Renaissance And Renascences In Western Art

出版者:Perseus

作者:Erwin Panofsky

页数:384

出版时间:1972-5-31

价格:GBP 28.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780064300261

具体描述

"Renaissance and Renascences in Western Art "spans the period from the 10th to the 15th century, including discussion of the Carolingian renaissance and the 12th century proto-renaissance. Erwin Panofsky posits that there were "reanscences" prior to the widely known Renaissance that began in Italy in the 14th century. Whereas earlier renascences can be classified as revivals, the Renaissance was a unique instance that led to a wider cultural transformation.

用户评价

拿到《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》这本书，我的第一反应是，这绝对是一本“硬核”的艺术史读物。它不是那种能让你轻松浏览，随手翻翻就能获得一些碎片化知识的咖啡桌读物。相反，它需要你坐下来，沉下心来，并且很可能需要反复阅读和思考。我尝试着从导论部分开始，作者就旗帜鲜明地提出了“再生”这个核心概念，并且立刻将这个概念从狭义的意大利文艺复兴时期，拓展到了更广阔的西方艺术史的视野。我之前一直认为文艺复兴就是文艺复兴，一个独立且独特的时期。但这本书让我认识到，在艺术史的长河中，存在着一系列的“再生”，而意大利文艺复兴只是其中最耀眼的一章。 书中对卡洛林复兴的细致梳理，更是颠覆了我的一些固有认知。我之前对这个时期的了解非常有限，只知道查理曼大帝热衷于文化复兴。但本书通过大量的图像例证和严谨的学术分析，让我看到了当时艺术家们如何努力模仿和复兴古罗马的艺术风格，尤其是在手抄本插图、建筑和工艺美术方面。这并非是简单的复制，而是在当时的技术和文化条件下，一种充满创造力的“追溯”。作者还特别强调了这种“追溯”是如何为后来的文艺复兴奠定了基础，甚至在很多方面，卡洛林复兴的某些元素，在意大利文艺复兴时期得到了更成熟的体现。这种“前传”式的解读，让整个艺术史的叙事更加连贯和立体。

我必须说，《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》这本书，绝对是我近期阅读过最令人震撼的艺术史著作之一。它的体量和深度，足以让任何一位对艺术史感兴趣的读者，都为其所倾倒。我之前对“文艺复兴”的理解，可能还停留在对一些著名艺术家和作品的简单认知层面。而这本书，则以一个更加宏大和深刻的视角，将“再生”这一概念，贯穿于西方艺术史的整个发展脉络之中。作者并非将文艺复兴视为一个孤立的、突然爆发的事件，而是将其置于一个更为广阔的历史坐标中，探讨了在不同时期，艺术家们如何从古典艺术中汲取灵感，并在此基础上进行“再生”的。 书中对于卡洛林复兴的详尽论述，让我对“再生”的早期形态有了全新的认识。我之前对这个时期的艺术了解非常有限，但作者通过对图像和史料的细致分析，展示了查理曼大帝时期艺术家们如何努力模仿和复兴古罗马的艺术风格，尤其是在手抄本插图和建筑方面。这种“追溯”并非简单的复制，而是在当时技术和文化条件下，一种充满创造力的努力。这种对早期“再生”现象的深入探讨，为理解后来的意大利文艺复兴奠定了坚实的基础，也让我认识到，艺术史的发展并非是一个孤立的事件，而是一个充满延续性和影响的漫长过程。

这本书的厚度就足以让人望而生畏，但当你真正开始阅读，你会发现它是一座宝藏。我最欣赏《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》的地方在于，它不仅仅聚焦于我们耳熟能详的巨匠们的杰作，更深入挖掘了那些被相对忽视的时期和艺术家，去探寻“再生”的蛛丝马迹。例如，书中对奥托王朝时期艺术的解读，就让我看到了在卡洛林复兴之后，基督教艺术如何继续发展，并且在某些方面，又一次显露出对古典艺术的“回响”。作者并不武断地下结论，而是通过对比不同时期的作品，分析其风格、技术和主题的演变，引导读者自己去发现那些潜在的联系。 我之前总是觉得，艺术史的划分过于僵化，比如“中世纪”、“文艺复兴”等等。但这本书用“再生”这个动态的概念，打破了这种线性思维。它强调的是一种循环往复、螺旋上升的艺术发展模式。作者在分析不同时期的“再生”时，非常注重对历史语境的考察，比如当时的政治、宗教、社会以及技术条件，是如何影响艺术家们的创作选择和艺术风格的走向。当我看到书中关于北方文艺复兴的章节时，更是被其细腻的描写所折服。它不仅仅是分析了凡·艾克兄弟的油画技法，更是深入探讨了他们如何将人文主义的思想融入到宗教绘画中，以及这种地域性的“再生”是如何与意大利的文艺复兴相呼应，又独立发展出独特的面貌。

