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出版者:吉林摄影出版社

作者:

出品人:

页数:776

译者:

出版时间:2003-10

价格:396

装帧:平装

isbn号码:9787806064214

丛书系列:

图书标签:

已
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具体描述

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璀璨文明的交响：世界建筑艺术史纲一部关于人类居住环境演变与精神图腾的宏伟史诗本书旨在为读者呈现一部全面、深入且富有洞察力的世界建筑艺术发展历程。我们不关注于描摹特定艺术主题的表达，而是聚焦于人类如何运用石头、木材、钢铁和玻璃等物质媒介，在不同的历史时期、地域文化和社会思潮下，塑造其赖以生存并寄托精神追求的空间形态。建筑，作为一种凝固的音乐，一种实体的哲学，是人类文明进程中最直观的物证。《璀璨文明的交响：世界建筑艺术史纲》将引导读者穿越时空的隧道，从史前人类的洞穴居所与巨石阵，到古典文明的宏伟神庙与城市规划，再到现代主义的理性解构与后现代主义的多元回归，系统梳理建筑艺术的演进脉络、核心美学特征及其背后的社会文化驱动力。第一部分：根源与奠基——原始秩序与古典的辉煌第一章：从自然到构造：史前与早期文明的建筑萌芽本章深入探讨建筑的起源。在人类尚未形成复杂文字体系的时代，生存的需要驱动了最初的空间定义。我们将考察从新石器时代的圆形定居点遗迹到巨石阵（如英国的史通亨治）等纪念性建筑。重点分析这些早期构造中蕴含的原始宇宙观、天文观测需求以及早期社会权力结构的体现。内容将详述材料的初步运用（如泥砖、未经加工的石材）以及早期结构力学的萌芽状态。第二章：秩序的建立：美索不达米亚与古埃及的永恒尺度古老的两河流域与尼罗河流域是人类最早建立稳定、集权式社会的区域，这直接催生了具有强烈象征意义的建筑。我们将详细剖析美索不达米亚的“空中花园”的构想与层级式神塔（Ziggurat）的结构意义，探讨其对后世体量感和垂直感的影响。随后，重点转向古埃及，分析金字塔作为法老权力和来世信仰的终极载体，其精确的几何学基础、庞大的工程学成就，以及卡纳克和卢克索神庙群的轴线布局与光影设计所体现的神学体系。第三章：理性与人性的完美平衡：古希腊的柱式与城邦理想古希腊建筑是西方美学思想的基石。本章将围绕“人是万物的尺度”这一核心理念展开，细致解析多立克、爱奥尼和科林斯三种古典柱式的比例、装饰语汇及其哲学内涵。帕特农神庙作为典范，不仅是建筑学的杰作，更是民主精神与和谐之美的物化体现。我们将探讨剧场、体育场以及理想化的城邦（Polis）规划如何服务于公共生活和公民参与。第四章：权力、工程与永恒：罗马帝国的实用主义与宏伟叙事罗马人继承了希腊的艺术形式，但注入了强大的实用主义精神和帝国野心。本章着重分析罗马人在材料科学上的革命性贡献——火山灰混凝土的广泛应用，这使得拱券、拱顶和穹顶等复杂结构得以大规模实现。我们将考察万神殿（Pantheon）的完美穹顶结构、巨大的公共浴场（如卡拉卡拉浴场）、水道桥的工程奇迹，以及帝王纪念碑和巴西利卡（Basilica）对后世法律和宗教建筑形态的奠基性影响。第二部分：信仰、融合与地域性——中世纪与跨文化交流第五章：光线与神秘：早期基督教与拜占庭的圣化空间随着罗马帝国的衰落与基督教的兴起，建筑的重心从世俗的公共空间转向神圣的内部体验。本章探讨君士坦丁堡圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）如何创新性地将巨大的中央穹顶与下方空间完美结合，创造出“漂浮”的神秘感。