101 Things to Learn in Art School

出版者:The MIT Press

作者:Kit White

页数:224

出版时间:2011-8-19

价格:USD 14.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780262016216

具体描述

进入艺术学府要学的第一件事是什么呢？“艺术可以是任何东西”。第二件事呢？“学画画”。101个要学习的东西，是艺术家在艺术学校课程发展中的经验之谈，极具启发性，她会指引你去以艺术为媒介思考，是艺术院校师生的必读本。

读后感

边读我边质疑，why not? / there are more than that. / well but / too definitive / just no / dogmatic / narrow / true but not very interesting / not very creative 每一章的大标题也就还行，解释文字没什么好读。可能是大多他说的从前我都遇过。对于初次听说的应该挺有...

边读我边质疑，why not? / there are more than that. / well but / too definitive / just no / dogmatic / narrow / true but not very interesting / not very creative 每一章的大标题也就还行，解释文字没什么好读。可能是大多他说的从前我都遇过。对于初次听说的应该挺有...

边读我边质疑，why not? / there are more than that. / well but / too definitive / just no / dogmatic / narrow / true but not very interesting / not very creative 每一章的大标题也就还行，解释文字没什么好读。可能是大多他说的从前我都遇过。对于初次听说的应该挺有...

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边读我边质疑，why not? / there are more than that. / well but / too definitive / just no / dogmatic / narrow / true but not very interesting / not very creative 每一章的大标题也就还行，解释文字没什么好读。可能是大多他说的从前我都遇过。对于初次听说的应该挺有...

用户评价

这本书的封面设计简直是视觉盛宴，那种粗粝的质感和大胆的色彩碰撞，一下子就抓住了我的眼球。我一直觉得，艺术学习不该是枯燥的理论堆砌，而应该是充满生命力和实践性的探索。拿到手后，我迫不及待地翻阅起来，里面的排版布局非常新颖，每页的内容都像是一个精心策划的小型展览，引导你自然而然地沉浸其中。它不像传统教科书那样严肃刻板，反而更像是一位经验丰富、性格活泼的导师，用最直观、最不设防的方式跟你交流。比如，它在讲述“光影的瞬间捕捉”时，没有冗长的物理学解释，而是直接呈现了一系列由不同光源照射下产生的极端案例，让你瞬间领悟到控制光线对作品氛围的决定性影响。我尤其欣赏作者对于“材料的非传统应用”部分的论述，它鼓励你打破常规，思考一块木头、一团泥土甚至是一块废弃塑料片，在艺术表达中能产生何种颠覆性的效果。这本书似乎在不断地提醒我：规则是用来打破的，而真正的创造力往往潜藏在那些你认为“不可能”的角落里。读完前几章，我已经感觉自己对周围世界的观察角度发生了微妙的转变，世界仿佛被重新调高了饱和度，一切都变得值得被记录和重新诠释。

这本书的叙事节奏掌控得极其精妙，读起来完全没有那种“被灌输”的感觉，更像是在跟随一位富有激情的艺术家进行一场环球写生之旅。它巧妙地将看似庞杂的艺术史碎片、技法要点和创作哲学熔为一炉，使它们流畅地交织在一起。我发现，作者非常擅长通过“反向工程”的方式来教授技巧。例如，在讨论“色彩的心理暗示”时，它没有直接告诉你红色代表热情，蓝色代表忧郁，而是先展示了一系列使用单一、高对比度色彩创作的失败案例，然后引出如何通过微妙的色相、明度和纯度变化，实现复杂情绪的微妙传达。这种循序渐进、引导自我发现的学习路径，极大地激发了我的主动思考。更让我惊喜的是，书中对“批判性自我反思”的重视程度。它反复强调，完成一件作品只是过程的一半，真正决定艺术生命力的，是你对这件作品的深刻理解和捍卫能力。这种对“为什么创作”的深度挖掘，远超出了许多同类书籍对“如何创作”的肤浅指导。每次合上它，我的脑子里都会留下几个久久无法散去的问题，迫使我去画廊、去博物馆，甚至只是在通勤路上进行一场无声的艺术辩论。

