敦煌壁画与中国画色彩

出版者:人民美术出版社

作者:周大正

页数:88

出版时间:2000-7

价格:45.00元

isbn号码:9787102021317

用户评价

读完之后，我立刻去翻阅了我收藏的一些宋元时期的工笔画册页，感受完全不一样了。这本书的厉害之处在于，它搭建了一个跨越了媒介的桥梁，将壁画这种“建筑性”的绘画语言，巧妙地转化成了可以被案头欣赏的“纸本”经验。作者在阐述某些特定色调的象征意义时，引用了大量的佛教典籍和地方志记载，使得色彩不再是冷冰冰的化学物质，而是承载了信仰、权力与世俗愿望的载体。例如，对于阿弥陀佛净土变相图中那近乎奢靡的宝蓝色层次，书中细致地分析了其获取难度和在当时社会中的价值定位，这远超出了我原先对“佛教艺术”的刻板印象。它提供的视角是立体的，既有技术层面的“怎么调”，更有文化层面的“为什么要用这个颜色”。对于想要深入研究中国传统绘画色彩体系的爱好者来说，这本书提供的参考资料和理论支撑是极其扎实且令人信服的。

这本《敦煌壁画与中国画色彩》简直是打开了我对色彩理解的一扇新窗户。我一直以为，欣赏古代绘画，更多的是去体会那种历史的厚重感和笔墨的精妙，但这本书让我真正开始“听见”色彩的语言。书中对敦煌壁画中那些矿物颜料的运用，描述得详尽而生动，仿佛能闻到那种石青、石绿混合着香灰在墙壁上沉淀了千年的气息。特别是关于“晕染”技法的剖析，它不仅仅是技术层面的讲解，更是一种对光影、对空间、对人物精神状态的微妙捕捉。我原以为敦煌的色彩是相对固定的模板，但作者通过对比不同洞窟、不同时期的壁画，揭示了色彩运用中蕴含的时代审美变迁和教义影响，这比单纯的图录欣赏要深刻得多。它没有过多地纠缠于艺术史的宏大叙事，而是极其细腻地聚焦于“色”这个核心元素，让我开始反思我们当代绘画中对色彩的简单化处理，这种对传统工艺的敬畏和细致入微的观察，着实令人佩服。

老实说，一开始我对书名里的“敦煌”二字有些抗拒，担心内容会过于偏向宗教考古。然而，这本书的重点明显在于“色彩”的现代启发性。它对敦煌壁画中“间色”的运用分析得极其到位，特别是那些在唐代达到巅峰后，在宋元明清逐渐被“平涂”和“水墨”边缘化的色彩经验，在这里被重新激活了。作者用清晰的图例对比了不同时代的调色盘差异，这种直观的展示方式，让那些晦涩的色彩学理论变得触手可及。对我个人而言，这本书最大的价值在于，它提供了一种重新审视“中国传统色彩美学”的机会，让我们明白，古代的匠人对光线和颜料的理解深度，丝毫不逊色于近代的西方印象派画家，只不过他们的追求目标不同——他们追求的是“永恒”和“精神投射”。

这本书的印刷和图版质量也值得称赞，这对于一本探讨色彩的书来说至关重要。我手里拿着的这本，色彩还原度很高，那些经历了千年风霜的石青和石绿，在高清印刷下依然能展现出矿物颗粒的质感，这让阅读体验大大提升。更重要的是，作者在论述中非常注意将理论与实践相结合，她不仅仅是描述“什么颜色”，更深入探讨了“如何用这些颜色来塑造空间和情感”。比如，关于壁画中对黑暗空间的色彩处理，完全颠覆了我对古代绘画“暗部”处理的固有认知。这种对细节的执着和对传统工艺的尊重，使得全书的论述既有学术的严谨性，又不失艺术鉴赏的愉悦感。它确实是一本能让专业人士受益，也让普通爱好者爱不释手的佳作。

这本书的叙事节奏把握得非常好，它不像一本严肃的学术专著那样令人望而生畏，反而充满了对美学探索的热情。我尤其欣赏它在对比中西方色彩理论时的那种克制与精准。它没有陷入“谁优谁劣”的无谓争论，而是清晰地指出了中国画色彩体系的内在逻辑——即色彩是为“气韵”服务的，而非单纯追求客观物象的还原。书中对于“随类赋彩”的解读，真是醍醐灌顶。作者通过对飞天形象的衣带飘举中色彩渐变的分析，展示了中国古人在处理透明感和空气感时，是如何利用矿物颜料的特性，创造出一种既厚重又轻盈的视觉奇迹。这种对固有技法精神的挖掘，让我认识到，所谓的“中国风”色彩，绝不是简单的红配绿，而是一套完整的、基于哲学思辨的色彩体系。

一般般

一般般

一般般

一般般

一般般