新编芥子园画传

出版者:人民美术出版社

作者:王中年 编

页数:260

出版时间:1999-3

价格:70.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787102018751

具体描述

《新编芥子园画传(山水篇):浅绛山水》内容包括：中国山水画发展概述、山水画的基本画法、写生的方法和步骤、山水画新皴法——龟纹皴、泼墨山水、春夏秋景色表现法等。

用户评价

这本《新编芥子园画传》给我的感觉，与其说是一本绘画教程，不如说是一本关于中国艺术哲学和审美追求的启蒙读物。它并没有像市面上许多速成教程那样，告诉你如何三两下就能画出漂亮的风景或人物，而是非常耐心地从中国画的核心理念出发，一点点剖析。我尤其喜欢书中关于“笔墨意趣”的讲解，它并非简单地罗列各种笔触的运用，而是深入探讨了笔在行进过程中的速度、力度、转折所蕴含的内在情感和精神力量。墨色的浓淡干湿，也不再是简单的颜色变化，而是被赋予了空间的纵深感、物体的质感以及画家心境的表达。它让我开始重新审视那些看似简单的线条和墨点，发现其中蕴含的丰富变化和无限可能。这种对“韵味”的追求，贯穿了整本书的始终，让我在学习技法的同时，也在潜移默化地培养着自己的审美情趣。书中对“气韵生动”的阐释，让我明白，一幅好的中国画，绝不仅仅是技巧的展示，更是生命力的注入，是艺术家与自然、与观者之间的一种精神交流。它让我看到了中国绘画中那种含蓄、内敛而又意境深远的东方美学特色，这种美，需要用心去体会，去感悟。

这本书就像一位循循善诱的老师，它没有急于展示华丽的成果，而是耐心地带领我走进中国绘画的“精神世界”。我特别欣赏书中对于“意境”的阐述，它并非仅仅是停留在对景物的描绘，而是更注重通过笔墨的运用，将画家对自然万物的理解和情感融入其中，营造出一种能够引发观者共鸣的氛围。它让我意识到，中国画的精髓在于“写意”，在于传达出物象背后的精神气韵，而不仅仅是表面的形似。书中对“构图”的讲解，也让我明白了“经营位置”的重要性，它并非简单的排布，而是包含了对空间、虚实、疏密关系的深邃思考，最终是为了达到画面的和谐与意境的统一。它让我看到，中国画的构图，本身就是一种思想的表达，是一种对宇宙万物关系和生命哲学的理解。这种对中国绘画内在精神的挖掘，让我对传统艺术有了更深刻的敬意。

这本书就像是打开了一扇通往中国传统绘画世界的大门，它并非直接展示具体的画作，而是以一种更为系统和深入的方式，阐释了绘画的法度与精神。初次翻阅，便被其严谨的编排和细致的讲解所吸引。它没有直接提供一张张精美的山水或花鸟作品供人欣赏，而是从最基础的笔法、墨法、设色等技法入手，循序渐进地引导读者理解中国画的骨骼与血脉。书中对于“画中意”的阐述尤为深刻，它不是空洞的概念，而是通过对自然万物的观察与提炼，再通过笔墨的巧妙运用得以体现。那些关于“皴法”的详尽解析，更是让我领略到，一片山石如何能被赋予不同的肌理和质感，每一笔都蕴含着对自然形态的深刻理解和艺术家的情感倾注。它教会的不仅仅是“怎么画”，更是“为什么这样画”，以及“画出什么”。这种对绘画内在逻辑的挖掘，远比单纯的学习临摹来得更为重要和持久。它让我明白，中国画的精髓在于“写意”，在于传达出物象背后的精神气韵，而不仅仅是表面的形似。阅读过程中，我仿佛能听到古人的教诲，感受到他们对艺术的执着与追求，这种跨越时空的对话，让我对中国传统文化有了更深层次的体悟。

《新编芥子园画传》的阅读体验，更像是一次对中国传统审美观念的深度洗礼。它并未直接呈现令人眼花缭乱的画作，而是从更为根本的层面，揭示了中国画之所以为中国画的独特魅力。书中对于“气韵生动”的阐释，让我明白，一幅成功的中国画，不仅仅是技巧的堆砌，更重要的是画家对生命本质的感悟和对物象精神的捕捉。这种“神似”的追求，远比“形似”更为重要，也更能触动人心。同时，它对“笔墨意趣”的细致解读，也让我看到了中国画的独特语言。笔的刚柔、墨的浓淡、线的曲直，都不是简单的技法，而是承载着丰富的情感和哲学思考。它让我体会到，中国画在追求写意精神的同时，也在笔墨的运用中展现出高度的自由和创造力。这种对中国绘画内在精神的深入探索，让我对传统艺术有了更深的理解和热爱，也激发了我对中国传统文化更浓厚的兴趣。

这本书带给我的，是一种对中国绘画“道”的全新认识。它不是简单地教人如何握笔、如何调墨、如何配色，而是更侧重于从根本上理解中国画的哲学思想和审美追求。比如，书中关于“意境”的阐述，就让我深受启发。它并非虚无缥缈的空谈，而是通过对自然景物的细致观察和提炼，再通过笔墨的巧妙运用，将画家内心的感受和对事物的理解融入其中，从而营造出一种能够引发观者共鸣的氛围。它让我理解到，中国画的精髓在于“写意”，在于传达出物象背后的精神气韵，而不仅仅是表面的形似。书中对于“皴法”的讲解，也让我领略到，一片山石如何能被赋予不同的肌理和质感，每一笔都蕴含着对自然形态的深刻理解和艺术家的情感倾注。它教会的不仅仅是“怎么画”，更是“为什么这样画”，以及“画出什么”。这种对绘画内在逻辑的挖掘，远比单纯的学习临摹来得更为重要和持久。它让我看到了中国绘画中那种含蓄、内敛而又意境深远的东方美学特色，这种美，需要用心去体会，去感悟。

