绘画入门正规训练.水墨画

出版者:江西美术出版社

作者:萧珠玉

页数:56

出版时间:2003-10-1

价格:20.0

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787806901274

具体描述

《绘画入门正规训练:水墨画》：墨为水墨画的主要色彩，用得最多，一般用书画专用墨汁！墨分五色，主要用水来调和墨色的浓淡。常用的墨有焦墨、浓墨、淡墨、干墨、湿墨及一笔之中有浓淡干湿变化多种。

用户评价

自从接触了《绘画入门正规训练.水墨画》，我才真正领略到中国水墨画的博大精深，也让我对“入门”这两个字有了全新的理解。我曾经以为学习水墨画就是临摹几张山水画，或者画几笔梅花兰草，但这本书让我明白，真正的入门，是建立在对笔墨基本功的深刻理解和反复练习之上的。书中对“笔”的讲解，细致到毛笔的选材、制作，再到握笔的姿势、力度的控制。我记得我花了整整一个星期的时间，每天只练习画“点”，模仿书中各种点的形状、大小和晕染效果。从圆点、椭圆点到长点、短点，以及它们在画面中不同的功能，我都一一进行尝试。这让我体会到，即使是最小的“点”，也能蕴含着丰富的变化和表现力。在学习“墨”的运用方面，书中详细介绍了墨的种类、墨的调配，以及如何利用墨的浓淡干湿来表现物体的体积、质感和空间感。我曾经以为墨就是黑色的，但这本书让我了解到，墨的“五色”变化，可以营造出丰富的光影和层次。我曾尝试用不同的墨色来表现山石的明暗关系，用淡墨的渲染来表现远山的朦胧感，用浓墨的勾勒来表现近景的坚硬质感。这种对墨色变化的精妙运用，让我的画面瞬间有了生命力。书中还非常注重“墨分五色”的理论，并结合大量的示范作品，向我们展示了如何通过墨的深浅浓淡、笔触的粗细轻重，来塑造画面的层次和空间。我曾花了大量时间练习用“破墨法”和“积墨法”来表现山石的层次感，努力让画面既有笔墨的趣味，又不失物象的真实感。这本书让我明白，水墨画的“写意”并非不顾形体，而是以更概括、更精炼的方式来表现物体的神韵，而这一切都离不开扎实的笔墨功底。

一直以来，我都是一个对传统艺术充满敬畏的人，尤其是中国的水墨画，那种“遗貌取神”的境界，总让我觉得遥不可及。直到我遇到了《绘画入门正规训练.水墨画》，我才找到了真正通往这个境界的“正规”路径。这本书给我的第一印象就是“严谨”。它没有上来就教你画什么花鸟鱼虫，而是从最基础的“笔墨”讲起，就像盖房子先打地基一样。我记得书中有一章专门讲“墨的运用”，作者详细介绍了墨的种类、墨的调配方法，以及如何根据纸张的吸水性来调整墨的浓度和水分。我曾经以为墨汁都是一样的，但通过这本书，我才了解到，不同的墨，甚至同一个墨的不同稀释程度，都能产生截然不同的效果。例如，用生墨（未稀释的墨）勾勒，线条会显得苍劲有力；用熟墨（稀释过的墨）渲染，则会显得柔和温润。这让我意识到，墨的变化，其实是水墨画灵魂的关键。书中对“笔法”的讲解更是让我大开眼界。作者详细地分析了各种笔法的特点，比如“中锋用笔”能使线条圆润饱满，“侧锋用笔”能使线条刚劲有力。我曾花费大量时间反复练习，只为了掌握好笔的提按与转折，让每一笔线条都充满生命力。我记得练习画竹子时，老师要求我们用不同的笔触表现竹子的不同部分，例如用中锋勾勒竹竿，用侧锋点画竹叶，让竹子显得挺拔有力。这本书不仅仅是教授绘画技巧，更重要的是培养了我对“笔墨”的理解和尊重。它让我明白，水墨画的“写意”并非凭空而来，而是通过对物象的深刻观察和提炼，用精炼的笔墨将其神韵表现出来。这种“正规训练”让我从一开始就建立起正确的观念和扎实的基本功，为我未来的水墨画学习打下了坚实的基础。