我必须承认，刚开始接触《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》时，就被它那庞大的篇幅和严谨的学术气息所震慑。我担心自己无法深入理解其中复杂的理论和丰富的史料。然而，随着阅读的深入，我逐渐被作者那种宏大的视野和精妙的论述所吸引，仿佛置身于一座艺术史的宫殿，一步步探索其精妙的结构。这本书对我最大的启发在于，它打破了我对“文艺复兴”的狭隘认知，将这个概念置于一个更为广阔的历史语境中进行探讨。作者强调的是，文艺复兴并非孤立的事件，而是在西方艺术史上，一系列“再生”浪潮中的一个重要高潮。 书中关于早期基督教艺术如何借鉴罗马艺术的叙述，就让我看到了“再生”的萌芽。尽管当时宗教的独特性是主流，但艺术家们依然在借鉴古典雕塑的造型、建筑的结构等方面，为基督教艺术注入了新的生命力。而到了卡洛林复兴时期，这种对古典的“追寻”则更加明确和系统化。我非常欣赏作者对于图像学和风格分析的运用，通过对大量艺术品的细致对比，揭示了不同时期艺术家们在继承和创新上的努力。这种基于史料的严谨分析，让我对艺术史的发展逻辑有了更深刻的认识，它不是简单的周期性重复，而是在不断的互动与演变中，呈现出螺旋上升的态势。

当我拿到《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》这本书的时候，首先被它厚重的分量和密集的文字所吸引，我意识到这绝对是一部深度钻研的学术著作。然而，当我开始阅读，我发现作者的笔触并非枯燥乏味，而是充满了一种史诗般的宏大叙事，将我带入了一个波澜壮阔的艺术世界。这本书让我最深刻的感受是，“再生”这个概念被作者赋予了极其丰富的内涵。它不仅仅是指对古典艺术的复兴，更是一种在不同历史时期，艺术家们不断从过去汲取灵感，并将其融入当下，从而创造出新的艺术形态的持续过程。 书中对卡洛林复兴的详细解读，尤其让我印象深刻。我之前对这个时期的艺术了解非常有限，但作者通过大量的图像分析和史料佐证，让我看到了查理曼大帝时期，艺术家们如何努力模仿和复兴古罗马的艺术风格，尤其是在手抄本插图和建筑方面。这种“追溯”并非简单的复制，而是在当时技术和文化条件下，一种充满创造力的努力。这种对早期“再生”现象的深入探讨，为理解后来的意大利文艺复兴奠定了坚实的基础，也让我认识到，艺术史的发展并非是一个孤立的事件，而是一个充满延续性和影响的漫长过程。

这是一本让我感到既敬畏又充满启发的艺术史巨著。初读《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》时，其篇幅之大和学术之深，的确让我有些望而却步。然而，一旦我沉浸其中，便被作者宏大的叙事和精妙的分析所深深吸引。这本书最核心的价值在于，它将“再生”这一概念，置于西方艺术史的长河中进行考察，打破了我之前对文艺复兴的狭隘理解。作者认为，从古典时期到后来的各个时代，都存在着不同形式的“再生”，而意大利文艺复兴只是其中一个最为辉煌的篇章。 我尤其赞赏书中对不同时期艺术作品之间内在联系的梳理。例如，书中在分析中世纪晚期艺术如何开始显露出对古典形式的回归时，会细致地对比当时的雕塑和绘画作品，指出其构图、人体表现以及对自然主义的初步探索，是如何预示着即将到来的文艺复兴。这种“前奏”式的分析，让我意识到艺术史的发展并非是突兀的变革，而是在潜移默化中，不断地积累和演变。作者通过对大量艺术品的细致比对和历史语境的深度解读，让我看到了“模仿”与“创新”之间复杂而辩证的关系，以及每一次“再生”背后所蕴含的深厚文化底蕴。

坦白说，我最初是抱着一种“填补知识空白”的心态去翻阅《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》的，毕竟“文艺复兴”这个主题本身就庞大得令人眩晕。然而，这本书带给我的远不止于此。作者并非简单地将文艺复兴视为一个“突然爆发”的事件，而是将其置于一个更为宏大的历史坐标中，探讨了在长达数个世纪的时间里，西方艺术是如何不断地从古希腊罗马艺术中汲取养分，并在此基础上进行“再生”的。书中对于“模仿”和“创新”之间关系的探讨，更是让我耳目一新。作者并没有一味地强调原创性，而是深刻地指出，许多伟大的创新，恰恰是建立在对传统艺术的深刻理解和巧妙借鉴之上的。 我特别喜欢书中对不同时期“再生”的具体案例分析。比如，在分析中世纪晚期艺术如何开始显露出对古典形式的回归时，作者会细致地比较当时的雕塑和绘画作品，指出其构图、人体表现以及对自然主义的初步探索，是如何预示着即将到来的文艺复兴。这种“前奏”式的分析，使得整个艺术史的叙事更加流畅，也更加引人入胜。它让我意识到，历史的发展并非总是清晰的界限，而是在潜移默化中，不断地积累和演变。这本书让我对“古典”的定义也有了更深的理解，它并非仅仅指代古希腊和古罗马，而是一种在西方文化语境中，不断被重新发掘和诠释的艺术理念和审美范式。

