Jazz Saxophone

出版者:Hal Leonard

作者:Dennis Taylor

页数:80

出版时间:2004-7-1

价格:USD 18.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634058493

具体描述

This book/CD pack is solely devoted to providing you with a complete overview of the techniques and styles popularized by the greatest jazz tenor saxophonists of all time. All the best are here: from the cool bebop excursions of Dexter Gordon, to the stellar musings of John Coltrane, with more than a dozen master players examined in between. Includes lessons, music, historical analysis and rare photos, plus a CD with 16 full-band tracks

用户评价

坦白讲，我购买这本书的初衷是想找到一些实用的、能够立刻提升我吹奏水平的练习曲目和技巧分解。在这方面，这本书也确实没有辜负期望，不过它给我的“实用”定义比我想象的要深刻得多。它没有直接给出“每天练习半小时的音阶组合”，而是提供了一套“耳朵训练”的哲学。作者坚持认为，真正的技术飞跃来自于对“声音的内化”，而不是机械的重复。书中有一部分内容专门讨论了如何通过聆听来培养“空间感”——如何在即兴演奏中，既能与节奏组和谐共存，又能跳脱出来，创造出自己独立的声音空间。我尝试了书中建议的一些“模仿-反思-再模仿”的练习回路，尤其是在处理复杂的转调和挂留音时，效果立竿见影。这种由内而外的改进方式，让我对自己的练习产生了全新的认识：不再是追求速度和准确度，而是追求“对话感”。这本书的风格很像一位严厉但充满慈爱的导师，他不会直接喂给你答案，而是引导你去聆听音乐本身，让音乐成为你最好的老师。

我不得不说，这本书的结构安排实在称得上是匠心独运，它并非简单地按照音阶或和弦进行来划分章节，而是采用了一种更为宏观的“风格流变”视角来构建其内容体系。我尤其欣赏其中关于“比波普革命”那几章的论述。作者对于查理·帕克和迪兹·吉莱斯皮等音乐家如何彻底颠覆了既有的音乐范式，将其提升到一种近乎古典音乐般严谨而又极度自由的艺术境界的分析，深入且富有洞察力。他没有停留在对那些快速跑动和复杂和声的表面描述上，而是着重分析了这种风格变化背后的时代精神——战后一代对传统束缚的反叛。书中穿插了大量对比性的乐谱分析，比如将一段经典的摇摆乐主题，如何被比波普乐手解构、重组成一个全新的、充满张力的音乐叙事，这种视觉上的对照极大地增强了读者的理解。阅读这些章节时，我感觉自己像是坐在一间顶级音乐学院的研讨会上，听着一位经验老到的教授，层层剥开音乐的肌理。唯一让我略感遗憾的是，在涉及到一些更前卫的自由爵士乐的探讨上，篇幅稍显不足，但瑕不掩瑜，对于想系统了解爵士萨克斯风发展脉络的爱好者来说，这本书提供的深度和广度绝对是顶级的。

这本书给我的最大震撼，来自于它对于“文化身份”与“乐器表达”之间关系的探讨。不同于许多侧重于纯粹技巧的书籍，这本书花费了相当大的篇幅来阐述，萨克斯风的每一次呼吸、每一个颤音，都深深植根于特定的美国社会历史背景之中。从大萧条时期的布鲁斯影响，到民权运动时期音乐中蕴含的抗争与希望，作者将爵士萨克斯风的演变，视为一部微缩的美国社会变迁史。这种跨学科的视角，让原本略显小众的音乐题材，拥有了更广阔的人文关怀。我记得书中有一段文字描述，对比了早期的咆哮蓝调风格和后来的冷爵士（Cool Jazz）的内敛，将前者比作“夏日午后的烈日直射”，后者则形容为“雨后清晨的薄雾”，这种极富画面感的比喻，让人对不同时期的音乐情绪有了极其清晰的界定。阅读全书，我感觉自己不仅是在学习一种乐器，更是在深入了解一种艺术形式如何承载和反映人类复杂的情感世界。这本著作，绝对是值得所有对音乐、文化乃至历史感兴趣的读者细细品读的精品。

这本《爵士萨克斯风》的封面设计就充满了活力与灵动，那种略带复古的字体搭配着一抹深邃的蓝色，让人一眼就能感受到其中蕴含的音乐激情。我是在一个朋友的推荐下接触到这本书的，他当时说这本书是近年来难得一见的深入探讨萨克斯管演奏技法与爵士乐史的佳作。初翻阅时，我有些被那些复杂的乐理术语和详尽的指法图表“震慑”住了，心想这大概是一本只适合专业人士的“教科书”。然而，随着我耐下性子，从第一章的“萨克斯风的起源与演变”开始细读，我立刻被作者的叙事功底所折服。他没有采取那种干巴巴的罗列事实的方式，而是将乐器的诞生与爵士乐如何在新奥尔良的街头巷尾悄然生根发芽的过程，描绘得如同电影画面般生动。特别是关于早期几位传奇乐手的介绍，作者似乎运用了一种“人物志”的手法，不仅仅是记录了他们的成就，更挖掘了他们演奏风格背后的文化和社会土壤。读到关于科尔曼·霍金斯那种厚重、富有歌唱性的音色是如何塑造了摇摆乐时代的基调时，我仿佛能透过文字听到那温暖而坚定的铜管之声。这本书的价值，在于它成功地搭建了一座从技术细节到艺术哲学的桥梁，让非专业人士也能窥见爵士乐手们如何用气息和指尖，与他们的乐器进行一场深刻的对话。那种对音乐细节的执着探究，远超出了我预期的范畴，让人忍不住想要立刻拿起乐器，去模仿书中所描述的那些标志性乐句。

这本书的排版和印刷质量，体现了出版方对艺术的尊重。厚实的纸张，使得那些展示老式乐器照片的插页显得质感十足，每一个黄铜的弯曲、每一个按键的细节都纤毫毕现。我个人对萨克斯风的历史渊源非常感兴趣，而本书在追溯阿道夫·萨克斯的最初设计理念时，其严谨的考据工作令人印象深刻。它不仅仅讲述了萨克斯风如何被引入到乐队配置中，更细致地描述了它如何从军乐团的配角，一步步挣脱束缚，成为爵士乐舞台上无可替代的“人声”。读到关于次中音萨克斯（Tenor）和中音萨克斯（Alto）在音色和情感表达上的细微差异，以及不同代乐手如何利用这些差异来塑造个人品牌时，我真是受益匪浅。例如，书中对约翰·柯川（John Coltrane）晚期对“音墙”的探索，那种近乎冥想般的、连续不断的音符流，被作者描述为对“有限物理限制的超越”，这种富有诗意的语言，让枯燥的技巧练习也充满了哲学的意味。它让你明白，手中的乐器，不仅仅是吹奏旋律的工具，更是承载演奏者灵魂的容器。