这是一本真正将“实践高于空谈”贯彻到底的宝典。它拒绝提供任何一劳永逸的“万能公式”，相反，它更像是一系列精心设计的“陷阱”和“障碍赛”，目的是为了打磨你的应变能力。书中对各种媒介的探讨，尤其细致入微，不仅仅是介绍工具的用法，更是深入到每种材料的“脾气秉性”上。比如，在处理水彩晕染时，它会详细分析不同纸张纤维密度对水分扩散速度的影响，并配以实验数据图表，让你真切感受到环境参数对创作结果的绝对控制权。这种对细节的痴迷，体现了作者对艺术制作过程的尊重。我个人非常喜欢其中关于“即兴创作”的章节，它不是空泛地鼓励你放松，而是提供了一套完整的“启动机制”——如何在一个压力最大的截止日期前，用最有限的资源，激活你的潜能。读到这些内容时，我仿佛能听到作者在耳边低语：“别等灵感敲门，先去把门砸开。”这本书的价值在于，它让你明白，艺术创作的伟大并非源于天赋的恩赐，而是无数次微小、精确且充满智慧的决策累积而成。

如果说大多数艺术类书籍是在教你如何“制造”图像，那么这本书则是在教你如何“看见”世界。它对“观察力”的训练，简直到了偏执的程度。它会布置一些看似荒谬的日常任务，比如“用你最不擅长的方式去描绘你早上喝的第一杯咖啡，并记录下你所有的挫败感”。这些任务的目的不在于产出优秀的作品，而在于剥离你对“完美”的迷恋，直面创作过程中的挣扎与不确定性。我尤其欣赏作者对“迭代与重做”的积极态度。书中大量篇幅都在讨论如何有策略地放弃已经完成的作品，以及如何从一个“失败品”中提取出核心的艺术价值，并将其融入下一个版本。这种“不怕推翻自己”的勇气，是很多初学者最缺乏的。阅读下来，我最大的收获是建立了一种全新的、更具韧性的创作心态：艺术的旅程是一条没有终点的螺旋上升之路，每一次看似的倒退，其实都是在为下一次更高的飞跃积累势能。这本书没有给我答案，但它给了我一套更强大的提问工具箱，让我有能力去面对未来任何艺术上的挑战。

这本书的语言风格，用一个词来形容，那就是“机锋暗藏”。它不像学院派教材那样追求绝对的客观和严谨，而是充满了强烈的个人色彩和近乎挑衅的智慧。作者似乎总是在用一种略带嘲讽的语气，挑战读者对“什么是艺术”的固有认知。我印象特别深刻的是其中关于“留白与缺席的美学”那一章节。它没有采用传统的东方哲学解读，而是从现代主义建筑的断裂感和后现代主义的解构视角切入，讨论如何在信息爆炸的时代，通过“不画什么”来放大“画了什么”的影响力。这种跨学科的引用和观点碰撞，让整个阅读体验变得异常充实和富有挑战性。我甚至觉得，这本书本身就是一件混合媒介的艺术品，因为它不断地在“文本”与“视觉暗示”之间进行拉扯。当你试图用逻辑去完全梳理它的结构时，它又会突然抛出一个充满诗意的悖论，让你不得不暂时放下理性的缰绳，用感性去接纳它。这种对阅读体验本身的解构与重构，无疑是本书最令人着迷的特点之一，它训练的不仅是你的手，更是你的心智的敏捷度。

Art is the product of process.Composition is the foundation of image making.Art is dialogue , a form of description. not self-expression.“The unconscious is that which we know, or have experienced, but for which we do not have a name.”Words are images. Abstraction comes from the world. For every hour of making, spend an hour of looking and thinki

上课读的

在知识碎片化的时候 深入浅出 用过来人的眼光 领你入门

Art is the product of process.Composition is the foundation of image making.Art is dialogue , a form of description. not self-expression.“The unconscious is that which we know, or have experienced, but for which we do not have a name.”Words are images. Abstraction comes from the world. For every hour of making, spend an hour of looking and thinki

3.5