20th Century American Paintings

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出版者:
作者:Hunter Museum of American Art (EDT)
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2000-4
价格:$ 7.85
装帧:
isbn号码:9780486410623
丛书系列:
图书标签:
  • 美国绘画
  • 20世纪
  • 现代艺术
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  • 绘画
  • 艺术
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具体描述

Extraordinary compilation features meticulously reproduced works by American artists -- Cassatt's "Baby Bill in His Cap"; "French Tea Garden," by Hassam; "Actress in Red Before Mirror," by Shinn; Hopper's "House and Boats"; "Miss Olga D.", by Glackens; "Subway--14th Street," by Marsh; and 18 other works. Introduction and Notes. Captions.

好的,这是一本名为《20th Century American Paintings》的图书的详细简介,但内容完全不涉及该主题: --- 书名:《寂静的织锦:中世纪欧洲修道院艺术与日常》 作者:阿莱斯特·麦克唐纳 出版社:格里芬与子嗣出版 ISBN:978-1-945823-11-7 页数:580页(含彩色插图120幅,黑白图版200余幅) 定价:£45.00 / $65.00 --- 内容概述 《寂静的织锦:中世纪欧洲修道院艺术与日常》是一部深入探讨中世纪(约公元500年至1500年)欧洲修道院群体所创造、收藏和使用的艺术遗产的里程碑式著作。本书摒弃了仅关注宏伟教堂建筑或华丽手抄本的传统叙事,转而聚焦于修道院生活——一个在世俗世界边缘维持着独特精神秩序的生态系统——如何催生和塑造了特定类型的视觉文化。 麦克唐纳教授以其二十余年的田野考察和档案研究为基础,构建了一个细致入微的论述框架,揭示了修道院艺术的功能性、象征意义及其与日常作息的紧密联系。本书认为,中世纪修道院的艺术实践并非仅仅是信仰的装饰,而是维持社区结构、促进冥想、保存知识和体现神圣秩序的核心工具。 全书共分为六个主要部分,通过对不同地域(从爱尔兰的早期隐修所到克吕尼和熙笃会的改革中心)和不同修会(如本笃会、方济各会、多明我会)的比较研究,展现了修道士、修女和侍从群体如何将美学投入转化为精神实践。 第一部分:空间、秩序与物质性 本部分首先建立了一个基础性的论点:修道院的物理空间本身就是一种艺术品和一种教义的体现。作者详细分析了克吕尼复兴时期或早期卡洛林王朝时期修道院布局的演变,重点考察了从教堂到食堂(Refectory)、卧房(Dormitory)和回廊(Cloister)等功能性区域的过渡。 深入探讨了“朴素的艺术”与“荣耀的艺术”之间的张力。例如,熙笃会如何通过其对装饰的严格限制,将简约的建筑线条和粗糙的材料本身转化为一种强烈的神学声明。