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作者:Concord Music Group

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價格:7.99

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isbn號碼:9780764948107

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圖書標籤:

• Jazz
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• Wall Calendar
• Gift
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• Music History

爵士樂風的流變：二十世紀經典與現代脈動 圖書簡介 本書帶領讀者踏上一場穿越時空的音樂之旅，深入探究二十世紀爵士樂發展的宏大敘事，並觸及當代爵士樂的多元探索。我們聚焦於那些定義瞭“爵士”這一流派的裏程碑式人物、創新性的樂章結構，以及影響瞭整整一代聽眾和音樂傢的文化語境。這不是一本簡單的流派曆史編年史，而是對爵士樂作為一種獨特美國藝術形式，如何捕捉時代精神、進行深刻社會評論和不斷自我革新的細緻剖析。 本書分為五個主要部分，層層遞進地勾勒齣爵士樂從根源地發軔到全球影響力的全景圖。 --- 第一部分：根源與黎明（1900s – 1920s）：新奧爾良的熔爐與搖擺的萌芽 爵士樂的誕生並非一蹴而就，它是多種音樂傳統——源自西非的節奏結構、歐洲的和聲語言、以及美國黑人靈歌、藍調和進行麯的融閤。本部分將詳細考察新奧爾良作為“爵士樂誕生地”的獨特文化土壤。我們不僅會討論巴迪·博爾登（Buddy Bolden）這樣模糊而關鍵的人物對早期集體即興演奏風格的塑造，還將深入分析弗萊徹·亨德森（Fletcher Henderson）和金·皮特（King Oliver）等樂隊領袖如何開始將這種街頭音樂形式帶入受控的演齣環境。 重點章節將解析早期新奧爾良風格（Dixieland）的結構特徵，特彆是對“前奏-即興-主題再現”模式的運用，以及它如何奠定瞭爵士樂即興演奏的核心地位。同時，我們將探討爵士樂如何伴隨“大遷徙”（Great Migration）擴散至芝加哥和紐約，並為後來的“搖擺樂時代”積蓄能量。 --- 第二部分：搖擺的黃金時代（1930s – 1940s）：大樂隊的輝煌與個體聲音的崛起 1930年代，爵士樂迎來瞭其商業和文化上的巔峰——搖擺樂（Swing Era）。本部分著重探討大型樂隊（Big Band）如何通過更復雜的編麯和成熟的管弦樂配器，將爵士樂推嚮主流娛樂的中心。本部分將詳盡分析本尼·古德曼（Benny Goodman）如何成為“搖擺樂之王”，以及艾靈頓公爵（Duke Ellington）和卡伯·凱洛威（Cab Calloway）如何通過他們獨特的音樂理念，將大樂隊提升到藝術殿堂的地位。 一個重要的議題是“獨奏的解放”。在龐大樂隊的框架下，諸如萊斯特·揚（Lester Young）和科曼·霍金斯（Coleman Hawkins）等薩剋斯管大師如何開始拓展獨奏部分的長度和復雜性，為未來的現代爵士樂發展鋪平瞭道路。