The Complete Singer-Songwriter

作者:Rodgers, Jeffrey Pepper

页数:202

出版时间:2003-8

价格:$ 20.28

isbn号码:9780879307691

具体描述

(Book). Of all the paths available to today's musicians, the life of the singer-songwriter remains one of the most alluring and popular. This handbook is the ultimate guide for the modern singer-songwriter, full of real-world advice and encouragement for both aspiring and accomplished troubadours. The founding editor of Acoustic Guitar magazine, Jeffrey Pepper Rodgers draws on his own experiences as a performing songwriter and interviews with artists such as Joni Mitchell, Ani DiFranco, Arlo Guthrie, Chrissie Hynde and Paul Simon to offer an invaluable companion for the journey from idea to song to stage and studio. Also includes inside info from managers, agents, lawyers and record execs. "A lucid, well-written, fact-stuffed work." Bruce Cockburn

用户评价

这本书的结构组织逻辑非常精妙，它没有采用传统的“第一步、第二步”的教学模式，而是采取了一种主题模块化的方式，让我可以根据自己当前遇到的瓶颈，精准地切入相应的章节进行学习和参考。比如，我前段时间正为如何构建一个引人入胜的“副歌爆发点”而苦恼，我直接翻到了关于“动态范围管理与情感高潮构建”的章节，里面详细对比了几种不同风格歌曲中“高潮”的构造方式，从节奏密度到和声色彩的突然转变，分析得极其透彻，让我豁然开朗。这本书的排版和配图也做得非常用心，那些乐谱示例和图表都清晰明了，没有丝毫的含糊不清，这对于那些需要视觉辅助理解复杂概念的读者来说，是一个巨大的加分项。它真正做到了将理论知识与实际操作无缝衔接，读完一个概念，你几乎可以立刻将其应用到你的DAW（数字音频工作站）里进行试验。我感觉自己像是获得了一份为期一年的、量身定制的创作训练计划，随时可以拿出来翻阅，永远都能找到新的启发点，它的知识密度非常高，经得起反复品味和查阅。

拿到这本书时，我主要是在寻找关于“旋律与和声”之间那种微妙互动关系的解答，坦白说，我过去对乐理的理解一直停留在比较基础的层面，总是感觉自己的旋律线很容易“飘”，缺乏那种让人听过一次就想跟着哼唱的记忆点。这本书在这方面的阐述，简直是为我量身定做的。作者对和弦进行（chord progression）的讲解非常直观，他没有用枯燥的乐理术语堆砌，而是结合了大量的音乐实例，让你能立刻在脑海中“听”到不同和弦走向带来的情绪变化。我尤其喜欢他讨论“主音旋律驱动”和“伴奏织体驱动”这两种创作模式对比的章节。通过这些分析，我开始明白为什么有些歌曲听起来充满张力，而有些则显得平铺直叙。更棒的是，书中似乎还探讨了一些关于“人声演唱特性”如何影响旋律设计的内容，这在很多纯理论书籍中是找不到的。它不只是教你写歌，更是教你如何写出“好听”、“易于传唱”的音乐。读完后，我尝试着去构建一些更复杂的旋律线，发现以前感觉“别扭”的和声搭配，现在听起来竟然有了逻辑和美感，这对我个人的作曲视角是一个巨大的提升。

说实话，我对这种“如何成为创作大师”的书籍总是抱持着一种审慎的态度，因为很多所谓的秘籍读完后发现都是废话。但这一本，给我的震撼在于它对“自我审视”和“职业化”的强调。它没有一味地鼓励你“大胆去写”，而是要求你建立起一套严格的反馈和修改机制。书中关于“如何客观地评估自己的作品”那几页，我反复看了好几遍。作者建议我们不仅要从听众的角度，更要从“竞争对手”的角度去审视自己的作品，这是一种非常冷酷但极其有效的自我提升方式。这种商业思维与艺术表达的结合，使得这本书的实用性大大增加。它让我意识到，光有激情是不够的，你必须学会像一个产品经理一样去打磨你的“音乐产品”。此外，书中对“版权意识”和“与制作人、厂牌的沟通技巧”也有涉及，虽然篇幅不长，但这些“行外知识”恰恰是很多独立音乐人最容易忽略的短板。这本书的视野很开阔，它关注的不仅仅是创作室内的那一刻灵光乍现，而是整个音乐人从构思到最终推向市场的全链路。

我是在一个连续低谷期翻开这本书的，当时感觉自己的声音和风格都快被自己磨没了，非常迷茫。这本书最打动我的地方，在于它对“声音个性”挖掘的深度。它不是那种教你模仿某个风格的指南，反而是在不断引导你去探寻你“为什么”要用某种方式去表达。书中有一段讨论“脆弱性”在歌曲中的作用，让我印象非常深刻——如何在高超的技巧和真挚的情感之间找到平衡点，不让技巧掩盖了人性的真实流露。作者似乎很懂得创作者在表达自我时那种如履薄冰的感觉，他提供的建议非常细腻，比如如何利用音色处理和微小的动态变化来暗示角色的情绪转变。我尝试着用书中提到的方法去重新录制一首我之前觉得很平庸的Demo，仅仅是调整了对某个特定情感段落的咬字力度和气音控制，整首歌的生命力瞬间就被点燃了。这本书教会我，真正的风格不是刻意寻找的，而是通过不断地对自我进行诚实而细致的观察与呈现中自然流淌出来的。它更像是一位经验丰富、但又不失同理心的导师在你耳边低语，而不是一本冷冰冰的教科书。

这本书，哎呀，拿到手的时候我就有一种强烈的预感，这绝对不是那种泛泛而谈、只教你如何“押韵”的浅薄之作。它给我的感觉更像是一份精心打磨的行业内部指南，深入到了音乐创作的肌理之中。我特别欣赏作者处理“歌词叙事”的方式，他没有简单地告诉你“要写好故事”，而是拆解了不同情绪在歌词中是如何通过意象和节奏来构建张力的。比如，关于如何用环境描写来烘托人物内心状态那几个章节，简直是醍醐灌顶。我过去总觉得自己的歌词很平，缺乏画面感，但读了这本书，我才意识到，原来那些大师级的作品，他们的每一句看似随意的描述，背后都蕴含着精确的情感计算。作者似乎对创作中的“卡壳期”有着深刻的理解，他提供了一套非常实用的工具箱，帮助创作者在灵感枯竭时，能够从技术层面去“撬动”新的想法，而不是干等缪斯的降临。尤其是在分析经典歌曲结构时，那种抽丝剥茧的严谨，让我对那些耳熟能详的旋律有了全新的认识，原来它们在结构上是如此的巧妙和耐人寻味。这本书的价值，在于它教会你如何成为一个有意识的、技术成熟的歌词匠人，而不仅仅是一个抒发情感的诗人。