这本书带给我的，是一种对中国绘画“神韵”的全新体悟。它没有直接展示具体的画作，而是通过系统性的理论阐述，帮助读者理解中国画的灵魂所在。我尤其欣赏书中对“气韵生动”的解读，它让我明白，一幅画的生命力，并非来自于精湛的技巧，而是源于画家对物象内在精神的捕捉和表达。它不仅仅是眼睛看到的，更是心灵感受到的。书中对“笔墨意趣”的深入剖析，也让我看到了中国画的独特魅力。笔在行进中的速度、力度、转折，墨色的浓淡干湿，都不仅仅是技法的体现，更是画家情感的抒发和人格的展现。它让我理解到，中国画的意境，是通过这些微妙的笔墨变化来营造的，是一种含蓄而隽永的美。这种对“写意”精神的强调，让我开始反思，真正的绘画，是为了传达一种超越物质形态的情感和思想。它引导我走出对形式的迷恋，去追求那种更深层次的精神共鸣，去感受中国画那股“天人合一”的东方哲学气息。

这本书对我而言，更像是一次对中国绘画“哲学”的探索之旅。它没有直接展示成品的精美，而是深入剖析了中国画的创作理念和内在逻辑。我尤其为书中对“意境”的阐释所吸引，它让我明白，中国画并非简单地描摹自然，而是通过笔墨的语言，将画家对世界的理解、对情感的抒发以及对宇宙的感悟融为一体，创造出一种能够引发观者无限遐想的氛围。它教会我，真正的艺术，在于“言有尽而意无穷”。书中对“笔墨”的解读，更是让我看到了中国画独特的艺术语言。笔的起承转合，墨的浓淡干湿，都不再是单纯的技法，而是蕴含着丰富的情感和生命的力量。它让我体会到，中国画在追求写意的同时，也在笔墨的运用中展现出高度的自由和创造力。这种对中国绘画内在精神的深入挖掘，让我对传统艺术有了更深的理解和敬意，也让我对中华文化的博大精深有了更深的体悟。

《新编芥子园画传》给我最直观的感受，便是其对中国绘画“规律”的严谨阐释。它没有提供大量现成的临摹范本，而是从最基础的笔墨技法入手，一层层剖析中国画的内在逻辑。书中关于“笔法”的讲解，就让我认识到，中国画的线条绝非是简单的勾勒，而是蕴含着力量、速度、转折等多种变化，每一笔都仿佛有了生命。它让我理解到，“骨法用笔”并非空穴来风，而是对线条内在支撑和动态美的极致追求。再者，关于“墨法”的论述，更是让我看到了墨色在国画中的无限可能，从浓到淡，从湿到干，每一种变化都蕴含着丰富的表现力，能够营造出空间的层次感和物体的质感。它让我明白，墨是中国的“色彩”，而笔是墨的灵魂。这种对基础技法的深度挖掘，为我打下了坚实的基础，也让我对中国画的认识上升到了一个新的高度。它让我看到，任何伟大的艺术，都离不开对基础规律的深刻理解和精准运用。

《新编芥子园画传》最让我印象深刻的一点，便是其对中国绘画“法度”的深入解读。它并没有像一些教程那样，仅仅提供一些现成的范例，而是细致地分析了每一条“法度”背后的逻辑和意义。比如，书中对于“骨法用笔”的讲解，就让我明白，中国画的线条并非随意的涂抹，而是有其内在的骨骼和筋脉，每一笔的起承转合都蕴含着力量和韵律。同样，对于“传移模写”的阐释，也不是简单的模仿，而是强调在学习前人经验的基础上，进行个人的理解和创新。它让我看到，中国画在传承中发展，在创新中保持其独特的魅力。书中对于“设色”的讲解，也并非只是单纯的颜色搭配，而是深入探讨了色彩的象征意义、情感表达以及与墨的配合关系，力求达到“随类赋彩”的最高境界。这种对绘画内在规律的探索，让我对中国画的认识不再停留在表面，而是开始深入到其精神内核。它教会了我，真正的艺术，是建立在深厚功底和深刻理解之上的，是技与道的完美结合。

当我拿到《新编芥子园画传》时，并没有立刻被其中精美的插图所吸引，反而被它字里行间透露出的那股严谨和系统所折服。它不像某些绘画书籍那样，只是堆砌一些零散的技巧或者成功的案例，而是像一个循序渐进的哲学体系，将中国绘画的精髓层层剥开。比如，书中对于“构图”的讲解，并非简单地告知读者如何将元素安排在画面中，而是深入探讨了“经营位置”的原则，强调了空间留白的重要性，以及如何通过虚实相生来营造画面的意境。它让我意识到，中国画的构图，本身就是一种思想的表达，是一种对宇宙万物关系和生命哲学的理解。再者，它对于“笔墨”的阐述，也远不止于笔法和墨色的技艺，更是将笔墨上升到了人格与修养的高度。书中所提及的“骨法用笔”、“随类赋彩”，都不仅仅是技巧层面的要求，更是对画家内在品格的修炼。它让我明白，要画出有灵魂的作品，首先要锤炼自己的内在。这种从技到道的提升，是这本书最让我动容的地方。它不仅仅是教我画画，更是引导我如何去“观物”和“悟道”。