书中收录了对早期中世纪晚期西班牙修道院陶瓷和木制家具的详细考察,这些“低语的艺术”往往被学术界所忽视,但却深刻反映了修士对禁欲生活和物质简朴的追求。 第二部分:书写、光线与永恒的文本 手抄本的制作是修道院文化的核心。然而,本书的焦点并不仅限于著名的《林迪斯法恩福音书》或《博韦圣母时祷书》。麦克唐纳将研究扩展到那些在修道院作坊中批量生产的、用于日常礼拜和教学的实用文献,包括: 1. 校订与抄写工具的美学: 对鹅毛笔、墨水、羊皮纸处理过程的详细描述,以及这些工具本身如何被视为圣洁劳动的延伸。 2. 微缩插图的功能性: 分析那些作为辅助记忆和教授教义的简单微插图,而非仅仅是装饰元素。书中包含了对爱尔兰修道院羊皮纸上用赭石绘制的简易“骨架图”的首次详细研究。 3. 修女会中的书籍制作: 特别关注了中世纪晚期德意志和尼德兰地区修女院在保存和再现古典文本方面扮演的角色,以及她们如何将女性的肖像和视角微妙地融入到受托付的文本中。 第三部分:织物、时间与圣物崇拜 修道院是中世纪重要的纺织品生产中心,这些纺织品远远超出了日常服装的范畴。本部分聚焦于礼仪服饰、圣坛围屏和宗教旗帜的制作。 刺绣作为叙事媒介: 详细考察了“织物圣像”——即通过刺绣技术再现的图像——在巡回布道和朝圣中的重要性。书中重现了对一幅已失传的12世纪诺曼底修道院制作的圣徒生平挂毯的文字描述,并分析了其图案如何服务于识字率较低的朝圣者。 材料的象征意义: 丝绸、亚麻和金线的引入如何与修道院对贫困的誓言产生张力,以及教会当局如何通过复杂的法规来调和这种张力。作者还探讨了修道院如何利用其在羊毛贸易中的优势来资助艺术项目。 第四部分:日常生活的微小艺术 这是本书最具创新性的部分,它将目光投向了那些在修道院内随处可见、但通常被忽略的“应用艺术”。 陶器与餐具: 考察了修道院厨房和食堂中使用的陶土制品,分析了其造型上的简单几何形状与对“虔诚的节制”之间的关系。对南法修道院晚期粘土油灯的设计变化进行了细致的比对。 雕刻与家具: 深入研究了修道士使用的木制或骨制小物件,例如祈祷计数器、简易的墨水盒以及卧房内的床架结构。这些物件上往往刻有极其私密、往往是个人化的铭文或象征符号,揭示了修士们在严格的公共生活之外的内心世界。 园艺与“天堂的复制”: 探讨了修道院菜园、药草园和墓地的设计原则。作者认为,修道院花园本身就是一种三维的、可体验的艺术形式,旨在将“被驯服的自然”转化为对伊甸园的短暂复制。 第五部分:艺术与社会经济的交织 本书的最后一部分将艺术品放置于更广阔的社会经济背景下审视。修道院不仅是艺术的消费者,也是赞助人、技术传播者和重要的艺术品市场参与者。 作者分析了修道院财富的积累如何驱动了特定艺术风格在欧洲范围内的扩散,例如,克吕尼修道院对罗马复兴式雕塑风格的推崇如何影响了其附属教堂的装饰。同时,也探讨了修道院在艺术品捐赠、继承和作为抵押品方面的复杂法律程序,这些活动直接影响了艺术品的流向和保存状况。 结论:在尘埃中凝视永恒 《寂静的织锦》最终试图重塑我们对中世纪艺术史的理解:艺术并非仅仅是精英阶层的特权,而是在修道院的围墙内,通过日复一日的、看似平凡的劳动,将物质转化为精神的媒介。这些艺术品——无论是宏伟的壁画,还是一个用作计数器的鹅卵石——共同编织了一张关于信仰、秩序与人类耐心的宏大织锦。本书为艺术史学家、中世纪研究学者以及所有对西方精神文化遗产感兴趣的读者提供了全新的视角和深入的见解。 --- 评论界评价节选: “麦克唐纳教授的工作是一次深刻的考古发掘,他不仅挖掘出了被遗忘的艺术品,更挖掘出了被遗忘的劳动和信仰的节奏。这本书对于理解修道院的‘日常’至关重要。”—— 《中世纪研究季刊》 “无可替代的资源。作者对材料的敏锐洞察力,特别是对织物和陶器的分析,将改变我们对‘修道院艺术’这一术语的定义。”—— 《古典艺术评论》

