中央美术学院高材生教你画-于萍素描教学 1

页数:80

出版时间:1970-1

价格:58.00元

isbn号码:9787539435114

具体描述

《中央美术学院高材生教你画•于萍素描教学1:头像半身像》由中央美术学院高材生于萍教你素描技法，结合艺术学习的基本规律，循序渐进、由浅入深、由易入难，并配以大量的图示说明、照片参考及步骤演示，并配有光盘。适合初学者、美术爱好者及考生使用，主要目的是为让学生掌握素描知识、作画表现的技能技巧等，为进一步学习打下扎实的基础。

素描训练的过程是通过学生的审美意识与感觉、观察与判断、概括与提炼等的提高，从而获得艺术的感知能力，并在严格的训练中养成整体观察、整体表现的观念与习惯，正确理解和把握构图、结构、空间、明暗等造型的基本原理和规律，掌握透视、解剖、几何、投影等自然科学知识在绘画中的应用。

读后感

书中只有两幅老画是她画的，书中的教程是玉萍写的，还有一些小师范，但剩下的画让人失望至极， 抱歉，你的评论太短了抱歉，你的评论太抱歉，你的评论太短了抱歉，你的评论太短了抱歉，你的评论太短了抱歉，你的评论太短了抱歉，你的评论太短了抱歉，你的评论太短了短了

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用户评价

如果要用一个词来形容这本书给我的感受，那就是“结构化思维的胜利”。我是一个理工科背景的人，对那些过于抽象、模糊的描述非常不适应，学习绘画对我来说一直是强迫自己适应感性思维的过程。然而，这本教材的逻辑结构极其清晰，甚至可以说是带有“工程学”的严谨性。它把复杂的素描过程，拆解成了一系列可量化、可检验的步骤。比如，在人物面部结构的学习中，作者运用了一种非常独特的“骨骼-肌肉-表皮”的三层递进模型来解析五官的绘制，每一层都有明确的绘制重点和过渡要求。这种层层递进的结构，完美契合了我的思维模式。我发现自己可以清晰地追踪每一个步骤的逻辑起点和目标终点，这极大地降低了学习的焦虑感。书中还穿插了一些关于“草图提炼”和“精准描绘”之间的切换训练，教你如何在快速捕捉神韵和精确描绘细节之间找到平衡点，这对于提高工作效率至关重要。总而言之，这本书为我提供了一个既科学又美学的学习框架，它不仅教会了我如何画素描，更教会了我如何用一种更有条理、更有效率的方式去学习任何复杂的技能。强烈推荐给所有习惯于逻辑清晰、结构严谨的学习者。

我必须承认，我一开始对这类“名校高材生亲授”的书籍持保留态度的，总觉得名校出来的作品可能过于追求学院派的严谨和高冷，难以适应我这种追求效率和实用性的业余学习者。然而，这本书彻底颠覆了我的刻板印象。它在保持极高专业水准的同时，展现出一种令人惊讶的亲和力与实战性。书中对基础形体的处理，比如球体、立方体、圆柱体这三大基础形，作者没有用生硬的理论去套公式，而是深入剖析了光线照射在不同材质上的反射与吸收，这种对物理现象的直观解读，让光影的塑造不再是凭感觉乱画一团，而是有理有据的科学过程。更让我惊喜的是，它对“人物动态速写”的讲解部分。速写往往是素描学习中的一个难点，容易流于僵硬或潦草，但这本书提供了一套非常独特的“骨架提取法”，快速抓住人体动态的核心线条和结构比例，这对于我这种希望快速捕捉生活瞬间的绘画爱好者来说，简直是如获至宝。我用书中教的方法练习了几次后，自己随手涂鸦的人物结构明显稳健了许多，不再是那种“头重脚轻”的比例失调感。这本书的排版设计也十分考究，留白得当，重点突出，阅读体验极其流畅，完全没有那种信息爆炸的压迫感，让人愿意沉下心来慢慢品味每一页的内容。

