怎样写合唱曲

作者:狄其安

页数:193

出版时间:2010-11

价格:26.00元

isbn号码:9787806925775

具体描述

《怎样写合唱曲》的内容主要讲述合唱写作的基本规律，包括声部组合、声部进行、音区安排等写作技术。这是针对已经掌握四部和声连接技术与复调音乐写作技术、有着一定作曲基础的专业艺术院校学生而撰写的。有关和声、复调、歌曲写作等技术问题属于作曲基础内容，因此不在此书中深入讲述。

用户评价

这部关于管弦乐队配器的书籍，简直是音乐学习者的福音。作者以一种极其详尽且富有条理的方式，深入剖析了不同乐器组的音色特点、演奏技法以及它们在整体织体中如何相互作用。初读时，我完全被那种对细节的执着所震撼，比如对小提琴弓法细微变化的讨论，以及圆号在高音区和低音区处理上的微妙差异。书中不仅有大量的实例分析，还配有清晰的图表来辅助理解复杂的和声进行与配器逻辑。对于想要精进自己管弦乐配器技能的作曲家来说，这本书提供了坚实的理论基础和实用的操作指南。我尤其欣赏它没有停留在理论层面，而是大量引用了从巴洛克到近现代的经典作品片段进行解析，让抽象的知识变得具体可感。读完这本书，我感觉自己对交响乐的“色彩学”有了全新的认识，仿佛拿到了一把解剖乐团的精密手术刀。

这部作品集（或者说理论导论）的独特之处在于，它专注于早期民间音乐与宗教音乐在西方复调艺术形成初期的相互渗透与影响。作者没有采用传统的线性和发展史的叙述方式，而是选择了一种主题交叉对比的结构，比如将“固定音型（Cantus Firmus）的运用”放在一个章节，然后在另一个章节对比它在不同地域和不同社会背景下的变体。这种研究方法极大地丰富了对“传统”的理解。对于民族音乐学和早期音乐研究者来说，书中引用的许多罕见的手稿资料和地方变调的对比分析，都具有极高的学术价值。整本书的论证过程严谨而审慎，引用注释详实可靠，体现了作者深厚的文献功底，读完后对音乐的“起源”问题有了更为复杂和多维度的认识。

说实话，这本书在节奏和律动方面的探讨真是让人眼前一亮，完全跳脱了传统音乐理论书籍那种刻板的论述方式。作者似乎对“时间性”在音乐中的作用有着近乎哲学的思考。他没有简单地罗列节拍和速度标记，而是深入挖掘了如何通过对材料的组织和声部间的能量转移来创造出引人入胜的律动感。其中关于“隐形脉冲”和“非对称结构”的章节，对我个人创作影响极大。过去我总是在寻找强拍，但这本书引导我关注到了那些潜藏在表面下的、更具驱动力的节奏引擎。即便是对于一些看似简单的对位练习，作者也加入了如何通过微小的时值调整来增强其内在张力的讨论。这种对节奏细节的打磨，使得整本书读起来充满了活力，让人忍不住想立刻拿起乐器去实践其中的概念。

这是一本关于键盘乐器独奏曲风格演变的深度研究，对钢琴文献的梳理简直称得上是百科全书式的。从早期的羽管键到现代钢琴的机械结构变化如何反哺作曲手法，作者的考察细致入微。书中对不同历史时期作曲家如何利用键盘乐器的物理特性来构建音乐语汇进行了系统性的梳理。例如，书中对比分析了勃拉姆斯和德彪西在处理踏板效果上的截然不同的美学追求，这让我对音乐史中的“技术决定论”有了更深的理解。对于任何一位钢琴演奏者或历史研究者而言，这本书都提供了无可替代的参照价值。它不仅仅是知识的堆砌，更是一种带着情感和历史纵深感的对话，让人在阅读过程中不断反思自己的演奏习惯和对作品的理解深度。

我对这本书中关于“声音景观构建”的论述印象最为深刻，它完全颠覆了我对传统曲式结构的认知。作者似乎更倾向于用空间、纹理和动态场域来描述音乐，而不是传统的呈示部、发展部这些结构标签。书中对环境声学原理的引入，以及如何将这些自然界的声学现象巧妙地融入到纯器乐创作中，实在是非常新颖的视角。特别是探讨如何通过空间化的和声布局来模拟出“广阔感”或“幽闭感”的章节，我感觉自己像是上了一堂高级的声场设计课。这种跨学科的思维方式，让原本有些枯燥的音乐分析变得充满画面感和探索欲。这本书的语言风格也相对自由奔放，充满了探索者的激情，读起来让人感到振奋，激发了对未知音乐领域的无限向往。