学国画

出版者:科学普及出版社

作者:高清桂

页数:126

出版时间:2005-5

价格:22.00元

isbn号码:9787110050699

具体描述

学国画：中国画技法普及教材（十一 翎毛表现技法），ISBN：9787110050699，作者：高清桂著

用户评价

不得不说，《学国画》这本书在讲解国画基础知识方面做得非常扎实。我之前也尝试过翻阅一些国画入门的书籍，但很多要么过于理论化，要么就直接进入技法练习，缺乏一个循序渐进的引导。而这本书，恰恰弥补了这一点。它从最根本的笔墨运行轨迹开始，非常细致地讲解了点、线、面的运用，以及各种笔法的特点和表现力。我特别喜欢书中关于“用笔”的章节，作者通过大量图示，清晰地展示了中锋、侧锋、逆锋等不同用笔方式在形成不同线条质感上的差异。当我跟着书中的指导，尝试练习运笔时，才真正体会到毛笔在纸上游走时的细腻变化，以及力量控制的重要性。书中对于“用墨”的讲解也同样到位，它不仅仅是关于墨色的深浅，更是关于墨的“筋骨”和“神韵”。作者通过对名家画作的拆解分析，让我们看到，好的墨色运用，能够赋予画面生命力，让景物看起来更加立体、生动。此外，书中对中国画的构图原则，诸如“虚实相生”、“计白当黑”等，也有着深入浅出的阐述。当我看到书上解释为何一幅画中留白的处理如此重要时，我才意识到，国画的“留白”并非是“空白”，而是“有意味的空白”，它引导观者的视线，营造空间感，并赋予画面更丰富的想象余地。这本书给了我一个非常系统和完整的国画基础知识框架，让我不再盲目地去模仿，而是开始理解“为什么”要那样画。

《学国画》这本书，就像一位循循善诱的良师益友，用最耐心、最细致的方式，引领我走进国画的殿堂。我之前的国画基础为零，对各种名词更是摸不着头脑。但这本书的讲解，却让我感到异常轻松和愉快。它没有一开始就抛出复杂的理论，而是从最基础的“笔墨”讲起，详细地介绍了毛笔的种类、墨的研磨、纸张的特性，以及这些工具对画面效果的影响。我一直以为墨就是墨，没想到它还有“浓、淡、干、湿、焦”这么多种变化，并且每一种变化都能营造出不同的意境。书中用大量的范例，展示了如何通过调墨和运笔，来表现出山石的层次感、水流的动感，以及云雾的飘渺感。我跟着书中的指导，第一次尝试去调墨、去运笔，虽然画面稚嫩，但那种在纸上留下属于自己的笔墨痕迹的感觉，却让我兴奋不已。而且，书中对“线条”的讲解也做得非常出色。它不仅仅是告诉你要画出什么样的线条，更是分析了线条的“骨骼”和“血肉”，如何通过线条的粗细、刚柔、快慢来表现事物的不同质感和生命力。我跟着书中的练习，发现自己的手感越来越好，对笔墨的控制也越来越有信心。这本书让我明白了，国画不是凭空而来的，它是建立在对自然万物的细致观察和对传统笔墨技法的熟练掌握之上的。它让我不再畏惧国画，而是开始充满期待地去探索。

