素描

出版者:浙江大学出版社

作者:张益文

页数:124

出版时间:2004-10

价格:35.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787308039826

具体描述

美术教学是学前教育专业中不可或缺的一门学科，美术活动在幼儿园教学环节中具有十分重要的地位。我们根据历年来幼师院校美术教学的实践经验，编写了这套学前教育专业美术教材。本教材密切结合专业培养目标和特点，力求提高学生的艺术素养及审美能力，以强化未来幼儿园教师职前基本技能训练为目标。教材力图在知识上求广、技能上求实、内容上求新、方法上求活，建立符合学前教育专业教学规律的美术教材新体系，具体表现在以下几个方面：

一、力求强化学前教育专业的美术基础课程。

强化的基础课程包括素描（侧重造型因素、结构和空间透视，把解决形的问题放在首要位置）、装饰色彩（装饰色彩的基础知识和基本规律，色彩的表现技法以及配色能力）、人物、动物基础、手工等，培养学生掌握一定的造型能力，为以后的美术应用课程打下良好的基础。

二、加大应用课程的力度。

在掌握一定的造型基本功后，加强更具实用性的应用课程训练，如自配色的能力，画面的构图组合能力，色彩表现技法的运用能力，学习粉彩画、彩墨画、沥粉画等。通过这些训练，使学生能触类旁通、举一反三，从而培养学生的综合运用能力。

三、开设幼儿园故事挂图创编课程。

学习欣赏、评析儿童读物插图，掌握儿童读物插图特有的造型特点和构图形式。在参考有关资料的基础上，鼓励学生大胆想像，根据特定故事内容进行造型设定和构图组合，完成故事创编。培养学生构思、构图、配色等综合能力。

本教材现分四册：《素描》、《人物》、《动物》、《装饰色彩》，以后将陆续编写《国画》、《创编》、《手工》、《欣赏》等。系列教材在内容编排上，由浅入深，有比较大的弹性。本教材既可供三年制中专学生使用，也可供五年制大专和四年制本科学生使用。教师可以因材施教，根据学生的实际水平，选择合适的内容开展教学。

在素描分册的编写过程中，部分范例由编著者和吴怡、谢笑容、杨勇等教师绘制，此外还选用了一部分素描资料和学生的课堂写生练习以及临摹习作，平面构成中的部分范例由李莉提供。在此表示感谢。

用户评价

这本书的纸张和油墨处理，给我带来了一种久违的、朴素的愉悦感。不同于市面上充斥的那些高光泽、色彩鲜艳的印刷品，这本书的每一个细节都散发着对“本质”的尊重。尤其是那些关于材质表现的章节，作者对不同材料的纤维结构、反射特性有着近乎偏执的关注。比如，描绘玻璃的反光时，他强调的不是高光点有多亮，而是周围景物在曲面上扭曲变形的程度。这种对“质感”的极致追求，让人在阅读时也仿佛能触摸到那些被描绘的物体。整本书的语言风格非常沉稳内敛，没有使用任何夸张的形容词去吹捧自己的方法，而是让画面本身来为技巧做证。合上书本的时候，我感觉自己手中握着的不仅仅是一本书，更像是一个经过精心打磨的工具箱，里面装载的不是现成的答案，而是面对任何未知的视觉挑战时，都能从容应对的思考工具和态度。这是一本值得反复翻阅、常看常新的参考书。

这本书的价值远远超出了传统技法书的范畴，它更像是一份对“视觉语言”的权威解读。我印象最深的是其中关于“动态捕捉”的章节。作者没有使用任何复杂的运动轨迹图解，而是通过一系列看似随意的线条组合，成功地表现了奔跑、跳跃、甚至是微风拂过的瞬间动态。这种对“时间性”的描绘能力，是极其高阶的艺术表达。他似乎在强调，素描不是对固定瞬间的记录，而是对生命流动的抽象概括。我尝试模仿其中一个人物动态的练习，发现关键不在于形体结构的准确性，而在于那几条“势”的引导线。这些线如同脊梁骨，牵引着所有附属的结构。读完这一部分，我开始重新审视自己画的人物，很多僵硬的地方，就是因为缺乏这种内在的“势能”。这本书的高明之处在于，它将艺术创作的“感性”部分，用一种极其理性的分析方式进行了拆解和重构，让我们可以触摸到灵感的脉络，而不是仅仅停留在对表象的盲目模仿上。

从内容编排来看，作者的逻辑跳跃性非常强，但又总能自洽其说，这使得整本书读起来充满了探索的乐趣，而非填鸭式的灌输。它不像一本按部就班的教材，更像是一本随笔集，每一页都可能抛出一个全新的观察角度。例如，书中有一节讨论了“负形空间”的运用，作者通过大量反常规的示范，比如只画物体周围的空白来定义物体本身，极大地拓宽了我的空间想象力。我过去总是聚焦于主体，而忽略了主体之外的环境如何定义主体。这种“颠覆性”的视角转换，是阅读这本书最大的收获之一。此外，书中引用的很多历史案例和大师作品的片段分析，都极其精准地印证了作者的观点，这些引文的选择，显示出作者深厚的艺术史功底，绝非纸上谈兵。它鼓励读者去质疑既定的审美标准，去寻找属于自己的那条观察路径。这种批判性的思维训练，是任何速成班都无法提供的。

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，那种粗粝的纸张触感，混合着淡淡的油墨香气，一下子就把人拉回到了某个古老的工作室。扉页上的手绘草图，线条的力度和自信，让人立刻就能感受到创作者对材料的深刻理解。我尤其欣赏它在排版上的克制，大片的留白，不是因为内容不足，而是为了让那些铅笔、炭条、钢笔的痕迹拥有呼吸的空间。很多关于光影的捕捉，仅仅是通过几条精准的排线就能营造出无比立体的空间感，那种对明暗关系的把握，简直是教科书级别的示范。我甚至花了好长时间去研究其中一幅关于静物的速写，那些水果的表皮纹理，石头凹凸的质感，仅仅是用最基础的排线技巧堆叠而成，却有着惊人的真实感。这不仅仅是一本关于“如何画”的书，它更像是一本关于“如何观察”的哲学探讨，教你如何用最原始的工具去解构复杂的世界，把三维的现实压缩到二维的平面上，而又不失其灵魂。封面那种不加修饰的质朴感，恰恰是内容深度的最好注脚，没有花哨的口号，只有纯粹的技艺展示。

阅读这本书的过程，与其说是学习技巧，不如说是一次深度的内省之旅。作者似乎有一种魔力，能将那些原本枯燥的透视原理和结构分析，转化为一种近乎冥想的体验。他没有急于展示那些炫技的复杂场景，而是花了大量的篇幅去剖析最基础的几何形体——立方体、球体、圆柱体在不同光源下的变化。我记得有一章专门讨论了“环境光”对物体色彩和灰度的微妙影响，那简直是醍醐灌顶。此前我总是在纠结于细节的刻画，却忽略了物体与其周围环境的相互作用。这本书的叙事节奏非常舒缓，像一位经验丰富的老匠人，不厌其烦地在你耳边低语，告诉你每一次下笔前需要思考的三个核心问题。它强迫你慢下来，去感受笔尖与纸张摩擦的阻力，去理解每一条线背后的意图。对于那些总是急于求成的初学者来说，这本书可能显得有些“慢热”，但正是这种慢，铸就了扎实的基础。它教会我的，是如何建立一个坚不可摧的视觉逻辑框架，而不是简单地复制表象。