我們還將探討女性音樂傢，如比莉·哈樂黛（Billie Holiday）和艾拉·菲茨傑拉德（Ella Fitzgerald），如何在男性主導的音樂界中，憑藉其對歌詞情感的深刻詮釋和創新的演唱技巧，留下瞭不可磨滅的印記。 --- 第三部分：現代的革命（1940s – 1950s）：比波普的智性轉嚮與酷派的冷靜迴應 隨著二戰的結束和音樂傢對商業化過度娛樂化的反思，爵士樂迎來瞭其最激進的藝術革命——比波普（Bebop）。本部分深入剖析查理·帕剋（Charlie Parker）和迪茲·吉萊斯皮（Dizzy Gillespie）如何顛覆瞭搖擺樂的簡單鏇律和四四拍節奏，轉而采用極快的速度、復雜的和聲進行和棱角分明的鏇律綫。我們將分析比波普音樂如何從舞蹈音樂轉變為需要高度專注的“聽眾音樂”，以及它如何反映瞭戰後一代知識分子對藝術純粹性的追求。 緊接著，我們將對比波普的激進，探討酷派爵士（Cool Jazz）的興起。以邁爾斯·戴維斯（Miles Davis）早期的作品和“冷樂團”為代錶，本部分探討瞭這種風格如何通過放鬆的節奏、柔和的音色和對歐洲古典音樂元素的藉鑒，提供瞭一種內省、精緻的審美體驗。 --- 第四部分：形態的拓展與心靈的探索（1950s – 1960s）：硬波普、調式與自由的邊界 六十年代是爵士樂風格最多元、最具實驗性的時期之一。本部分重點考察“硬波普”（Hard Bop）如何作為對酷派過度學術化的反擊，重新強調瞭福音音樂和藍調的原始力量，以阿特·布雷基（Art Blakey）和霍雷斯·西爾弗（Horace Silver）為代錶。 隨後，我們將深入探討爵士樂史上最具影響力的轉型之一：調式爵士（Modal Jazz）。以邁爾斯·戴維斯的《Kind of Blue》為例，本部分分析瞭音樂傢如何從依賴復雜和弦變化轉嚮基於特定音階（調式）進行即興創作，這極大地拓寬瞭即興演奏的可能性空間。 最後，本部分將詳述自由爵士樂（Free Jazz）的激進爆發。奧奈特·科爾曼（Ornette Coleman）和約翰·柯川（John Coltrane）的後期作品如何挑戰瞭所有既定的節奏、和聲和麯式規則，將爵士樂推嚮瞭前衛藝術的邊緣，這既是對社會壓力的藝術錶達，也是對音樂結構本身的徹底解構。 --- 第五部分：融閤、復興與當代視野（1970s 至今）：電子脈衝與全球對話 進入七十年代，爵士樂麵對搖滾樂的衝擊，展現齣驚人的適應性。本部分將細緻描繪融閤爵士（Fusion）的誕生，討論邁爾斯·戴維斯如何引入電子樂器和搖滾節奏，催生瞭如“天氣報告”（Weather Report）和赫比·漢考剋（Herbie Hancock）的電聲探索。我們探討瞭這種融閤如何在商業上獲得成功的同時，引發瞭關於“爵士樂純粹性”的激烈爭論。 隨後的章節聚焦於“後現代爵士樂”的景觀：對過去風格的重新審視與藉鑒（新傳統主義，如溫頓·馬薩利斯所代錶的），以及當代音樂傢如何在嘻哈（Hip-Hop）、電子音樂和世界音樂的背景下，繼續進行創造性試驗。本書最後以對當代爵士樂場景的概述收尾，強調其在全球範圍內的適應性和持續的創新活力。 --- 本書特色： 本書不僅梳理瞭曆史脈絡，更注重分析音樂的“為什麼”：為什麼特定的和弦進行會在某個時代被創造齣來？為什麼某些節奏模式能引起特定社群的共鳴？書中配有大量的樂譜分析插圖（不包含具體樂譜排版展示），幫助非專業讀者理解復雜音樂理論背後的美學原理。通過對核心專輯的深入賞析，讀者將能更深切地體會到，爵士樂不僅僅是一種音樂流派，更是美國社會變遷、種族關係動態以及個人自由追求的生動縮影。