我一直对水墨画有着一种莫名的情愫，那种黑白之间流淌出的意境，总让我觉得充满了东方哲思。然而，真正拿起画笔时，却发现自己连最基础的笔触都难以掌握。直到我遇到了这本《绘画入门正规训练.水墨画》，我才明白，我之前对水墨画的理解，多少有些“空中楼阁”。这本书从最根本的“笔”开始讲起，它不仅仅是告诉你如何握笔，更是告诉你如何“用”笔，如何通过笔的提、按、顿、挫来表现线条的力量、质感和生命力。我记得书中有一个章节专门讲解“勾线”，要求我们反复练习，力求每一条线都做到“骨力”十足，线条不枯不燥，有起伏变化。我曾花费了大量的时间去练习勾勒竹叶，尝试用不同的笔尖和力度来表现叶子的正反、浓淡和卷曲。这让我体会到，一条简单的线条，可以蕴含着如此丰富的表情。在“墨”的运用上，这本书也给了我极大的启发。作者详细讲解了墨的“浓、淡、干、湿”的变化，以及如何利用这些变化来表现物体的体积、质感和空间感。我曾尝试用“破墨法”来画水，让墨色在湿润的宣纸上自然晕染，形成水波荡漾的效果；也曾尝试用“积墨法”来表现山石的层次感，一层层地叠加墨色，让山石显得厚重而富有体积。我特别喜欢书中关于“墨分五色”的讲解，它不仅仅是关于颜色的深浅，更是关于如何通过墨色的变化来营造画面的氛围和意境。它让我明白，水墨画的“写意”并非随意为之，而是建立在对物象的深刻理解和对笔墨技法的熟练掌握之上。这本书为我打开了一扇新的大门，让我看到了水墨画的严谨与浪漫并存的魅力，也让我对自己的学习之路充满了信心。

我一直对水墨画的意境和韵味着迷，但总觉得它门槛很高，难以入门。偶然的机会，我接触到了这本《绘画入门正规训练.水墨画》，才真正体会到什么是“磨刀不误砍柴工”。这本书与其说是教你画画，不如说是教你如何“学”画画。它从最基础的笔墨基本功开始，详细讲解了如何选笔、如何握笔、如何调墨、如何用墨。我记得书中有一个部分是关于“笔法”的讲解，作者通过大量的示范图，清晰地展示了提、按、顿、挫等不同的运笔方式，以及这些运笔方式在不同笔画（如勾、皴、点、染）中的应用。我曾花费了数周时间，每天都练习写“一”、“横”、“竖”、“点”这些最基础的笔画，力求每一笔都做到形似、神足。我曾经以为写字与画画的用笔是完全不同的，但这本书让我明白，书法中的用笔之道，恰恰是水墨画笔墨运用的基础。在学习“皴法”时，作者并没有直接给出复杂的山石结构，而是先让我们理解各种皴法的“骨骼”，例如披麻皴的长线条，如何通过笔的起伏和墨的浓淡来表现山体的起伏和质感。这让我明白，皴法不仅仅是表面的纹理，更是对山石结构和力量的描绘。我特别喜欢书中关于“墨法”的讲解，它不仅仅是简单的“浓、淡、干、湿”，而是如何通过这些变化来营造画面的空间感、层次感和体积感。例如，用浓墨勾勒前景的山石，用淡墨渲染背景的远山，形成虚实对比，增强画面的纵深感。这本书让我明白了，水墨画的“写意”并非随意的涂抹，而是建立在严谨的笔墨训练之上，是对物象的深刻理解和提炼。它教会了我耐心和专注，也让我对水墨画的魅力有了更深刻的认识。

在我接触到这本《绘画入门正规训练.水墨画》之前，我一直认为水墨画是一种比较自由随性的艺术形式，可以随心所欲地挥洒。然而，这本书彻底改变了我的看法，它让我认识到，真正的“随心所欲”是建立在深厚功底之上的。刚开始阅读时，我被书中对基础笔法的详细讲解所吸引。作者并没有直接教授如何画山水、花鸟，而是从最根本的“笔”开始讲起，如何选择毛笔，如何握笔，如何控制笔尖的墨量和水分。我记得书中有一个章节专门讲解“点”的运用，要求我们用不同的笔尖（狼毫、羊毫、兼毫）蘸上不同浓度的墨，在纸上落下，观察它们产生的效果。这让我明白了，即使是同一个“点”，由于笔的特性、墨的浓淡以及下笔的力度不同，都会产生截然不同的视觉效果。这一点我之前从未真正体会过，以为画点就是用笔尖蘸墨点下去那么简单。书中对于“线条”的讲解更是细致入微，从勾线、皴擦到点染，每一个笔触都有其特定的含义和表现力。例如，在画山石时，作者会详细讲解不同的皴法，如披麻皴、斧劈皴、米点皴等，并示范如何通过运笔的快慢、轻重来表现山石的质感和体积感。这让我意识到，水墨画的线条并非仅仅是轮廓线，它本身就蕴含着丰富的笔墨趣味和造型能力。我花了大量的时间去练习勾线，力求线条的流畅、有力，并且能够传达出物体的质感。当我通过反复练习，能够用不同粗细、不同浓淡的线条表现出物体表面的肌理时，我感到非常惊喜。这本书给我最大的启示是，水墨画的“写意”并非抛弃“写实”，而是以更概括、更精炼的方式来捕捉物象的神韵。它教会我如何“形”与“神”兼顾，如何用简练的笔墨表达出丰富的内涵。

