中央美术学院培训中心美术高考辅导教程·素描篇

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出版者:
作者:胡志敏
出品人:
页数:60
译者:
出版时间:2005-3
价格:18.00元
装帧:
isbn号码:9787539813035
丛书系列:
图书标签:
  • 美术高考
  • 素描
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具体描述

素描是一门独立的绘画艺术,作为一种绘画语言和形式,素描有着独特的审美价值和艺术性。同时它也是其他造型艺术的基础。

素描能力首先体现在感受能力方面,其次是写实能力方面。培养和提高学生的感受能力、整体意识、整体观察和整体把握画面能力是我们素描造型的教学方针。在教学中始终贯穿对学生审美能力的培养,以及艺术创造力的培养和引导,这不仅是素描教学的出发点,也是素描造型的目的。

面对当前的应试教育,如何解决其所存在的弊端和问题是所有美术教育工作者共同关心和研究的课题;我们在明确素质教学方针的同时,也在具体的教学实践中不断探索和研究切实可行的教学方法,这需要我们的教师努力学习和探索,不断提高教学能力,在实践中不断完善教学。

探索艺术的无尽疆域:当代设计与视觉文化精选读本 面向未来,构建多元视觉素养的知识图谱 本书精选了一系列当代设计领域的前沿理论、经典案例分析以及跨学科的视觉文化研究成果,旨在为致力于在视觉艺术领域深耕的学子、专业人士以及对当代审美充满好奇的读者,提供一个全面、深入且富含启发性的知识框架。我们聚焦于数字媒体、交互设计、平面设计趋势、现当代艺术史的再解读,以及设计思维在社会创新中的应用,力求超越传统技法教学的范畴,着重培养读者的批判性思维和前瞻性视野。 第一辑:视觉符号的解构与重构——当代设计语言的演变 本辑深入探讨了自后现代主义以来,视觉符号系统是如何被颠覆、重组并适应于高度信息化的社会环境。 1. 字体排印学的后数字时代转向: 本章细致分析了在屏幕媒介主导的今天,字体设计不再仅仅是信息传递的工具,而是成为了品牌识别和情感表达的核心载体。我们将探讨变量字体(Variable Fonts)的技术革新如何释放设计师的创作潜能,以及如何理解和运用“动态排版”在网页、App界面乃至沉浸式体验中的叙事功能。内容涵盖了从瑞士风格的严谨性到数字原生字体的流动性之间的张力与融合,并辅以具体案例,剖析了不同文化背景下对视觉层级的差异化处理。 2. 平面设计的边界消融与动态视觉: 我们考察了平面设计如何通过时间维度和空间维度实现自身的拓展。重点分析了“运动图形”(Motion Graphics)在信息可视化中的统治地位,包括如何运用关键帧、曲线编辑器和时间轴管理来创造节奏感和叙事张力。此外,本书还探讨了“信息可视化设计”的伦理考量,即如何确保数据的准确呈现不被过度美学化所扭曲,强调设计作为一种社会责任的重要性。案例选取了国际顶尖的年度报告设计和数字叙事项目。 3. 材质、触感与数字拟物化(Skeuomorphism vs. Flat Design): 在设计趋势的循环往复中,对“真实感”的追求从未停止。本章辩证地分析了扁平化设计(Flat Design)的效率与极简主义,以及近年来回潮的拟物化设计(Skeuomorphism)和新拟物化(Neumorphism)的深层动因。我们讨论了设计师如何利用光影、阴影和纹理来模拟物理世界的触觉反馈,尤其是在触屏交互设计中,这种对“触感”的追求如何提升用户体验的直观性和愉悦感。 第二辑:跨媒介叙事与沉浸式体验 本辑将焦点投向了交互艺术和体验设计,探究如何构建能吸引观众全身心投入的叙事环境。 4. 装置艺术与空间叙事: 本书不再将装置艺术视为纯粹的雕塑延伸,而是将其视为一种“环境叙事”的载体。