我们将分析其马赛克装饰、内饰色彩心理学以及对后世东正教教堂的深远影响。第六章：防御与信仰的堡垒：西欧的罗马式建筑在中世纪早期，政治碎片化导致建筑形态趋向厚重与防御性。本章聚焦于11至12世纪的罗马式（Romanesque）教堂与修道院。重点分析其厚实的墙体、较小的开窗、连续的筒形拱顶以及其在欧洲大陆的传播路径，尤其关注法国克吕尼修道院等重要实例，揭示其在朝圣路线上的功能与象征意义。第七章：向天国攀升：哥特式的结构革命与光影的赞歌哥特建筑（Gothic）是人类结构工程史上的一次飞跃。本章深入解析飞扶壁（Flying Buttress）、肋架拱顶（Rib Vault）和尖拱（Pointed Arch）这三大结构支柱，如何共同解放了墙体，使其能够被巨大的彩色玻璃花窗所取代。我们将以法国的沙特尔大教堂和巴黎圣母院为例，探讨垂直向上、向光线追寻的精神追求，以及其在城市天际线中对市民集体意识的塑造作用。第八章：东方智慧的流转：伊斯兰建筑的几何美学与花园理想本书将跨越欧陆，探讨伊斯兰建筑的独特发展。本章分析从西班牙的阿尔罕布拉宫到中东的清真寺中广泛应用的几何镶嵌（Tessellation）、缠枝纹（Arabesque）以及书法艺术在立面上的融合。重点阐述“拱桥”（Mocárabe，钟乳石状装饰）和庭院（Sahn）在室内外空间序列中的核心地位，以及其对中世纪欧洲建筑的间接影响。第三部分：人文复兴与现代性的降临第九章：回归古典的理性：文艺复兴时期的比例与透视文艺复兴是对古典人本主义的重新发现。本章阐述了布鲁内莱斯基、阿尔伯蒂等先驱如何通过对古罗马遗迹的测量和研究，将建筑重新置于数学和人文科学的框架下。重点分析文艺复兴建筑对集中对称、清晰的几何形体（如圆形和方形）的偏爱，以及透视法在平面设计和空间引导中的革命性应用，如佛罗伦萨圣母百花大教堂的穹顶修复工程。第十章：权力与戏剧性：巴洛克与洛可可的动态表达 17世纪的巴洛克（Baroque）是对文艺复兴静态平衡的一种反叛。本章探讨建筑如何服务于天主教会的反宗教改革和君主专制，强调运动感、戏剧性的光影对比、曲线的运用以及材料的奢华铺陈。我们将分析贝尼尼和博罗米尼的作品，研究其如何通过扭曲的平面和错综的装饰营造出情感冲击力。洛可可作为其柔化和内部化的延伸，则侧重于装饰的精巧与私密性。第十一章：工业的冲击与新旧的冲突：19世纪的复兴主义浪潮工业革命为建筑带来了新材料（铸铁、钢材、平板玻璃）和新的建造技术，但审美上却陷入了对历史风格的循环模仿（新古典主义、新哥特式等）。本章分析这种矛盾性，探讨英国议会大厦和水晶宫等标志性建筑，如何在新材料与旧形式之间进行艰难的对话，并预示着现代主义的到来。第十二章：形式追随功能：现代主义建筑的诞生与纯化 20世纪初，以勒·柯布西耶、密斯·凡德罗、格罗皮乌斯为代表的建筑师，彻底抛弃了历史装饰，主张建筑应反映工业化时代的逻辑与社会需求。本章详述现代主义的核心原则（如“新建筑五点”、功能至上、清晰的体块划分）。我们将考察包豪斯的影响、国际风格的推广，以及它对标准化、高效性居住模式的追求。第十三章：解构与多元的回归：后现代主义与当代建筑的碎片化进入20世纪下半叶，现代主义的统一性和严苛性受到挑战。后现代主义（Postmodernism）以符号的恢复、历史引用的戏谑和对地方文脉的关注为特征。本章分析文丘里的“少即是乏味”对密斯哲学的颠覆。随后，我们将展望当代建筑的趋势，包括高科技建筑（High-Tech）、解构主义的复杂几何形态（如盖里的作品），以及对可持续性、生态友好型设计的日益重视，展示建筑艺术如何持续适应和反映人类社会变迁的复杂性。通过对上述内容的系统梳理，本书旨在提供一个清晰的认知框架，使读者能够欣赏到建筑艺术作为一种综合性的艺术形式，如何在不同文化语境下，以其独特的空间语言，记录下人类文明发展的每一个重要阶段。

