The Italian Solo Concerto, 1700-1760

作者:Hirshberg, Jehoash

页数:380

价格:$ 111.87

isbn号码:9781843830924

具体描述

The solo concerto, a vast and important repertory of the early to mid eighteenth century, is known generally only through a dozen concertos by Vivaldi and a handful of works by Albinoni and Marcello. The authors aim to bring this repertory to greater prominence and have, since 1995, been involved in a research programme of scoring and analysing over nine hundred concertos, representing nearly the entire repertory available in early prints and manuscripts. Drawing on this research, they present a detailed study and analysis of the first-movement ritornello form, the central concept that enabled composers to develop musical thinking on a large scale. Their approach is firstly to present the ritornello form as a rhetorical argument, a musical process that dynamically unfolds in time; and secondly to challenge notions of a linear stylistic development from baroque to classical, instead discovering composers trying out different options, which might themselves become norms against which new experiments could be made. SIMON McVEIGH is Professor of Music, Goldsmiths College, University of London; JEHOASH HIRSHBERG is Professor in the Musicology Department, Hebrew University of Jerusalem.

用户评价

这本书为我提供了一个非常全面的视角，去理解1700年至1760年这段时期意大利独奏协奏曲的魅力。我一直对那个时代的音乐充满好奇，特别是那些奠定了后来古典协奏曲基础的作品。作者在书中不仅仅是简单地介绍作品，而是深入探讨了当时作曲家们在形式、结构、以及器乐写作上的创新。我特别感兴趣的是关于“协奏曲原则”的探讨，即独奏乐器与乐队如何相互配合，达到一种平衡和谐但又不失对比的音乐效果。作者通过对大量乐谱的细致分析，揭示了作曲家们是如何运用不同的音乐材料，来构建音乐的张力和发展。我常常会因为书中提到的某位作曲家，而去寻找他更多的作品来聆听，这种阅读带来的音乐探索体验，是我非常珍视的。

这本书是一次令人愉悦的学术旅程。作者以1700年至1760年这段意大利独奏协奏曲的关键时期为主题，进行了详尽而深入的研究。我尤其被书中对音乐材料如何被发展和组织起来的分析所吸引。作者通过大量的乐谱分析，揭示了作曲家们是如何巧妙地运用动机、主题以及和声来构建音乐的张力和色彩。我常常会在阅读中，脑海中浮现出那些乐谱片段，然后结合作者的解释，去体会音乐的精妙之处。这本书不仅仅是对历史的回顾，更是对音乐创作智慧的探索，让我对那个时代的作曲家们充满了敬意。

说实话，我最初是被这本书的书名吸引的。“意大利独奏协奏曲，1700-1760”，这个精确的日期范围和地域限定，让我立刻联想到了一系列经典的作品和作曲家，比如维瓦尔第那如火纯粹的活力，博凯里尼那优雅的意大利风情，还有塔尔蒂尼那缠绵悱恻的旋律。但这本书带给我的远不止于此。它不仅仅是一本作品集，更像是一部详尽的研究报告，深入探讨了在这个特定历史时期，意大利独奏协奏曲的形成、发展和传播。作者并没有止步于对个体作品的简单介绍，而是将其置于更广阔的音乐史背景下进行考察。他对当时作曲家们在器乐织体、音乐形式、以及旋律和节奏运用上的创新进行了细致的分析，特别是对当时作曲家们如何在追求形式上的清晰和均衡的同时，又赋予音乐深刻的情感表现力进行了深入的挖掘。我尤其欣赏书中对“炫技”与“抒情”之间微妙平衡的探讨，那个时代的协奏曲，既有展现演奏者高超技艺的部分，又有着如歌的慢板乐章，展现作曲家细腻的情感世界。作者通过大量的史料和乐谱分析，揭示了这种“炫技”并非单纯的卖弄，而是与音乐的整体发展紧密相连。阅读过程中，我常常会停下来，去寻找书中所提及的乐谱，对比阅读和聆听的感受，这种体验非常充实。

对于任何想要深入了解协奏曲历史，特别是18世纪早期意大利器乐创作的读者来说，这本书无疑是一本里程碑式的著作。作者以其深厚的学术功底和对音乐的热爱，为我们描绘了那个时代独奏协奏曲发展的宏伟画卷。我特别欣赏书中对音乐材料处理的细致分析，例如主题的呈现、变奏、以及与乐队的呼应等等。作者并没有局限于对“速度”、“曲式”等宏观概念的阐述，更是深入到音符的细节，揭示了作曲家们是如何通过精巧的编排，来达到音乐的感染力。我印象最深刻的是关于情感表达的论述，那个时代的协奏曲，既有华丽的炫技，又不乏深沉的抒情，作者在这两者之间的关系进行了深入的探讨，让我对音乐的理解又进了一层。

