Sixties Design

出版者:taschen

作者:Garner, Philippe

页数:176

价格:19.99

装帧:Pap

isbn号码:9783822829370

具体描述

New materials for new shapes

Sixties Design provides a richly illustrated survey of a remarkable decade. The text reviews the period through certain all-important themes—the Modernist continuum, pop culture, space age styles, utopian ambitions and ‘anti-design,’ identifying the impact of new thinking on every area of design. Embracing a wide variety of media, and making connections between domestic and industrial design, graphics, film, fashion, architecture and city planning, the illustrations highlight the best design examples of the decade.

作者简介

Philippe Garner is a Senior Director of Sotheby’s, London. He has published numerous books, including studies of the work of Emile Gallé, Eileen Gray, and Cecil Beaton. His articles, essays and research have appeared in various magazines and journals including The Connoisseur, Eye, Harper’s & Queen, History of Photography and House & Garden.

用户评价

坦白说，这本书的学术深度是超乎我预期的。我原本只是想找本轻松愉快的“怀旧指南”，结果却拿到了一本可以进阶研究的文献资料。作者在考察材料科学的进步时，引用了当时发表在《科学美国人》上的几篇关于聚合物特性的文章，这无疑提高了阅读门槛，但回报也是巨大的。通过这些严谨的考证，我们得以理解，那些看似天马行空的造型设计，其实是建立在坚实的材料突破之上的。有一个章节专门剖析了模具制造技术在那个十年中的飞速发展，如何解放了设计师的想象力，使得大规模生产复杂曲线成为可能。这种对“制造工艺”和“美学表达”之间关系的深刻洞察，是许多只关注表象的书籍所缺失的。我特别欣赏作者不带偏见地记录了技术乐观主义带来的盲目性，比如对人造材料的过度推崇，以及由此引发的环保问题，这种批判性的视角，让整本书的论述更加成熟和负责任。

对于我这个对设计史略知一二的爱好者来说，这本书最令人惊喜的地方在于它对“边缘设计”的关注。市面上大多数关于六十年代设计的书籍，都会把重点放在那些已经被奉为经典的、摆在博物馆里的标志性作品上，比如潘顿的S型椅或者科林·皮斯的花盆灯。但这本书花了大量的篇幅去梳理那些昙花一现的、甚至可以说是失败的尝试。它收录了许多未被投入大规模生产的概念设计，那些造型夸张到近乎滑稽的“未来之家”蓝图，那些试图用新型合成纤维来彻底取代传统布艺的室内装饰方案。我特别喜欢其中对于“环境设计”的反思，不仅仅是探讨了色彩和形式，更是触及到了空间与人心理状态之间的微妙关系。作者非常擅长使用类比的手法，将彼时的设计实验与后来的数字革命前夜的焦虑和期待联系起来，使得这些看似过时的物件，突然拥有了跨越时间的对话能力。阅读过程中，我不得不频繁停下来，去查阅那些当时新兴的化学材料名称，那种求知欲被不断激发的感觉，实在令人着迷。

这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种饱和度极高的橙色和柠檬黄撞在一起，配上粗犷的无衬线字体，一下子就把我拽回了那个充满实验精神和打破常规的年代。我原本以为这只是一本单纯的图册，罗列着那个时期最著名的家具和室内设计作品，但翻开目录才发现，作者的野心远不止于此。它没有一味地歌颂那些光鲜亮丽的“太空时代”风格，而是深入挖掘了背后的社会思潮——从反战运动到对消费主义的质疑，以及嬉皮士文化的兴起如何渗透到了设计语言之中。比如，书中有一章专门探讨了模块化家具和充气塑料制品，不仅仅是展示了它们奇特的造型，更着重分析了它们作为“反传统”、“易于拆卸和组装”的符号意义，暗示着一种对固定阶层和僵化家庭结构的挑战。作者的文字功底非常扎实，引用了大量当时的设计师手稿、杂志文章片段，甚至还有一些当时颇具争议的评论家的观点，让整个叙事充满了立体感。阅读体验极其流畅，仿佛自己正置身于1968年米兰的一个设计展厅，空气中弥漫着新型材料特有的气味，耳边是迷幻摇滚乐的低音轰鸣。

这本书的排版和装帧简直就是对“设计品味”的一种致敬，每一页的留白都经过了深思熟虑，既不会让人觉得拥挤，也不会显得空洞乏味。更绝的是，它在引用文献和插图的配合上达到了一个近乎完美的状态。当作者讨论到“波普艺术对家居色彩的冲击”时，紧接着呈现的不是一张平面的产品照片，而是一张当时家居杂志的内页扫描件，那上面模特夸张的肢体语言和背景中那些荧光色的墙面，比任何文字描述都来得有力。我发现这本书并非仅仅满足于展示“是什么”，它一直在追问“为什么是这样”。例如，它细致地分析了当时欧洲和美国在设计理念上的分歧，前者更偏向于社会功能和结构创新，后者则更倾向于市场化和感官刺激。这种宏观的对比分析，让原本散乱的知识点形成了一个有机的知识网络。我用了整整一个下午，只是沉浸在关于“色彩心理学”的那几页中，那种被信息流包裹的充实感，是很多快餐式读物无法比拟的。

这本书的叙事节奏变化多端，像一部精心剪辑的电影。有时，它会用非常快速、碎片化的方式，像幻灯片一样掠过一长串的“年度新秀”设计师和他们的作品，让你感受到那个时代的爆炸性创造力。而在另一些地方，它会突然放慢速度，用非常细腻的笔触描绘某个特定物件的诞生过程——比如，一个瑞典设计师如何花费数月时间去研究如何让木材以一种全新的、更具雕塑感的方式弯曲。最让我动容的是，书中穿插了许多设计师本人的访谈节选。这些直接的声音，往往比后世的解读更加生动和富有情感。我仿佛听到了他们对未来世界的憧憬，也感受到了他们面对市场压力时的挣扎与妥协。这本书的最终效果是，它不仅仅是为你展示了一堆设计作品，而是让你真正“理解”了六十年代的设计师群体是如何思考、如何生活、如何将社会动荡转化为艺术语言的。读完后，我看向自己家里那些现代风格的家具，都多了一层历史的厚重感和批判性的眼光，这才是真正优秀的设计书籍应有的力量。