作者简介

目录信息

前言认识一下我们的学员10周时间安排第一部分
镜中形象：外表的你
专题1 形体评估
专题2 个人的饮食计划
专题3 形体1：整体健身
专题4 形体2：身体线条
专题5 基本护理
专题6 化妆技巧
专题7 发型潜质1：超级发型
专题8 发型潜质2：颜色和发质
专题9 形象评估1：寻找自己的风格
专题10 形象评估2：依你的身材去穿着第二部分
精力之源：你的活力第三部分
生活
· · · · · · (收起)

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验上来说，这本书的节奏掌握得相当高明，它不像是一部长篇大论的流水账，更像是一系列精心策划的“视觉短片集锦”。每一章的篇幅适中，信息密度高而不令人感到压迫。我发现自己常常会在一个特定的案例前停留很久，反复对比不同时期的处理手法，比如古希腊雕塑中的理想化身体与洛可可时期宫廷画中过度装饰的女性形象之间的巨大反差，这种对比阅读极大地锻炼了我的批判性思维能力。书中的注释系统做得极为详尽，参考文献的引用也显示了其学术基础的扎实性，这保证了内容的可信度。对于那些希望系统性了解西方乃至世界范围内的女性形象演变，并希望获得足够理论工具来分析当代媒体中女性形象的读者来说，这本书提供了一个无与伦比的起点。它真正做到了“图解”——用最直观的视觉语言，讲述最深刻的文化变迁故事，是一部真正值得反复翻阅的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我最初对这类“图解”性质的书籍抱有一种潜在的怀疑，总觉得它们为了追求通俗易懂，可能会牺牲掉理论的尖锐性。然而，《图解女性形象艺术》彻底颠覆了我的这种刻板印象。它在保持了极高学术水准的同时，却使用了非常平易近人的语言来阐释复杂的艺术理论和历史背景。作者似乎深谙如何与初学者对话，同时又不疏远资深爱好者。比如，在讲解光影和透视法如何被用来“凝视”女性身体时，他们引入了福柯的“全景敞视主义”概念，但并没有过度堆砌术语，而是用清晰的案例分析来佐证观点。这种恰到好处的平衡感，让我感到非常惊喜。它不是那种故作高深的学院派读物，也不是浮于表面的“艺术鉴赏入门”，而是一本真正意义上的“思想桥梁”，成功地架起了艺术史与当代女性思潮之间的鸿沟。我尤其喜欢那些小框里的“延伸阅读推荐”，它们为我接下来的自主学习指明了方向，显示出作者深厚的知识储备和强烈的分享意愿。

评分☆☆☆☆☆

初翻《图解女性形象艺术》这本书，我的内心涌起一种莫名的期待与一丝谨慎。作为一名对艺术史和女性主义议题抱有浓厚兴趣的普通读者，我总在寻找那种既有学术深度，又不失可读性的读物。这本书的标题本身就非常抓人眼球，它承诺了一个视觉盛宴和一个知识探索之旅。我翻开目录，看到那些横跨不同时代和地域的章节划分，从古典雕塑到当代摄影，脉络清晰得令人赞叹。尤其让我眼前一亮的是，它似乎没有仅仅停留在对“美”的肤浅赞颂上，而是试图深入挖掘在不同历史背景下，女性形象是如何被建构、被观看、甚至是被反抗的。我尤其期待它在解析那些经典作品时，能否提供超越教科书式的解读，比如，它是否会探讨那些被主流艺术史遗忘的女性创作者，或者在表现手法上，如何细腻地捕捉到女性身体在社会结构下的复杂处境。如果这本书能成功地将艺术史的严谨性与社会学的批判性视角结合起来，那么它无疑将成为我案头必备的珍藏。它的装帧设计也透露出一种雅致的品味，让人愿意一遍遍地去触摸和阅读，这对于一本图文并茂的艺术书籍来说至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼和深思的，是它对“观看权力”的持续追问。它不仅仅是在罗列那些著名的女性形象，更是在不断地拷问：是谁在看？为了谁而画？女性在画面中是否具有主体性，还是仅仅作为被观看的客体而存在？这种批判性的视角贯穿始终，令人无法轻易合上书本。我回想起阅读关于十九世纪学院派沙龙画作的那一章，作者极其犀利地指出了商业化审美是如何将女性的性征和柔弱性固化为一种可消费的符号，这种分析层次之深，远超我之前接触过的任何一本概述性读物。更难能可贵的是，书中也收录了大量女性艺术家自己的作品，特别是那些试图颠覆既有模式、重塑自我形象的实验性创作。阅读这些作品时，我仿佛能感受到一种跨越时空的女性力量在汇聚，这不仅仅是艺术史的梳理，更像是一部女性自我意识觉醒的史诗，充满了力量与张力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和印刷质量，简直是艺术品级别的享受。我拿到书的瞬间，就被那种厚实而富有质感的纸张所吸引，色彩的还原度极高，那些跨越几个世纪的画作和雕塑照片，仿佛触手可及，细节纤毫毕现。这对于研究视觉艺术的读者来说，是极其重要的，很多时候，低劣的复制品会彻底扭曲原作的精髓和笔触的力度。我特别欣赏作者在章节之间的过渡处理，他们没有生硬地用时间线来划分，而是巧妙地以“主题”或“媒介”为线索进行串联，这种编排方式使得阅读体验非常流畅自然，知识点之间的关联性也因此变得清晰可见。比如，当讨论文艺复兴时期的圣母形象时，作者并没有马上跳到现代主义，而是先深入探讨了中世纪以来宗教对女性形象符号化的影响，这种深挖根源的叙事方式，极大地提升了内容的厚度。总而言之，这本书在视觉呈现上做到了极致的尊重，它让读者在阅读知识的同时，也进行了一场高品质的“视觉冥想”。

评分☆☆☆☆☆