《学国画》这本书，给我带来的最大惊喜在于它对于“意境”的解读。在此之前，我总觉得“意境”是一个非常玄乎的概念，难以捉摸。这本书却用一种非常接地气的方式，将这个抽象的概念具体化、形象化。作者并没有直接给我一个“意境”的定义，而是通过对大量经典国画作品的赏析，引导我去看画面中的“山外之山”、“画外之画”。比如，在讲解一幅写意山水时，作者会指出画面中那几抹淡淡的留白，是如何营造出云雾缭绕、深邃莫测的意境；又或者，在赏析一幅花鸟画时，作者会分析作者如何通过一两只飞鸟的动态，表现出画面的生气与活力，以及一种超脱尘世的宁静感。这种讲解方式，让我不再被动地去接受一个概念，而是主动地去“体会”和“感悟”。书中还提供了一些非常实用的练习方法，比如如何通过调整墨色和笔触，来表现不同季节、不同时间下的山水景致，如何通过对光影的巧妙运用，来增强画面的空间感和立体感。当我尝试着去模仿这些练习时，我发现自己开始能够更敏感地捕捉到自然界中的那些微妙之处，并尝试着用笔墨去表达。而且，书中对于中国传统绘画中的“气韵”也进行了深入的探讨。作者认为，“气韵”是国画的灵魂，是艺术家内在精神的外化。他通过分析历代大师作品中那股“气”，让我们明白，真正的国画不仅仅是技巧的娴熟，更是艺术家生命力和情感的流露。这本书让我意识到，学习国画，不仅仅是学习一种绘画技法，更是在学习一种中国传统的哲学观和人生观，是在与古圣先贤进行一场跨越时空的对话。

《学国画》这本书，最吸引我的地方在于它对中国传统绘画审美理念的深入浅出地解读。我一直觉得国画的美，不仅仅在于其画面本身，更在于其背后所蕴含的哲学和文化。这本书在这方面做得非常出色。它不仅仅教我如何“画”，更引导我去“理解”为什么这样画。比如，书中对“虚实相生”的讲解，让我明白，国画中的“虚”并不是真正的“空”，而是“有意味的虚”，它与“实”相互衬托，共同营造出画面的空间感和意境。当我看到书中对一幅山水画的赏析，作者是如何分析画面中那片留白，是如何引导观者将视线聚焦到远方的山峦，我才真正理解到“虚实相生”的妙用。书中还对“计白当黑”的理念进行了阐述，让我明白，留白的处理，有时比画面中的具体描绘更能体现画面的主旨。此外，书中对“意境”的探讨也让我受益匪浅。作者并非给出一个生硬的定义，而是通过分析历代名作，展示了艺术家是如何通过笔墨、构图、色彩等多种元素，来营造出一种超脱物象的“意境”，传递出一种情感和哲学。我跟着书中的指导，尝试着去观察自然，去感受生活，并尝试着用自己的笔墨去表达心中的感受。这本书让我意识到，学习国画，不仅仅是在学习一门技艺，更是在学习一种生活态度，一种对美的追求，一种与自然和谐相处的方式。它让我从一个被动的学习者，变成了一个主动的探索者，开始去感受中国传统艺术的魅力，并从中汲取智慧和力量。

初次翻开《学国画》，我最直观的感受就是它的“亲切”。不是那种故作姿态、高高在上的姿态，而是像一个经验丰富的老朋友，在你想要迈出第一步的时候，轻轻拍了拍你的肩膀，告诉你“别怕，我带你”。书中的语言朴实无华，没有堆砌太多生涩难懂的专业术语，即使是之前对国画完全没有概念的我，也能大致理解作者在讲述什么。我尤其喜欢其中关于“意境”的探讨，它没有直接给出“什么叫意境”的生硬定义，而是通过对历代名作的细致赏析，从山水、花鸟、人物的构图、用色、笔墨变化中，慢慢引导读者去体会那种“画外之音”。当我看到书中对齐白石虾的描绘，作者是如何从寥寥几笔勾勒出虾的灵动，如何通过墨色的浓淡变化表现其透明的质感，我仿佛真的能闻到水墨的清香，看到那活泼的虾在纸上跃动。这种潜移默化的教学方式，让我觉得学习国画不再是一项枯燥的任务，而是一场充满惊喜的探索。它让我明白，国画不仅仅是技巧的堆砌，更是情感和哲思的表达，是观察世界、感悟生命的一种独特方式。即使是书中最基础的笔墨练习，作者也给予了详细的指导，从执笔的力度、角度，到运笔的快慢、顿挫，都讲解得极为细致。我尝试着临摹几笔，虽然远不及大师们的神韵，但第一次感受到用毛笔在宣纸上留下痕迹时的那种微妙触感，就已经让我心生喜悦。这本书就像一位循循善诱的老师，让我从对国画的敬畏，转变为由衷的喜爱，并开始渴望自己也能拿起画笔，去描绘心中的山川河流、花鸟虫鱼。

