名师零距离 刘晓 色彩静物

出版者:湖南美术

作者:刘晓

页数:36

出版时间:1970-1

价格:25.00元

isbn号码:9787535636980

具体描述

《名师零距离:刘晓色彩静物(最新版)》内容简介：色彩静物与素描不同，水粉画是直接用颜色来进行形体塑造。画水粉不仅要有扎实的素描基本功，而且还必须掌握一定的色彩表现技巧、调色技法、形体塑造等专业知识。对工具材料性能的了解也是必不可少的，如使用何种纸张会出现何种效果等。一旦掌握以上这些知识，作画时就能得心应手、表现自如。初学绘画，应当讲究方法，有了正确的方法，就能少走弯路。正确的方法有两层含义：一是指有效的训练方法，二是指基本的表现技法。《名师零距离:刘晓色彩静物(最新版)》按照初学者的一般学习进程进行编排，力求直观、具体，贴近学习实际，在剖析基本表现技法的同时突出方法指导，使初学者尽快入门，早日迈入艺术的殿堂。

色彩，是绘画中的重要学科，是美术爱好者及艺术院校考生学习的必修课。色彩静物是古今中外大家所喜爱的表现题材，由于物体处于静态且光源稳定、环境固定，故有助于作画者深刻理解、深入研究色彩的原理及规律，是初学绘画者最为适宜的入门学科。色彩静物能全面反映学生的水平和素质，因此被国内很多艺术院校定为高考招生考试的必考课程。美术高考主要是考察学生对色彩的认识、理解和运用能力，色彩考试内容多为我们常见的陶瓷品、玻璃器皿、金属器具、瓜果蔬菜以及花卉和各式衬布等。近几年考试的形式基本是在静物写生与默写中交替进行。写生比较容易，可直接观察静物，找出它们之间的主次关系、素描关系、色彩关系、冷暖关系、虚实关系等。

《名师零距离:刘晓色彩静物(最新版)》结合色彩学习的基本规律循序渐进，由浅入深、由易入难，并配以大量的图示说明、照片参考及步骤演示，系统规范地阐述色彩的基础知识、表现技法和不同形式的组合，重点难点的讲解示范，高考时间形式内容的训练等等。适合初学者、美术爱好者及考生使用，主要目的是让学生掌握色彩知识、作画表现的技能技巧等，为进一步学习打下扎实的基础。

作者简介

刘晓艺术简介：

出生于安徽灵璧县，毕业于中央美术学院油画专业，创办阜阳刘晓美术高考工作室，作品多次参展并获奖，近几年一直从事美术高考教育工作，作品曾多次被编入高考教学丛书。

用户评价

阅读这本书的过程，对我而言，更像是一场与作者的深度对话，而非单向的知识灌输。作者的行文语气中透露出一种对艺术本质的敬畏，他从未将绘画视为一种简单的技能训练，而是强调其背后蕴含的观察哲学。最让我印象深刻的是关于“静物生命力”的探讨。很多静物画容易画得死板、缺乏生气，这本书对此提出了一个非常独特的见解：物体的“生命力”并非来自于动势，而是来自于其表面纹理对环境光的“回应”方式。比如，一个苹果皮上的蜡质光泽和一块磨砂陶罐对光线的吸收和散射是完全不同的，这种细微差别的精准表达，就是赋予物体存在感的关键。他甚至花了一整个章节去分析不同光源下，同一物体在不同时间段内色彩的变化规律。这种对细节的极致关注，迫使我重新审视我过去习以为常的那些静物摆设，不再将它们视为仅仅是摆在那里供我描摹的形体，而是充满着复杂光影和色彩故事的有机整体。这本书成功地把绘画从“复制”提升到了“诠释”的层面。

