具体描述
Adobe公司的Photosho
作者简介
目录信息
第二章 Photoshop 7.0内置滤镜（一）
第三章 Photoshop 7.0内置滤镜（二）
第四章 Photoshop 7.0内置滤镜（三）
第五章 KPT 3.0外挂滤镜
第六章 KPT 5.0外挂滤镜
第七章 KPT 6.0外挂滤镜
第八章 KPT effects（KPT 7.0）外挂滤镜
第九章 Eye Candy 4000外挂滤镜
第十章 KnockOut2.0外挂滤镜
第十一章 其他精品外挂滤镜
附录1 常见Photoshop外挂滤镜列表
附录2 滤镜管理软件Plugin Manager的使用
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
读完这本书，我有一种强烈的时空错位感。我对Photoshop 7的怀旧情结是被勾起来了，那时的软件界面和工具逻辑，对于习惯了最新CC版本的我来说，简直像在翻阅一本老相册。我原本期待看到的是如何用这套“老工具箱”去挑战现代的视觉需求，比如如何用7.0的工具集去模拟当下流行的赛博朋克或低多边形（Low Poly）风格，那将是对软件局限性的创造性突破。书中对基本菜单的讲解倒是清晰，对于刚接触Photoshop的新手来说，应该算是一本合格的入门指南。但是，对于我这种期望能从中挖掘出“秘密武器”的进阶用户而言，这本书的内容广度稍显不足。特别是关于图层混合模式与滤镜叠加应用的部分，描述得过于平铺直叙，缺乏那种“一语惊醒梦中人”的精妙提示。我更希望看到的是作者如何将那个时代特有的硬件限制（比如内存和处理速度）转化为创作灵感，用有限的资源创造出无限的可能，而不是仅仅停留在软件功能的罗列上。整体感觉，它更像是一本软件功能说明书的艺术化解读版，而非一本深谙“滤镜应用艺术”的创作宝典。
评分这本书的装帧设计倒是挺别致，封面用了那种略带磨砂质感的纸张，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是下了功夫的。我最开始是冲着“艺术”这两个字去的，毕竟Photoshop 7这个版本虽然老了点，但基础功还是很扎实的。我以为它会深入探讨如何利用那些经典的内置滤镜，比如高斯模糊、锐化、艺术效果滤镜，去创造出具有鲜明个人风格的数字绘画或特效。比如，它会不会有一章专门讲解如何用“油画”滤镜模拟伦勃朗的光影效果，或者如何巧妙地结合“颗粒”和“镜头光晕”来制作复古胶片质感的人像作品？我希望能看到作者对色彩理论如何与特定滤镜参数相结合的细致分析，那种不是简单罗列菜单选项，而是讲解“为什么”要这样调的深度内容。毕竟，滤镜的强大在于其可塑性，而不仅仅是点一下按钮的便捷。如果这本书能像一本高级技法手册那样，提供大量的实战案例，展示从原始照片到最终艺术品的完整流程，那简直太棒了。可惜，我翻了好几遍，似乎更侧重于基础操作的介绍，对于滤镜深层原理和艺术化应用的挖掘，总感觉有些意犹未尽，像是只教了你“怎么走”，但没告诉你“为什么”要往这个方向走。
评分这本书的排版和图例质量，坦白说，让我有些失望。鉴于主题是“艺术”，我预想中的是高清晰度的对比图和色彩准确的屏幕截图。我期待着每一个滤镜效果都能以大图展示，让我能清晰地分辨出细节上的微妙差异——比如，不同半径的高斯模糊对图像边缘的影响，或者“液化”工具中“膨胀”和“收缩”的力度控制对人物造型的戏剧性改变。然而，书中的插图普遍偏小，很多关键步骤的演示图分辨率似乎不高，尤其是那些涉及色彩过渡和纹理生成的画面，细节在高倍放大下有些模糊不清，这对于学习精细操作是致命的。学习视觉艺术相关的书籍，视觉反馈是重中之重。如果连作为范例的图片本身都不能提供足够的视觉信息，那么文字描述再详尽也显得苍白无力。这本书似乎把重点放在了文字的阐述上，而忽略了“展示”的力量。对于“艺术”而言，百闻不如一见，而这本书恰恰在“见”的体验上打了折扣，让我难以将文字描述的理论效果与实际的视觉感受完全对应起来。
评分我购买这本书的初衷，是想寻找一种将“技术”转化为“表达”的桥梁。我关注的重点在于“应用艺术”——即滤镜如何作为一种表达媒介，来强化或扭曲现实，从而传达情感或概念。比如，如何利用“海报化”滤镜来制造强烈的视觉冲击力，或者如何通过一系列复杂的通道混合与扭曲滤镜，来营造出迷幻或超现实主义的氛围。我期待看到的是一个理论框架，指导读者如何建立一套属于自己的“滤镜语言体系”。如果一个滤镜能实现100种效果，这本书能否告诉我，哪10种效果最适合表达“忧郁”，哪5种最适合表达“动感”？遗憾的是，书中的内容更多地停留在对Photoshop 7内置的几十个滤镜进行逐一的功能介绍，就像是给工具箱里的每一把锤子贴上标签，告诉大家“这个可以敲钉子”，却很少深入探讨如何用这些锤子去搭建一座结构精妙的建筑。那种将多个滤镜串联起来，形成复杂工作流的“配方”分享得太少了，使得这本书对于希望提升个人创作深度的读者来说，价值有限。
评分从整体结构来看，这本书似乎没有一个明确的学习路径指引。它更像是一本参考手册的集合，各个章节之间的关联性不强，读者很可能在阅读过程中感到迷失方向。我希望它能像一个循序渐进的课程大纲，从最基础的“光影与失真基础”开始，逐步过渡到“纹理合成与风格迁移”，最后以一个完整的“项目实战”收尾。这样，读者可以清晰地看到自己的知识是如何一步步积累并应用于实践的。但这本书的章节划分似乎是基于软件菜单的顺序排列，而非基于艺术创作的逻辑流程。比如，基础的色彩调整滤镜和高级的空间扭曲滤镜被并置讲解，这对于初学者来说，知识点的吸收会比较困难，缺乏由浅入深的引导。作为一本探讨“艺术”的书籍，逻辑的连贯性和教学的渐进性至关重要，它需要像一位优秀的导师，引导学生从模仿走向创新。这本书的结构，更像是让学生自己去拼凑知识碎片，而非提供一张清晰的路线图。
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