我一直认为，要画好水墨画，关键在于“意境”，在于画家的情感表达。然而，这本《绘画入门正规训练.水墨画》却让我看到了“意境”背后的“技法”。这本书从最基础的笔墨训练入手，强调了每一个笔触、每一滴墨都要有其规矩和章法。我记得书中有一个部分是关于“点”的运用，作者详细列举了各种点的形状、大小、排列方式，以及它们在画面中的不同作用。例如，用浓墨点画山石的苔点，可以增加画面的质感和层次；用淡墨点画花朵的花蕊，可以表现出花朵的精致和生动。这让我明白，看似简单的“点”，其实蕴含着丰富的造型和表现力。在“皴法”的学习上，这本书也给我带来了深刻的启发。作者并没有直接教授复杂的皴法，而是先让我们理解每一种皴法的“骨骼”，例如披麻皴的线条如何表现山体的柔和，斧劈皴的线条如何表现山体的刚劲。我曾花费了大量的时间去练习用不同的皴法来表现山石的质感和体积，力求让山石显得既有力量又不失生动。我特别喜欢书中关于“用墨”的讲解，它让我明白了“墨分五色”的真正含义，不仅仅是深浅的变化，更是通过墨的干湿浓淡、笔触的粗细轻重，来塑造画面的层次和空间。例如，用浓墨勾勒前景的山石，用淡墨渲染远景的山峦，形成虚实对比，增强画面的纵深感。这本书让我明白，水墨画的“写意”并非抛弃写实，而是以更概括、更精炼的方式来捕捉物象的神韵，而这一切都离不开扎实的笔墨功底。它教会了我如何“师古人”而不“泥古”，如何通过严谨的训练，最终达到“随心所欲”的境界。

一直以来，我总以为水墨画是一种随性而至的艺术，可以凭着感觉挥洒。直到我翻开这本《绘画入门正规训练.水墨画》，才真正认识到，真正的“随性”是建立在深厚功底之上的。这本书从最基础的笔墨训练开始，强调了每一个笔触、每一滴墨都要有其规矩和章法。我记得书中有一章专门讲解“笔法”，作者通过大量的示范图，清晰地展示了提、按、顿、挫等不同的运笔方式，以及这些运笔方式在不同笔画（如勾、皴、点、染）中的应用。我曾花费了数周时间，每天都练习写“一”、“横”、“竖”、“点”这些最基础的笔画，力求每一笔都做到形似、神足。我曾经以为写字与画画的用笔是完全不同的，但这本书让我明白，书法中的用笔之道，恰恰是水墨画笔墨运用的基础。在学习“皴法”时，作者并没有直接给出复杂的山石结构，而是先让我们理解各种皴法的“骨骼”，例如披麻皴的长线条，如何通过笔的起伏和墨的浓淡来表现山体的起伏和质感。这让我明白，皴法不仅仅是表面的纹理，更是对山石结构和力量的描绘。我特别喜欢书中关于“墨法”的讲解，它不仅仅是简单的“浓、淡、干、湿”，而是如何通过这些变化来营造画面的空间感、层次感和体积感。例如，用浓墨勾勒前景的山石，用淡墨渲染背景的远山，形成虚实对比，增强画面的纵深感。这本书让我明白，水墨画的“写意”并非随意的涂抹，而是建立在严谨的笔墨训练之上，是对物象的深刻理解和提炼。它教会了我耐心和专注，也让我对水墨画的魅力有了更深刻的认识。

