它没有简单地列出每日练习的时间表或固定曲目清单，而是提供了一套评估自我进步的标准和方法论。作者提出了一种“质量高于数量”的练习理念，并详细阐述了如何通过录音、自我审视以及与高水平演奏的对比，来精准定位自己技术和音乐理解上的薄弱环节。这一部分，我读得非常慢，反复咀嚼其中的每一个词句，因为它关乎到如何将前述所有技术和风格知识内化为自己的本能。书中分享了一些作者本人的练习“陷阱”和如何跳出这些陷阱的经验，这些真实且坦诚的分享，极大地拉近了与读者的距离，打破了教材的冰冷感。它让人意识到，即便是顶尖的演奏家，也需要一套科学、耐心的自我校准机制。这本书的价值，并不仅仅在于教会你弹奏困难的曲子，更在于它为你打造了一套在未来几十年内都能持续帮助你成长的“学习引擎”。这是一本读完一遍后，注定要被反复翻阅、随时准备在新的技术瓶颈处重新研读的参考书。