这本书的排版和插图质量，可以说是这本书最能体现其专业性的地方，但也暴露了一些时代局限性。装帧方面，纸张的选取非常厚重，印刷的色彩还原度极高，尤其是一些高光部分的层次过渡，处理得非常细腻，拿在手里有一种沉甸甸的品质感。然而，从整体的版面布局来看，它显得有些拥挤和保守。很多需要大面积留白来呼吸的技巧展示，都被密集的文字和小的辅助图挤在了一起。这使得在快速翻阅时，信息过载，眼睛需要花费更多的精力去筛选重点。我个人觉得，如果作者在讲解复杂构图时，能提供更大比例的示意图，或者使用分层叠加的展示方式（比如先展示轮廓，再叠加上明暗，最后是色彩），学习效果会更好。即便是如此，书中对于“如何建立画面的视觉焦点”的论述，依然是教科书级别的。他把焦点建立的技巧归纳为三大要素：对比度、细节密度和边缘处理的锐利度，并用三个不同的静物案例进行了详细解剖，这种结构化的分析方法，极大地帮助我优化了我自己的构图逻辑。

这本书的封面设计，坦白说，初看之下并没能立刻抓住我的眼球。那种偏向传统的版式和配色，总让人感觉像是某种老派的教材，少了一些现代设计所追求的视觉冲击力。然而，一旦翻开内页，那种朴素的外观立刻被它内在的扎实内容所取代，让人不得不收回先前的判断。我尤其欣赏作者在讲解基础光影处理时所展现出的那种耐心和细致，他似乎完全没有将任何一个初学者可能遇到的困惑视为理所当然。记得在讲解透明物体如何表现晶莹剔透质感的那一章节，他没有简单地罗列几个光斑位置，而是深入剖析了光线穿透介质后发生折射和反射的物理原理，并将其转化为绘画语言。这种结合了科学逻辑与艺术直觉的叙述方式，极大地提升了阅读体验，让我感觉不是在看一本技巧手册，而是在上一堂高水平的素描理论课。对于那些希望从根本上理解“为什么”而不是仅仅模仿“怎么做”的画者来说，这本书无疑提供了一个坚实的理论基石。书中的范例作品也大多采用了经典的静物组合，虽然题材略显保守，但其对材质的捕捉入木三分，特别是对金属和织物反光细节的处理，展现出极高的观察力和表现力。

总结来说，这本书的价值在于其深度和严谨性，它更适合有一定基础、希望突破瓶颈的进阶学习者，或者对素描和色彩理论有强烈求知欲的初学者。它不像市面上那些追求“快速见效”的读物，读完一本就能立刻画出惊艳作品。相反，它要求读者投入时间和精力去消化那些看似枯燥的原理。我个人使用这本书的频率并不是每天都翻阅，而是将其作为一本随时可以查阅的“参考工具书”放在手边。每当我遇到光影或色彩上的难题，例如如何处理复杂反射的玻璃器皿，或者如何在高对比度环境下保持色彩的和谐统一时，我总能从中找到清晰、有理有据的解答。这本书没有提供捷径，但它提供了一张通往更高级艺术理解的地图。如果你的目标是建立一套自己牢不可破的、基于科学原理的绘画体系，这本书的贡献将是不可替代的。它构建的知识体系，稳固到足以支撑你未来几十年的艺术探索。

这本书的语言风格，说实话，非常具有“老派大师”的风范——严谨、精确，甚至带着一丝不苟的学究气。它不像市面上很多流行的速成画册那样，充斥着激励人心的口号或者过于口语化的指导，而是更倾向于一种近乎学术论文的论述方式。这对于我这样追求深度学习的读者来说，反而是个宝藏。我最喜欢它在分析色彩构成时所采用的系统化方法。作者似乎摒弃了传统美术教育中那些模糊不清的“感觉”描述，转而使用更量化的语言来描述色彩之间的关系，比如色相角、明度阶梯以及饱和度的相互制约。举个例子，在讨论如何处理一组水果的固有色时，他不是简单地说“这里要暗一点，那里要亮一点”，而是详细计算了环境光、反射光以及物体表面吸收光谱对最终视觉效果的影响。读到这些部分，常常需要放慢速度，甚至需要对照着色轮和色卡去理解，但一旦理解了，那种豁然开朗的感觉，是单纯临摹无法给予的。这种深度，让这本书的价值超越了一般的绘画辅导书，更像是一本艺术学院的内部教材。