The Drawing Book

作者:Simblet, Sarah

页数:264

出版时间:2009-7

价格:184.00元

isbn号码:9781405341233

具体描述

This book lets you develop your drawing talents and re-discover the world around you. It is now in paperback. Whether you are a beginner or an expert, be inspired to pick up a pencil, pen or charcoal with this comprehensive guide to drawing from Sarah Simblet. From still life to architecture, you can learn to tackle different subjects in a variety of ways following step-by-step instructions in drawing classes which will take you through the basics to more advanced techniques. From quick pencil sketches to finished colour studies Sarah Simblet brings her expertise as an artist and teacher, using her own inspirational work as well as famous masters to demonstrate the 'how to' aspects of drawing. Whatever your ability, it's never been easier to master the art of drawing.

用户评价

这本书简直是艺术爱好者的福音，特别是对于那些渴望提升自己观察力和表现力的初学者来说。我原本对速写这个领域感到有些畏惧，总觉得需要某种与生俱来的天赋，但翻开这本书后，那种紧张感立刻烟消云散了。作者的叙述方式极其平易近人，就像一位经验丰富的导师在你身边，耐心地为你拆解那些看似复杂的结构和光影关系。书中对于基础线条的练习部分，我用了整整一周的时间，它没有枯燥地让你机械重复，而是巧妙地将线条的粗细、压力变化与不同物体的质感联系起来，比如如何用轻柔的线条表现丝绸的飘逸，如何用坚实的笔触勾勒出金属的冰冷。最让我印象深刻的是它对“负空间”的强调。过去我总是盯着我要画的主体看，结果画面总是显得局促不安，但这本书教会了我如何观察物体周围的空间，这个角度的转换，简直是打开了我观察世界的一扇全新的窗户，让我的构图立刻变得大气而平衡起来。后续章节对于透视的讲解，也完全摒弃了那些晦涩难懂的数学公式，而是通过生活中常见的场景，比如一条延伸到远方的铁轨，或者一个咖啡馆的室内布置，让你在实践中自然而然地理解了消失点和地平线的作用。这本书的排版设计也非常出色，大量的范例图清晰地展示了“错误示范”和“改进之后”的效果对比，这种直观的对比比任何理论解释都来得更有说服力。对于希望系统性学习绘画基础，又不希望被传统学院派教条束缚的人来说，这本书提供了完美的平衡点。

这本书的独特之处在于，它完全颠覆了我对传统“写实”训练的刻板印象。我原本以为这是一本专注于追求绝对逼真度的工具书，结果发现它反而是一本极力推崇个人风格建立的指南。作者在书中花费了大量篇幅讨论“视觉语言的选择性”——即，什么时候应该放弃细节，什么时候应该夸张某个特征以强化表达的主题。这在关于“人物速写与性格刻画”的一章中体现得淋漓尽致。书中给出了许多不同风格的肖像范例，从卡通常见的夸张变形，到极简主义的线条勾勒，每一种风格的背后，作者都清晰地解释了其背后的创作意图。例如，为了表现一个权威人物的压迫感，作者建议可以稍微压低视角，并加粗其下颌的线条，这比单纯地画出五官的精确比例要有效得多。这本书鼓励读者去“过滤”现实，而不是单纯地“复制”现实。它让我意识到，真正的艺术性不在于技术有多精湛，而在于创作者能以多么独特的视角去解读和重构他们所看到的世界。这种对“主观性”的肯定和引导，极大地解放了我的创作思维，让我不再害怕偏离照片的真实度，反而更加专注于表达我内心深处的感受。