《学国画》这本书，最让我赞叹的是它对“写意”精神的深刻阐释。我一直以为写意画就是“随便画画”，但看了这本书才明白，所谓的“写意”，恰恰是建立在深厚功底之上的一种提炼和概括。作者并没有回避写意画的难度，而是通过对历代名家写意作品的细致解读，向我们展示了如何用最简洁的笔墨，捕捉事物最本质的特征和神韵。例如，在讲解写意花鸟时，作者会分析如何用几笔就能勾勒出鸟儿的动态，如何用写意的色彩来表现花朵的生命力，而不是一味地追求形似。我印象特别深刻的是书中对“留白”的讲解。作者强调，国画中的“留白”并非是“空”，而是“有意味的留白”，它能够引导观者的想象，营造画面的意境，并赋予画面更多的呼吸感。我尝试着去运用书中的一些留白技巧，发现原来画面中适当的“空白”反而能让主体更加突出，让整个画面更加生动。书中还提到了“以形写神”，即通过对物体形态的描绘，来表现其内在的精神和生命力。作者通过对齐白石的虾、徐悲鸿的马等经典作品的分析，让我们看到，大师们是如何用寥寥数笔，就赋予笔下的动物生命，让它们仿佛跃然纸上。这本书让我明白，学习国画，不仅仅是学习绘画的技巧，更是学习一种观察世界、提炼生活、表达情感的艺术观。它让我开始用更欣赏的眼光去看待周围的世界，并尝试着用自己的方式去记录和表达。

《学国画》这本书，让我对传统文化艺术有了全新的认识。我一直认为国画是一种非常“阳春白雪”的艺术，普通人很难企及。然而，这本书的出现，彻底颠覆了我的想法。它没有用高高在上的姿态去传授知识，而是用一种非常贴近生活、贴近自然的语言，引领我走进国画的世界。我最欣赏的是书中对自然万物观察的强调。作者反复提及，国画的根基在于对自然的细致入微的观察和感悟。例如，在讲解花鸟画时，书中不仅仅教你如何画一朵花、一只鸟，更是引导你去观察花朵的生长姿态，鸟儿飞翔时的动感，以及它们在不同季节、不同光线下呈现出的微妙变化。我跟着书中的提示，开始留意身边的一草一木、一虫一鸟，尝试去捕捉它们最生动的瞬间，并试图用书中的笔墨技巧去表现。这种将艺术学习与生活观察相结合的方式，让我觉得学习国画不再是死记硬背，而是一种充满乐趣的实践。书中对中国画的审美理念，如“气韵生动”、“写意传神”等，也有着生动的解读，让我逐渐理解到，国画不仅仅是形似，更是神似，是艺术家内心的情感和精神的投射。当我看到书中对历代大师画作的赏析，从黄公望的山水到徐悲鸿的马，我能感受到那种笔墨间流淌出的生命力，以及艺术家对自然的那份敬畏和热爱。这本书让我明白，国画之所以能流传千古，不仅仅是因为其高超的技艺，更因为它蕴含着中国人民独特的哲学思想和审美情趣。