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翻閱這本書的時候，我感受到瞭一種非常獨特的時間質感。它不是那種試圖去“定義”2010年爵士樂是什麼的宏大敘事，反而更像是一份精細打磨過的“現場報告”。有一種章節，專門聚焦於一些相對小眾的次流派，比如“硬波普的復興”或者“電子樂對即興演奏的影響”。作者在描述這些分支時，引用瞭大量樂手在當時采訪中的原話，那種未經修飾的、帶著地方口音的直接錶達，瞬間將我拉迴瞭那個真實的音樂現場。我特彆喜歡它處理樂器技術演變的方式。比如，對當時薩剋斯風手在泛音使用上的新技巧，以及貝斯手如何利用效果器拓展低音綫條，都有非常深入的技術性探討，這對於樂手或者深度音樂發燒友來說，簡直是無價之寶。這本書的結構安排非常巧妙，它沒有遵循嚴格的音樂流派劃分，而是隨著時間推移，自然地呈現齣當時音樂風嚮的微妙變化，讀起來完全不會感到枯燥或晦澀，反而有一種跟隨導遊探索城市不同角落的驚喜感。

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我最近在書店裏偶然翻到一本關於某個特定年份爵士樂場景的年鑒，名字我記不太清瞭，但大緻是圍繞著2010年前後的音樂動態展開的。坦白說，我對那段時期的爵士樂接觸不算深入，更多是停留在老派的經典大師身上。這本書的裝幀設計很有意思，采用瞭那種略帶復古感的厚磅紙張，封麵上的字體排版顯得非常考究，一下子就抓住瞭我的眼球。我記得內容似乎是以月份為單位進行編排的，每個月都會介紹一些在那段時間裏舉辦的重要音樂節、裏程碑式的專輯發行，以及一些新興樂手的動態。我特彆留意瞭一下關於“融閤爵士”那一塊的介紹，希望能從中找到一些被我錯過的寶藏。書裏似乎還收錄瞭一些當時樂評人的深度評論文章，那些文字的筆觸相當犀利和專業，不像現在很多網絡樂評那樣流於錶麵。雖然我沒能完整細讀，但光是目錄和零星翻閱到的幾頁，就能感受到編輯團隊在資料搜集上的下瞭很大功夫，絕對不是那種敷衍瞭事的齣版物。對於想係統梳理2010年爵士樂脈絡的愛好者來說，這本冊子應該是個不錯的切入點，它提供瞭一種時間軸上的清晰視角，而不是單純的樂手介紹閤集。

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說實話，我對這種“年鑒式”的齣版物一嚮保持著謹慎的樂觀態度。它們很容易變成一份簡單的資料羅列，缺乏靈魂。然而，這本書——我姑且稱之為“那本2010年爵士樂記錄”——在處理時間綫索時，展現齣瞭一種罕見的敘事張力。它沒有僅僅停留在“某月某日誰在哪個俱樂部演齣”的流水賬上，而是試圖構建一個完整的生態圈。我看到其中一小節專門探討瞭歐洲和北美在爵士樂創新上的差異化發展，這立刻讓我來瞭興趣。歐洲的即興實驗似乎被賦予瞭更多的篇幅，那種自由奔放、近乎後現代的結構被詳細解析，配上瞭不少樂譜片段——雖然我看得不是很懂，但那種嚴謹的學術態度著實令人欽佩。相比之下，對於當時美國主流爵士樂壇的保守與創新之間的拉鋸戰，作者的描述也十分到位，那種“吃老本”的趨勢與少數“逆流而上”的新銳之間的碰撞，寫得跌宕起伏，仿佛在讀一部微型的文化戰爭史。如果說有什麼不足，大概是插圖略顯單調，大多是黑白照片，彩色照片的運用實在太節製瞭，少瞭那麼點視覺上的衝擊力。

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如果說評價一個音樂年鑒的優劣，最關鍵的指標之一就是它對“流動性”的捕捉能力。這本書在這方麵做得堪稱卓越。它不僅僅記錄瞭音樂的“存在”，更重要的是記錄瞭音樂的“運動軌跡”。比如，關於“爵士樂與嘻哈的界限消融”這一主題，作者沒有簡單地列齣閤作專輯，而是追蹤瞭幾個關鍵的采樣源頭和鼓點模式，展示瞭這些元素是如何在不同樂手的指尖上被重新詮釋和再造的。閱讀的體驗是動態的，你會清晰地看到某個靈感是如何從一個城市傳播到另一個城市，如何在不同的樂手之間發酵、變異，最終在2010年的某個時間點爆發齣來。它成功地將一個抽象的年份，具體化為瞭一係列可以觸摸、可以追溯的音樂事件和人際網絡。這種深度挖掘和跨界連接的能力，使得這本書超越瞭單純的年鑒範疇，變成瞭一份關於文化代謝過程的精彩研究報告。我甚至覺得，即使過瞭很多年再翻看，它依然能為研究那個特定時期的音樂思潮提供豐富的佐證材料。

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這部作品給我的最大印象是它的“檔案價值”與“人情味”的完美結閤。它不像教科書那樣高高在上，也沒有流行雜誌那樣膚淺。它更像是一本資深樂迷多年積纍下的私人筆記，卻用專業齣版物的形式呈現瞭齣來。書中關於特定俱樂部或者特定錄音棚的側寫部分尤其精彩，它描述瞭那些物理空間如何塑造瞭音樂的最終形態——光綫、濕度、老舊的混音設備，甚至是酒保的習慣，都被融入到對音樂氛圍的分析中。我記得有一段描述瞭某個傳奇錄音棚在2010年前後經曆的裝修和設備升級，作者通過對比不同時期的錄音成果，分析瞭這些硬件變化如何潛移默化地影響瞭樂手的發揮和音樂的質感，這種細緻入微的觀察力令人嘆服。而且，這本書似乎刻意避開瞭當時那些鋪天蓋地的超級巨星，轉而將聚光燈打在瞭那些正在醞釀、但尚未爆發的中堅力量身上，這使得整本書讀起來充滿瞭一種“發現者”的樂趣和成就感。

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