我们分析了当代艺术家如何利用光线、声音、气味和观众的物理移动,来编织复杂的情感和概念线索。通过对国际双年展和特定场域艺术(Site-Specific Art)的深入解读,揭示了空间本身如何成为一个动态的叙事文本。 5. 虚拟现实(VR)、增强现实(AR)中的设计原则: 虚拟环境的设计遵循一套与传统二维平面截然不同的法则。本章系统梳理了沉浸式体验设计中的“临场感”(Presence)核心要素,包括视差、注视点设计、3D空间音频布局以及用户界面(UI)在三维空间中的适应性策略。内容侧重于如何避免“晕动症”,以及如何设计符合人类自然行为模式的交互逻辑。 6. 游戏化思维(Gamification)在非娱乐领域的应用: 游戏机制如何被移植到教育、健康管理和城市规划等领域,以激发用户的内在动机?本章剖析了积分、徽章、排行榜、任务系统等游戏元素的有效植入策略,并探讨了其背后的心理学基础——激励理论和行为设计。 第三辑:设计思维与当代文化批判 本辑提升至理论高度,探讨设计在理解和塑造当代社会结构中的作用,并强调批判性实践的重要性。 7. 设计史的重新叙事:去中心化的艺术史观: 传统的艺术史往往聚焦于欧洲和北美的精英叙事。本章倡导一种更具包容性的视角,重新审视非西方语境下的工艺传统、民间艺术以及全球化背景下的设计模仿与挪用现象。我们关注设计如何成为文化抵抗、身份建构和全球对话的有力工具。 8. 设计伦理与可持续性设计实践: 面对气候变化和资源枯竭的挑战,本章探讨了“负责任的设计”的内涵。内容包括循环经济设计(Circular Design)、生命周期评估(LCA)在产品设计中的应用,以及如何通过设计决策来减少“数字废弃物”(如冗余的代码和低效的界面)对环境的影响。我们探讨了“慢设计”的哲学价值。 9. 算法时代的美学感知:人工智能生成内容的挑战与机遇: 随着生成式人工智能(Generative AI)工具的普及,我们正面临对“原创性”和“作者身份”的根本性拷问。本章深入分析了扩散模型(Diffusion Models)的工作原理,探讨了设计师应如何与AI工具协作,将其视为增强创造力的伙伴,而非替代品,并审视了数据偏见在AI图像生成中的投射与放大效应。 结语:迈向未来的视觉实践者 本书的整体目标是培养具有广阔视野、能够驾驭复杂媒介、并以审慎态度参与社会对话的未来视觉艺术工作者。它提供的不是固定的步骤指南,而是激发读者进行更深层次探索的理论基石与案例参照。我们相信,真正的创新诞生于对现有知识体系的深刻理解和大胆超越。

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目录信息

读后感

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用户评价

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我个人对这本教材的编排逻辑非常欣赏,它不是简单地堆砌大量范画,而是构建了一个循序渐进的知识体系。初学者往往容易在细节上纠结而忽略了整体,这本书很聪明地将素描学习拆解成了几个关键的模块。比如,在处理静物组合时,它不仅强调了主体和陪体的空间关系,还特别开辟了一章专门讨论“环境光与反射光”的处理,这一点很多基础教程都会一带而过。我之前画的静物总是灰蒙蒙的,缺乏立体感和“空气感”,就是因为我没有真正理解光是如何与物体表面的材质相互作用的。这本书中的解析图,对比了不同材质(如金属、玻璃、布料)在同一光照条件下的受光和受影差异,这种细致入微的对比分析,对于提高画面表现力至关重要。我尝试用书里教的方法去处理我的作业,即便只是一个简单的陶罐,也能画出那种温润的质感。它真正做到了,将复杂的问题简单化,让学习过程充满成就感而非挫败感。