这本书的结构安排，用一种近乎音乐演奏的层次感，层层递进地引导读者进入一个更深层次的视觉探索领域。我特别喜欢它关于“光影叙事”的那几章。很多绘画书只停留在教你如何画出明暗交界线和投影，但这本书却将光线视为一种情感的载体。作者通过对比不同时间段的光照——清晨带着希望的柔和散射光，正午时分对比强烈的戏剧性光束，以及黄昏时分那种带着怀旧感的暖色调——来教导我们如何利用光影来烘托画面的情绪基调。举个例子，书中分析了一幅室内静物画，仅仅通过控制窗户射入的光线的角度和强度，就营造出一种孤独而宁静的氛围，这远比单纯地描绘物体本身要高明得多。书中的案例往往是复杂的场景，比如一个挤满了人的市场，或者一个光线斑驳的森林内部，作者没有选择简化这些场景，而是展示了如何有条不紊地从大块光影关系入手，逐步细化到纹理和细节。这对于提升我在处理复杂光照环境时的自信心非常有帮助。它教会了我，光线不是用来“填充”物体的，而是用来“定义”物体的体积和它所在空间深度的核心工具。对于那些已经掌握了基础素描，渴望让自己的作品拥有更丰富视觉语言的进阶学习者而言，这本书提供的视角是极其宝贵和深刻的。

从装帧和印刷质量来看，这本书的用心程度就可见一斑。纸张的选择非常考究，它具有一种略微粗糙的质感，非常适合模仿传统素描纸的触感，即便是用铅笔在上面进行练习，也能感受到墨水与纸面摩擦的细腻反馈，这对于提升实际操作的沉浸感非常重要。更值得称赞的是，书中许多高分辨率的放大插图，清晰地展示了笔触的走向和层次的叠加过程，这在许多电子书或低质量印刷品中是无法实现的。我尤其欣赏它关于“纹理表现”的综合性章节。作者没有简单地将纹理归类为“木头纹”、“石头纹”，而是将其分解为构成这些纹理的基本元素：随机性、方向性、以及光线的反射特性。比如，表现粗糙的树皮时，关键在于处理好阴影处的细小凹凸和高光处微小的破碎感。书中通过数码绘图和传统铅笔画的并置对比，展示了如何利用不同的工具特性来实现同一种视觉效果，这种跨媒介的探讨对于当代艺术家来说极为实用。总的来说，这本书不仅在内容上提供了深度的技术指导，在物理呈现上也做到了精益求精，是一本值得收藏和反复翻阅的、兼具工具书和艺术鉴赏价值的优秀读物。

说实话，我购买这本书是抱着试试看的心态的，毕竟市面上的绘画书籍多如牛毛，真正能让人眼前一亮的实在太少了。然而，这本书在处理“动态捕捉”这个主题时，展现出了非凡的洞察力。它没有停留在教你如何画出静止的苹果或花瓶，而是深入探讨了如何将时间感和运动的瞬间凝固在纸面上。作者似乎对人类（乃至动物）的运动规律有着深刻的理解，书中的解剖学知识点被融入到动态的速写练习中，而不是作为独立的、冰冷的知识点堆砌。例如，在示范如何画一个跑步的人时，它不仅关注了肌肉的拉伸，更重要的是分析了重心的转移和身体各部分之间的节奏感。书中提供的一系列“三秒速写”和“十秒速写”的练习模块，对我提升反应速度很有帮助。刚开始时，我画出来的“人”更像是火柴人扭曲后的产物，但随着反复练习，我开始抓住关键的动作线（Action Line），体会那种瞬间爆发的力量感。这种训练，极大地提高了我在户外写生或快速捕捉街头场景时的效率。此外，书中对不同媒介的运用也给出了极具启发性的建议，比如如何用炭笔的粉末感来表现风中的尘土，或者用钢笔的断续线条来模拟快速移动的车辆。这本书的价值在于，它不仅仅是一本教你“怎么画”的书，更是一本教你“如何去看待运动”的书，这对于任何想要让自己的作品充满生命力的创作者来说，都是无价的。

今天在Art Gallery淘到的，书里还收录了很多大师的作品，分好了名目集中在一起，还有细致的讲解，很棒的一本书，有兴趣的可以收一本。不过最好还是考虑一下，这本书是全英文的，图不是书的全部，文字分量不少，要是不想花钱买一本看不懂的书在家里搁置那么建议还是别入。

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