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我最近一直在寻找能够拓展我对美国现代艺术视野的书,而《20th Century American Paintings》无疑满足了我所有的期待,甚至超越了。它所呈现的并非我之前预想的线性叙事,而是更像是一幅精心编织的挂毯,将20世纪美国艺术中那些看似独立却又彼此关联的丝线,以一种令人着迷的方式呈现出来。我尤其着迷于书中对“美国梦”这一概念在不同艺术风格中演变和诠释的探讨。从那些描绘繁荣景象的早期作品,到后来对社会现实的批判性反思,再到抽象艺术中对个体精神世界的探索,这本书都给出了深刻的见解。它让我看到了不同时期艺术家们在面对相同的社会主题时,是如何运用不同的艺术语言来表达他们的思考。我特别欣赏书中对一些被忽视的艺术家群体的关注,比如那些女性艺术家和非裔美国艺术家,他们同样在20世纪美国艺术的发展中留下了浓墨重彩的一笔,而这本书就给了他们应有的地位和展示空间。读完之后,我感觉我对美国这个国家及其文化有了更深层次的理解,因为艺术总是社会的一面镜子,而这本书无疑是让我看得最清楚的那面镜子。

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这本《20th Century American Paintings》带给我的惊喜,远不止于它封面上的那些精致的画作。我原本以为这是一本关于艺术家和作品的简单介绍,但事实远非如此,它更像是一部娓娓道来的美国艺术史诗。我特别着迷于书中对艺术流派之间微妙联系的阐释,比如它如何清晰地展现了从印象派到抽象表现主义,再到波普艺术等一系列风格的演变和继承。它不是简单地把它们堆砌起来,而是深入分析了每一场艺术运动背后的社会、文化和哲学根源,以及艺术家们是如何回应这些时代背景的。我最欣赏的一点是,书中对于一些鲜为人知却同样重要的艺术家和作品的挖掘,让我的艺术视野得到了极大的拓展。它让我认识到,20世纪的美国艺术并非只有少数几位巨匠,而是汇聚了无数才华横溢的艺术家,他们用不同的方式,共同塑造了这个辉煌的时代。这本书的叙事方式也相当引人入胜,语言流畅而富有感染力,即使是对艺术史不太熟悉的人,也能从中找到乐趣。我感觉自己不仅仅是在阅读,更像是在经历一场关于美国艺术的深刻体验。

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这本《20th Century American Paintings》简直就是一本宝藏!我是在一次偶然的机会下翻到的,原本只是随便看看,没想到越看越入迷,直接就捧着书看了好几个小时,连午饭都忘了吃。最让我惊喜的是,它并没有像很多艺术史书籍那样,枯燥地陈列作品和生平介绍,而是用一种非常生动、充满故事性的方式来讲述。比如,在讲到二三十年代的现实主义和地方主义时,书中就不仅仅是展示了格兰特·伍德的《美国哥特式》,还详细介绍了当时美国社会面临的经济大萧条和农村生活,以及艺术家们如何将这些现实融入到他们的创作中。那种代入感特别强,让我感觉自己不仅仅是在看画,而是在亲历那个时代。而且,书中对不同流派的联系和演变也分析得非常到位,比如从意象派到超现实主义,再到抽象表现主义,它都能够清晰地展现出它们之间的相互影响和发展逻辑,而不是生硬地将它们分开。我特别喜欢其中关于“后印象派”对美国艺术影响的那部分,它解释了为什么一些美国艺术家会受到欧洲前卫艺术的启发,但又能在本土发展出独特的风格。这本书的语言风格也很吸引人,既有学者的严谨,又不失大众的可读性,即使是对艺术不太了解的人,也能轻松地读进去。

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我必须承认,《20th Century American Paintings》是一本让我完全沉浸其中的书。它不仅仅是一本图册,更像是一次穿越时空的艺术之旅。我之前对20世纪美国艺术的认知,很大程度上是停留在一些耳熟能详的名字和代表作上,但这本书彻底颠覆了我的认知。它以一种非常独特的方式,将那些风格迥异、主题多样的作品,巧妙地编织在一起,形成了一个更加完整和立体的画面。我非常喜欢书中关于“地域性”和“国际性”在美国艺术中交织的论述。它不仅展示了像奥地康比这样在抽象艺术领域有着卓越贡献的艺术家,还深入探讨了那些深受欧洲现代艺术影响,却又能融入本土文化元素,最终形成独特风格的艺术家。书中对不同时期社会背景和文化思潮的梳理,也为理解这些艺术作品提供了至关重要的背景信息。我印象最深刻的是,它并没有回避艺术史中的争议和挑战,而是以一种开放和探讨性的态度,带领读者去思考艺术的本质和社会价值。读这本书,就像是与一位博学多才的艺术史学家进行了一场深入的对话,受益匪浅。

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天啊,我最近挖到的这本《20th Century American Paintings》简直是打开了我艺术世界的新视角!我原本以为我对美国的现代艺术已经有所了解,但这本书所展现的广度和深度完全超出了我的预期。它不仅仅是罗列了一些画作和艺术家,而是像一位才华横溢的策展人,巧妙地将20世纪美国艺术的发展脉络串联起来。我特别喜欢其中关于抽象表现主义的部分,那些关于波洛克滴画法的起源和发展,以及德·库宁那些充满力量和情感的笔触,书中都有非常细致的解读,甚至还引用了一些当时艺术评论家的文章,读起来仿佛置身于那个充满激情的年代。而且,它不仅仅局限于纽约画派,还带我认识了那些在其他地区默默耕耘却同样具有影响力的艺术家,比如像爱德华·霍珀那样,用他的画笔捕捉美国小镇的孤寂与宁静,那种氛围的营造,在书中得到了极其精彩的分析。我发现自己以前对一些艺术家的理解都有些片面,这本书的出现,让我能够以一种更全面、更深入的姿态去重新审视和欣赏这些作品。它让我看到,20世纪的美国艺术,不仅仅是画布上的色彩和线条,更是那个时代社会变迁、文化碰撞、以及艺术家内心世界的真实写照。我强烈推荐给所有对美国艺术感兴趣的朋友,甚至那些初学者,这本书绝对是开启你艺术之旅的绝佳起点。

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