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我最欣赏的,是这本书在“工具与材料”部分所展现的专业度。很多教程对铅笔的型号选择、纸张的纹理以及橡皮的使用技巧一带而过,导致初学者常常买到不适合的工具,事倍功半。而这本教材则用非常详尽的篇幅解释了不同硬度(如2H到8B)铅笔的特性,以及它们在塑造不同明暗层次时的作用。更重要的是,它教会了我们如何“控制”工具。比如,如何利用排线的密度和方向来制造微妙的过渡,而不是简单地涂抹。特别是关于“擦”和“揉”的技巧,书里清晰地指出了过度依赖橡皮擦的弊端,提倡用排线和叠色来建立层次。我以前总觉得素描就是用铅笔画出来的,这本书让我认识到,素描也是一门关于“减法”和“控制”的艺术。这种对细节的执着,是真正体现专业水准的地方。

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这本《中央美术学院培训中心美术高考辅导教程·素描篇》对于我这种基础薄弱的艺术生来说,简直就是一剂强心针。我记得我刚开始接触素描的时候,面对画板和铅笔完全不知从何下手,形体总是画得僵硬不自然,光影关系更是乱七八糟。市面上那些教程,要么过于理论化,全是晦涩难懂的术语,要么就是只展示精美成品,却对具体的步骤和技巧含糊其辞。直到我接触到这本教程,那种感觉就像是终于找到了一个手把手带着你走的良师益友。它没有那种高高在上的精英感,而是非常接地气地从最基础的点、线、面讲起,用非常直观的方式剖析了如何观察和理解物体。特别是对透视原理的讲解,我以前总是死记硬背规则,但这本书通过大量的实例图示,让我真正理解了透视是如何影响我们看到的空间感,那种豁然开朗的感觉,真的很难用语言形容。我按照书里介绍的方法,对着一个简单的几何体反复练习结构和比例,进步速度快得连我自己都感到惊讶。它教会我的不是怎么“画”一个苹果或一个石膏像,而是怎么“看”它们,这才是艺术学习中最核心的一环。

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说实话,我拿到这本书之前,对“央美培训”这个名头多少有些敬畏,担心内容过于偏向学院派的僵硬训练,缺乏创新和个性表达的空间。然而,阅读下来发现,这本书的视角其实相当开阔。它在打下坚实的基础训练要求后,并没有止步于机械地复制古典素描的范式。尤其是在人物头像素描的部分,它深入探讨了“神态”和“气质”的捕捉,而不仅仅是五官的准确结构。书中提到,一个好的素描作品,其魅力不仅在于形体精确,更在于传递出对象内在的精神特质。这一点对我触动很大,我开始尝试在临摹中加入自己的理解和情感注入。此外,书中所选取的范画类型也很有意思,它既有传统的石膏像训练,也有大量写生人像和生活化的静物,这种多样性保证了学习者不会被单一的风格限制住。它似乎在告诉我:规矩是用来掌握的,掌握之后,艺术表达的方式是无限的。

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从一个长期在备考压力下摸索过来的角度来看,这本教程的实用性和针对性是无与伦比的。它不仅仅是一本学习手册,更像是一份考场应试指南。它非常精准地抓住了美术高考中最看重的几个评分标准:整体关系、空间感、体积感和画面完成度。书中的章节安排,很贴合考生的学习进度,比如,它会特意标注出哪些是必须在短时间内掌握的核心技能,哪些是锦上添花的提升点。我印象最深的是,它提供了一套非常高效的“构图与取景”方法论,在考试时间紧张的情况下,快速确定最佳视角和布局的能力至关重要,这本书给出的案例分析非常到位,让我明白了如何在有限的几分钟内锁定最佳的画面结构。这套教程不是让你成为一个“完美的复刻者”,而是让你成为一个“高效的画面构建者”,这对于任何一个追求高分的考生来说,都是最有价值的指导。

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