说实话，我对艺术史的了解一直不算深厚，但《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》这本书，却以一种极其引人入胜的方式，让我对西方艺术史的理解上升到了一个全新的高度。我之前对“文艺复兴”的认知，可能更多地停留在对达·芬奇、米开朗琪罗等大师及其作品的印象。而这本书则将这个概念进行了极大的拓展，它不仅仅关注意大利文艺复兴，更将“再生”这一核心概念，贯穿于从古典时期直至更晚近的艺术发展进程中。 书中对于“古典”的定义，并非仅仅局限于古希腊罗马，而是将其视为一种持续影响西方艺术的理念和范式。作者通过分析从卡洛林复兴到北方文艺复兴的各个阶段，揭示了艺术家们如何不断地从古典艺术中汲取灵感，并将其融入到不同的时代背景和文化语境中，创造出具有时代特色的艺术作品。我尤其喜欢书中对“模仿”与“创新”之间关系的阐释。作者认为，真正的创新并非是凭空产生，而是在对过往的深刻理解与借鉴基础上，进行的具有突破性的再创造。这种观点让我意识到，艺术史的发展是一个传承与革新的统一过程。

我简直无法相信我花了多少时间才啃完这本《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》，这绝对是我近期读过最厚重，也最令人振奋的艺术史著作之一。初翻开它时，那堆积如山的篇幅着实让我有些却步，但随着一页页的翻阅，我逐渐被作者那宏大而细腻的叙事所吸引，仿佛置身于那个波澜壮阔的时代，亲眼见证艺术的复苏与辉煌。本书并非仅仅罗列画家、雕塑家和作品，而是深入探讨了“再生”这一概念在西方艺术发展脉络中的多重含义。作者不仅仅关注了我们熟知的意大利文艺复兴，更将视野拓展至更早的卡洛林复兴，以及后来的北方文艺复兴，甚至更远，探讨了古典艺术对后世的持续影响，以及不同时期艺术家们如何“重新发现”并“重新诠释”前人的成就。 我尤其被书中关于“原型”与“变体”的论述所打动。作者并非将文艺复兴视为对古希腊罗马艺术的简单模仿，而是揭示了艺术家们如何从古籍、雕塑、建筑等多种渠道汲取灵感，并将这些古典的“种子”在新的土壤中孕育出全新的艺术形态。比如，书中对安吉利科修士和弗拉·安杰利科等画家的分析，不仅仅是赞美他们的虔诚与技艺，更重要的是揭示了他们如何在基督教的信仰框架内，巧妙地融入古典的透视法、人体比例和构图原则，创造出既神圣又具有现实感的视觉体验。这种对艺术史的深层解读，让我对“创新”的本质有了更深刻的理解——它并非凭空产生，而是在对过往的深刻理解与借鉴基础上，进行的具有时代精神的再创造。

阅读《文艺复兴与西方艺术中的“再生”》就像是踏上一场跨越时空的艺术朝圣之旅。这本书的体量确实不小，我花了相当长的时间才慢慢消化其中的内容，但每一次翻开，都仿佛打开了一个新的世界。我之前对“再生”这个概念，可能仅停留在字面意思，认为就是“重生”或“复兴”。但通过这本书，我才深刻理解到，在西方艺术史上，“再生”是一个多层次、多维度的概念。它不仅仅是指对古典艺术的简单复苏，更包含着艺术家们在新的社会文化背景下，对古典精神、形式和技法的重新诠释、融合与创新。 我尤为惊叹于作者对于不同时期艺术风格之间细微联系的捕捉。例如，书中对罗马晚期艺术对希腊艺术的借鉴，以及卡洛林复兴如何试图重现罗马帝国时期的辉煌，都进行了详尽的论述。这些看似遥远的时期，通过“再生”这一核心概念，被串联了起来，形成了一个有机发展的整体。我一直以为，艺术史的进步是线性的，但这本书让我看到了一种更具辩证性的发展逻辑，即对过去的“回望”和“继承”，是孕育未来的重要土壤。当我读到书中关于中世纪晚期艺术如何逐渐摆脱形式化的束缚，开始重新关注人物情感和现实世界的描绘时，我仿佛看到了文艺复兴的曙光，在黑暗中慢慢升起，而这一切，都离不开对古典艺术的“隐性”传承。

“文艺复兴”概念的历史与话语建构，没有比此书更好的体现了。

为什么只有“文艺复兴”才叫做大写体的“复兴”？其实在文艺复兴之前的高级中世纪时代（High Gothic）就有两种小写的“复兴”，但为什么像格罗宁根式的回归历史就无法像托斯卡纳那般的发迹？

“文艺复兴”概念的历史与话语建构，没有比此书更好的体现了。

看-吐-啦！就算是讲稿，他的文字不是一般的难度啊。

永生永世在你的鸡吧里生生不息