我一直对中国传统绘画充满了好奇，尤其对水墨画那种“写意”的韵味情有独钟，总觉得那是艺术家将自己的情感与自然融为一体的极致体现。然而，当我翻开这本《绘画入门正规训练.水墨画》时，才意识到自己之前对“写意”的理解有些过于浪漫化了。书中开篇就强调了“基础训练”的重要性，这让我有些意外，但我很快就沉浸在了其中。从握笔的姿势、运笔的力度、墨汁的调配，到纸张的特性、水与墨的融合，每一个细节都被剖析得淋漓尽致。我记得第一次练习“点”的运用，老师要求我们用不同角度、不同力度的笔尖去蘸墨，然后在纸上落下，观察点的大小、形状和晕染的范围。这看似简单的“点”，却蕴含着无穷的变化，可以表现出花瓣的质感、山石的纹理，甚至人物的眉眼。书中对“皴法”的讲解更是让我大开眼界，它不仅仅是用来表现山石的形状，更是通过不同的皴法，赋予山石不同的性格和生命。例如，“披麻皴”的长线条，可以表现出柔和的山体；而“斧劈皴”的短促线条，则能突出山石的刚劲。这本书并没有直接教你画“像”，而是教你如何“像”起来。它通过大量的示范和练习，引导我去理解物象的本质，然后用笔墨去捕捉和表达。我曾经尝试过模仿名家作品，总是觉得画得像形似而神不似。但这本书让我明白，神似并非凭空而来，而是建立在扎实的形体和笔墨功底之上。我花了很多时间练习勾线，力求每一笔都做到“中锋用笔”，线条既要有厚度，又要有弹性。当我看到自己画出的线条开始有了生命力，开始能够传达出物体的质感时，那种成就感是无法言喻的。这本书教会我的不仅仅是绘画技巧，更是一种严谨的治学态度和对艺术的尊重。

这本《绘画入门正规训练.水墨画》给我带来了前所未有的学习体验，我原本以为水墨画是那种随心所欲、意境至上的艺术，但这本书彻底颠覆了我的认知。它从最基础的笔触、墨色变化讲起，每一笔都力求精准，每一块墨的晕染都有其道理。我记得刚开始练习勾线时，老师要求我们模仿山石的纹理，用不同的力度和角度去运笔，直到画出的线条既有力量感又不失灵动。刚开始真的是痛苦万分，线条歪歪扭扭，断断续续，感觉自己怎么也抓不住那种“骨力”。但是，当我反复练习，逐渐体会到不同毛笔在纸上留下的痕迹所蕴含的信息时，我开始看到了希望。书中对于“骨法用笔”的讲解非常到位，它不仅仅是技巧，更是一种对物象内在结构的理解和表达。比如画竹子，不是简单地画出竹节和叶子，而是要理解竹子的生长习性，那种挺拔向上、节节攀升的气势，通过笔墨的变化表现出来。我特别喜欢书中关于“墨分五色”的阐释，这不仅仅是五种深浅不同的墨，而是通过墨的干湿浓淡、笔触的粗细轻重，来营造出画面的层次感和立体感。比如画远山，用淡墨皴擦，营造出朦胧的意境；画近景的山石，则用浓墨勾勒，突出其坚硬的质感。这种对墨色变化的精妙运用，让画面立刻生动起来，有了呼吸感。我曾经尝试过照着一些网上的教程学习，总觉得不得其法，画出来的东西总感觉“飘”，没有根基。这本书就像一个循循善诱的老师，一步一步地引导我，让我从“知其然”到“知其所以然”。它不仅仅教授技巧，更重要的是培养了我对水墨画的敬畏之心和严谨的学习态度。我真的觉得，这本书才是真正意义上的“绘画入门正规训练”，它为我打下了坚实的基础，让我对未来深入学习水墨画充满了信心。

在我看来，水墨画一直是一种充满神秘感的艺术，那种黑白之间流淌的意境，总让我觉得难以捉摸。然而，这本《绘画入门正规训练.水墨画》却像一位循循善诱的老师，一步步地引导我走进了水墨画的殿堂。这本书从最基础的“笔”开始讲起，详细讲解了毛笔的特性、握笔的方法、用笔的力度和角度。我记得书中有一个章节专门讲解“勾线”，要求我们反复练习，力求每一笔都做到“中锋用笔”，线条流畅、有力，富有弹性。这让我明白了，为什么很多大师的作品，线条看起来那么有生命力，原来是他们掌握了运笔的精髓。在“墨”的运用方面，这本书更是让我大开眼界。它详细介绍了墨的“浓、淡、干、湿”变化，以及如何利用这些变化来表现物体的体积、质感和空间感。我曾尝试用“破墨法”来画水，让墨色在湿润的宣纸上自然晕染，形成水波荡漾的效果；也曾尝试用“积墨法”来表现山石的层次感，一层层地叠加墨色，让山石显得厚重而富有体积。我特别喜欢书中关于“墨分五色”的讲解，它让我明白了，不仅仅是深浅的变化，更是通过墨的干湿浓淡、笔触的粗细轻重，来塑造画面的层次和空间。它让我明白，水墨画的“写意”并非凭空而来，而是建立在对物象的深刻理解和对笔墨技法的熟练掌握之上。这本书为我打开了一扇新的大门，让我看到了水墨画的严谨与浪漫并存的魅力，也让我对自己的学习之路充满了信心。