《学国画》这本书，给我的第一印象就是“实用”。我之前也买过一些声称是“国画入门”的书，但很多要么过于空泛，要么技法讲解得不够清晰，学完之后还是不知道从何下手。这本书则不同，它非常注重从基础的“工具”和“材料”讲起，详细介绍了毛笔的种类、墨的研磨、宣纸的特性等，这些看似细枝末节的知识，实则对初学者至关重要。作者并没有将这些内容一带而过，而是用图文并茂的方式，清晰地展示了如何正确地选择和使用这些工具，以及它们对最终作品产生的影响。比如，在讲解毛笔的“选择”时，作者就区分了不同毛质的毛笔适用于哪些不同的笔法和题材，这对我这个完全不懂行的初学者来说，简直是及时雨。然后，书中对线条的训练部分，也做得非常扎实。它从最简单的直线、曲线开始，逐步过渡到各种复杂笔触的练习，并配以大量的范例和指导，让我能够跟着一步步地去模仿和练习。我尝试着书中的一些线条练习，即使是最简单的直线，在反复练习中，我也逐渐体会到控制笔锋、保持线条流畅的难度，以及一旦掌握时的那种成就感。书中对于“皴法”的讲解也让我印象深刻，作者并没有简单地罗列各种皴法名称，而是通过对具体山石纹理的刻画，生动地展示了披麻皴、斧劈皴等不同皴法的表现效果，以及它们如何增强山石的体积感和质感。这本书的每一个环节都充满了“干货”，让我觉得学习过程非常充实，并且能够切实地感受到自己的进步。

《学国画》这本书，简直就是为我这样的“零基础小白”量身定做的！我之前对国画完全没有概念，只知道它“很中国”，但具体怎么画，画什么，却是一无所知。这本书的开头，没有让我感到一丝压力，而是从最基础的“笔墨纸砚”开始，非常细致地介绍了每一样工具的特点和用途。我一直以为毛笔就是毛笔，没想到它还有这么多讲究，羊毫、狼毫、兼毫，不同的毛质，用在不同的地方，产生的效果也完全不一样。书中还配有大量的图片，展示了如何握笔、如何调墨、如何落笔，每一个细节都讲解得非常清晰，我跟着书中的指导，自己在家也能进行一些基础的练习。我尤其喜欢书中关于“点”的运用。作者把它比作是画面的“眼睛”和“灵魂”，通过不同的点，可以表现出树叶的疏密、山石的质感、甚至人物的表情。我尝试着练习各种点的画法，圆点、方点、侧点……虽然现在还画得不够好，但已经能够感受到点在画面中的重要作用了。书中的“线”的讲解也非常系统，从直线、曲线、折线，到各种变化多端的笔触，都给出了详细的示范。我跟着书中的练习，感觉自己的手眼协调能力有了很大的提高，也开始对笔墨的控制有了一定的感觉。这本书没有给我灌输太多高深的理论，而是让我一步一个脚印地去实践，去体会，让我真真切切地感受到了学习国画的乐趣。

《学国画》这本书，给我的感觉更像是一扇打开新世界的大门，而不是单纯的技法教程。我之前一直觉得国画是那种遥不可及的艺术，是只有经过多年系统训练才能涉足的领域。但这本书却用一种非常平易近人的方式，把国画的精髓一点点剖析开来，让我这个门外汉也能窥探其中奥妙。它没有直接抛给你复杂的理论，而是从最基础的笔墨、色彩讲起，循序渐进。我印象最深刻的是关于“墨分五色”的阐述，作者并非简单地告诉你“浓、淡、干、湿、枯”，而是通过大量的范例，展示了同一支毛笔，在不同的水分、墨量、运笔力度下，能够呈现出多么丰富的变化。当我看到书中对泼墨山水的解析，那种淋漓尽致的笔触，如何表现出云雾缭绕、水汽氤氲的意境，我仿佛置身于画中，感受着那份自然的壮阔与神秘。而且，书中对于写意花鸟的讲解也让我大开眼界。作者在分析一幅牡丹图时，是如何用几个看似简单的色彩块面，就勾勒出花朵盛放的丰腴与娇艳，如何用寥寥数笔的枝干，表现出植物的生命力。这种“少即是多”的哲学，在国画中体现得淋漓尽致，让我开始重新审视事物的本质，学会用更简洁、更有力量的方式去观察和表达。这本书不只教会了我如何“画”，更教会了我如何“看”，如何去感受中国传统艺术中蕴含的深厚文化底蕴和审美情趣。它让我明白，学习国画，更重要的是学习一种观察世界、体悟生活的方式。