画兰竹十招

出版者:上海人民美术出版社

作者:颜康文

页数:48

出版时间:2005-4

价格:18.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532243686

丛书系列:中国画一技之长速成

具体描述

本书主要介绍了兰竹的基本画法、画兰竹十招：包括兰石画法、露根兰画法、蕙兰画法、双勾画兰法、晴竹画法、风竹画法、雨竹画法、雪竹画法、朱竹画法、双勾画竹法等，附参考图例。

用户评价

我一直认为，学习传统艺术最难跨越的鸿沟是“意境的建立”，很多教材只教你技法，却无法告诉你如何将个人的情感注入笔端。《画兰竹十招》在这方面做得尤为出色，它几乎是用散文的笔调来讲述绘画的技巧。比如，在讲解如何表现兰花的傲骨时，作者引用了一段关于君子之风的描述，然后立刻过渡到如何用“飞白”的笔触来表现那种不屈服的气节。这种文与画的结合，让学习过程充满了诗意。我尤其喜欢其中关于“雨中竹”的描绘，作者强调雨水的重量感和竹子的韧性之间的辩证关系，这不仅仅是笔法的训练，更是一种心性的磨砺。通过这本书，我不再仅仅关注落笔是否到位，而是开始思考，我此刻的心情是否适合画“晴日之竹”的舒展，还是更适合描绘“雪压之竹”的沉静。这本书的价值在于，它成功地将一门技术性的学科，提升到了艺术哲学的层面，让每一次提笔都成为一次自我对话和精神的洗礼。

最近沉迷于这本《画兰竹十招》已经到了废寝忘食的地步，主要是因为它的讲解逻辑性太强，一步扣一步，让人欲罢不能。我个人对中国古典文学和哲学有很深的兴趣，而这本书最让我惊喜的一点，就是它将禅宗的“空”与水墨的“留白”完美结合起来了。作者在介绍如何画兰花的花瓣时，提到“花瓣之美，在于其未落之处”，这句话简直是醍醐灌顶。它不再是教你画一个具体的物体，而是引导你去感受物体周围的空间，去体会“无画处皆成妙境”。在实践过程中，我发现作者对墨色的控制有着近乎苛刻的要求，比如在描绘竹节的转折处，必须做到“浓墨为骨，淡墨为肉，焦墨为神”，这种层次感的建立，使得竹子不再是平面的图案，而是立体的生命体。这本书的优点还在于它的兼容性，无论是习惯使用羊毫还是狼毫的读者，都能从中找到适合自己的技法调整方向。我甚至发现，一些传统书谱中难以理解的“诀窍”，在这本书里都被用现代且直白的语言重新诠释了一遍，极大地降低了学习门槛，但又不失传统韵味。

不得不说，这本书的“十招”设置，看似简单，实则涵盖了兰竹画的全部精髓，而且其结构如同一个精妙的武学体系，循序渐进，环环相扣。初学时，你会觉得每一招都是独立的技巧，比如如何调墨、如何用侧锋画竹叶尖锐等；但当你练习到后面几招时，你会豁然开朗，发现前几招的技巧已经内化成了你画下一笔的本能反应。最让我感到震撼的是最后几招，它们不再是关于具体形态的描摹，而是上升到了“气韵生动”的宏观把握。作者用一种近乎哲学的语言总结了兰竹画的最高境界，强调了“形不似而神似”的精髓所在。这本书最棒的一点是，它完全摒弃了那种高高在上的说教感，而是以一种平等交流的姿态，与读者分享经验。我周围的几位老一辈的画家朋友，在翻阅了这本书后也给出了很高的评价，他们认为作者在保持传统的基础上，对现代读者的学习习惯做了非常人性化的考量。这本书并非仅仅是教人画画，它更像是一扇门，引导人们步入中国传统文化深邃而雅致的殿堂。

这本《画兰竹十招》真是让我眼前一亮，虽然我不是专业的国画学习者，但从小耳濡目染，对传统艺术总有一份执着的喜爱。这本书的编排方式非常巧妙，它不是那种枯燥的理论堆砌，而是直接切入实操层面。作者似乎很懂得初学者的心理，每“招”的讲解都配有极其细致的图解和步骤分解，简直就是手把手的教学。特别是对兰叶的几种基本形态，比如兰叶的“抬头”、“低头”、“侧偃”等，讲解得入木三分。我尤其欣赏作者在讲解提笔、运腕这些基础功时所强调的气韵和意境，不仅仅是教你“怎么画”，更是在引导你理解“为什么这么画”。比如在画竹竿时，它强调了“一节之中见气韵，一节之中分虚实”，这种对细节的把握和对整体气势的追求，让原本看似简单的线条充满了生命力。我尝试着按照第一招和第二招的方法来画几笔，虽然效果还比较稚嫩，但已经能感受到那种从笔尖流淌出的洒脱感。这本书的装帧也很典雅，纸张的质感很好，即使用墨汁练习也不会轻易洇开，这点对于我们这些喜欢动手实践的读者来说，非常贴心。总而言之，它是一本既有深度又极具操作性的入门佳作，让人在实践中领悟中国画的精髓。

说实话，我购买这本书纯粹是出于好奇心，毕竟“十招”这个标题听起来有些过于精炼，我本以为它会流于表面，更像是一本速成手册。然而，翻开之后我才发现自己大错特错。《画兰竹十招》这本书的厉害之处，在于它用极其精炼的篇幅，勾勒出了兰竹神韵的“骨架”。它没有冗长的历史回顾或晦涩的术语解释，而是直奔主题——如何用最少的笔墨，传达出最丰富的情感。比如关于“画竹之法，贵在取舍”的论述，作者用对比的方式，展示了哪些线条必须保留，哪些可以大胆舍弃，这种取舍的艺术，其实是国画的灵魂。我特别关注了关于“风中之竹”那一章，作者的讲解非常形象化，他描述了风如何吹拂竹叶，竹竿如何承受压力，并将其转化为墨色的浓淡干湿的变化。这让我意识到，画竹不只是画竹子的形状，更是画出它在特定环境下的生命状态。这本书的排版布局也十分考究，留白恰到好处，使得每一幅范例都能独立呼吸，不会让人感到拥挤。对于我这种有一定基础，但总觉得笔墨“浮”在纸面上的学习者来说，这本书提供了一种向下扎根、直击核心的有效途径。