这本书简直是打开了我对巴洛克晚期和古典早期协奏曲世界的一扇全新的大门！我一直对维瓦尔第、塔尔蒂尼、博凯里尼这些名字耳熟能详，但总觉得对那个时代的协奏曲缺乏一个系统性的认知。这本书完美地填补了我的知识空白。作者不仅仅是罗列了作品和作曲家，更是深入剖析了“意大利独奏协奏曲”这一体裁在1700年至1760年间是如何演变、发展，又是如何孕育出后来那些伟大的古典主义协奏曲的。其中关于慢板乐章的分析尤其让我印象深刻，作者细致地梳理了不同作曲家在表达情感深度和音乐叙事上的独到之处，有时候仅仅是一个微妙的旋律走向，一段富有张力的和声，就能让一个原本平淡的乐章焕发生机。我尤其喜欢书中对小提琴协奏曲之外的乐器协奏曲的探讨，比如大提琴、键盘乐器，甚至是某些不太为人熟知的管乐器协奏曲，这些作品的发现让我感到惊喜，也拓展了我对当时器乐创作的理解。作者在论述时引用的乐谱片段和详尽的音乐学分析，虽然有时候需要反复咀嚼，但这种深入的解读让我能够更清晰地把握音乐的结构和作曲家的意图。阅读这本书的过程，就像是在与那个时代的作曲家进行一场跨越时空的对话，我仿佛能听到他们手中乐器发出的、充满生命力的声音。对于任何想要深入了解协奏曲历史，尤其是意大利在这个关键时期所扮演角色的音乐爱好者来说，这本书绝对是不可错过的珍宝。

作为一名业余的古典音乐爱好者，我一直觉得对协奏曲的理解，尤其是那个从巴洛克向古典主义过渡的关键时期，总有些模糊。这本书的出现，就像一盏明灯，照亮了我前行的道路。作者并没有使用晦涩难懂的术语，而是用一种非常易于理解的方式，将复杂的音乐理论和历史背景呈现在读者面前。我特别喜欢书中关于“对话性”的分析，是如何通过独奏乐器与乐队之间的互动，来构建音乐的戏剧性和表现力。那个时代的作曲家们，是如何巧妙地运用不同声部的对比，来营造出紧张与缓和、辉煌与沉思的不同效果，这本书都进行了生动的阐述。我常常会在阅读时，脑海中会浮现出那些熟悉的旋律，然后结合作者的分析，对音乐有了更深层次的理解。我尤其欣赏书中对当时社会文化背景与音乐创作之间联系的探讨，音乐不仅仅是独立的艺术形式，更是那个时代社会生活和思想观念的反映。

我一直觉得，要真正理解一个音乐体裁，就必须了解它的起源和发展过程。这本书正是这样一本为我们提供深度理解的著作。作者以1700年至1760年这个时期为切入点，详细地梳理了意大利独奏协奏曲的演变历程。我特别欣赏书中对作曲家们在乐器法和音乐结构上的创新进行了细致的分析，例如对小提琴协奏曲中对弓法和指法的运用，以及对乐队编制和织体的探索。这些细节的分析，让我对那个时代的音乐创作有了更直观的认识。书中引用的乐谱片段非常贴切，配合作者的讲解，能够让读者更好地理解音乐的结构和表现力。

我一直对17世纪末到18世纪中叶的欧洲器乐发展情有独钟，尤其是意大利在这一时期对协奏曲体裁的贡献，更是让我着迷。这本书以一种令人信服的学术严谨性，为我梳理了这段历史。作者的笔触非常清晰，逻辑性极强，他没有回避那个时期协奏曲创作中可能存在的某些共性，但更侧重于挖掘不同作曲家、不同流派之间细微的差异和独特的贡献。我特别欣赏他对“曲式”演变的论述，书中对奏鸣曲式在协奏曲中的早期应用，以及当时作曲家们如何将这种结构引入到器乐独奏作品中，进行了非常细致的解读。这让我理解了为什么后来的莫扎特、贝多芬能够在此基础上进行更宏大的创作。作者还关注了当时协奏曲在欧洲各地的传播情况，以及意大利的协奏曲风格如何影响了其他国家的作曲家，这一点对于理解西方音乐史的交流与融合非常有帮助。书中的案例分析非常扎实，引用的乐谱片段都恰到好处，能够直观地展现作者的观点。虽然这是一本偏学术的书籍，但作者的语言并不枯燥，反而充满了对音乐的热情。

这本书为我打开了一个全新的音乐世界。在我眼中，1700年至1760年的意大利独奏协奏曲，曾经是一个模糊的音乐时期，虽然听过一些代表作，但总觉得缺乏一个清晰的脉络。这本书的出现，则让我看到了这段历史的丰富性和多样性。作者不仅仅关注了那些耳熟能详的作曲家，还发掘了不少鲜为人知的宝藏，并且对他们的作品进行了深入的分析。我特别欣赏书中对音乐形式演变的解读，从早期协奏曲的结构特点，到后来逐渐融入奏鸣曲式元素的探索，都为我提供了一个清晰的理解框架。作者的语言简洁而富有洞察力，即使是对于音乐理论稍有生疏的读者，也能从中获得丰富的知识。

我一直觉得，了解一个音乐体裁的发展，不能仅仅停留在对著名作品的欣赏，更需要深入其历史的根源。这本书恰好满足了我这样的需求。它以1700年至1760年这个关键的时期为切入点，深入剖析了意大利独奏协奏曲是如何从巴洛克晚期的繁复华丽，逐渐走向古典主义的清晰明朗。作者在书中对作曲家们创作技法的演变进行了详细的梳理，比如对乐句结构、主题发展、以及和声运用的分析，都让我受益匪浅。我尤其喜欢书中对不同作曲家风格的比较，例如科莱利、维瓦尔第、塔尔蒂尼等等，他们虽然都创作独奏协奏曲，但却有着各自独特的语言和表达方式，这种对比性的分析，让我在欣赏音乐时，更能体会到个体的创造力。书中引用的乐谱片段非常精炼，能够很好地支撑作者的论点，而且作者的解释也十分到位，不会让人感到困惑。