这本书简直是为我这种零基础小白量身定做的“救星”！我一直对手绘有着浓厚的兴趣，但苦于找不到系统的方法，买过几本号称“零基础入门”的书，结果不是图文并茂但讲解过于跳跃，就是理论一大堆实践太少，看得我云里雾里。直到我翻开这本，那种豁然开朗的感觉太美妙了。作者的讲解方式极其细腻，仿佛有一位经验丰富的老师在你旁边手把手指导。比如在谈到透视原理时，不是简单地甩出一个“消失点”的概念就完事大吉，而是结合了大量的实际案例，教你如何观察生活中的物体，如何迅速判断空间关系。即便是最枯燥的排线练习，也被设计成了有趣的训练步骤，从力度控制到线条的粗细变化，每一步都有明确的目标和反馈机制。我特别喜欢它对“观察力”的强调，作者认为绘画的本质是“学会看”，为此书中穿插了许多关于光影、结构对比的观察训练，这些训练对我这个习惯于“画自己想画的”而非“画实际看到的”的初学者来说，起到了颠覆性的引导作用。书中的步骤图清晰到让人感动，即便是复杂的头部结构分解，也能被拆解成几何形体，让人不再畏惧复杂对象的出现。这套学习路径设计得非常合理，循序渐进，每完成一个章节的练习，都能明显感受到自己绘画能力的提升，而不是原地踏步的挫败感。强推给所有想要系统学习素描的爱好者，尤其是那些在传统教材中迷失方向的人。

这本书的价值远超出了单纯的技法指导手册。我感受到的是一种深厚的艺术教育理念的渗透。它不像市面上很多速成读物那样，只关注“怎么画”，而忽略了“为什么这么画”。这本书的核心理念似乎是建立在对造型艺术本体的理解之上。例如，在讲解石膏像写生时，作者花了大量篇幅去分析古典雕塑的受光面与背光面的处理逻辑，探讨不同时代雕塑家对“美”的理解如何影响了他们对形体和阴影的处理方式。这种历史和理论的背景知识，极大地拓宽了我的视野，让我不再把素描仅仅看作一项枯燥的技能训练，而是理解为一种与艺术史对话的方式。此外，书中对“工具的哲学”也有独到的见解。它不是简单推荐某个品牌的铅笔，而是引导读者去理解不同硬度、不同炭含量材料的特性，以及如何利用这些特性来表达不同的情感和氛围。这种由内而外的教学方式，让我学会了独立思考，不再盲目依赖某一种工具或某一种固定画法。读完之后，我感觉自己的“艺术内功”得到了显著提升，面对任何新的绘画对象时，都能迅速找到最合适的表现策略。

作为一名已经接触素描多年，但总感觉自己瓶颈难以突破的中级学习者，我抱着试试看的心态入手了这本。我原本最头疼的问题是，为什么我的画看起来“平”，缺乏立体感和空气感。很多教材会强调“明暗交界线”和“反光”的重要性，但说得玄之又玄，实践中总是把握不好度。这本书在这方面的论述简直是教科书级别的精准。作者非常深入地探讨了“灰调子的层次管理”，她不是简单地说“要多画中间调”，而是详细区分了不同程度的灰面在画面中的功能——哪些区域需要更厚重的调子来稳定画面，哪些区域需要微妙的过渡来营造体积感。她甚至提供了一套非常实用的“灰阶测试表”，教读者如何对照自己的画面，找出与现实光影不符的偏差。这种对细节的极致把控，让我对自己画面的掌控力有了质的飞跃。我尝试用书中的方法重新处理了一张静物临摹作品，仅仅是调整了暗部的饱和度和亮部的微妙灰度，整个画面立刻“活”了起来，透着一股强烈的空间感和质感。对于那些已经掌握了基础轮廓和基本光影，但作品始终“差那么一点火候”的画友来说，这本书提供的深入解析是无价的宝藏。它帮你完成了从“会画”到“画得好”的关键一步。