1945-2000年的现代美国戏剧

出版者:外语教学与研究

作者:比格斯比

页数:453

出版时间:2006-9

价格:52.90元

isbn号码:9787560060064

丛书系列:英美文学文库

具体描述

In this new edition of the widely acclaimed Modern American Drama Christopher Bigsby completes his survey of post-war and contemporary theatre and brings the reader up to 2000.While retaining the key elements of the first edition, including surveys of those major figures who have shaped post-war American drama, such as Eugene O'Neill, Tennessee Williams, Arthur Miller, Edward Albee, David Mamet and Sam Shepard, Bigsby also explores the most recent works and performances: these include plays by established dramatists such as Miller's The Ride down Mount Morgan and Albee's Three Tall Women, as well as works by relatively newer playwrights Paula Vogel, Tony Kushner and Terrence McNally among others. Bigsby also provides a new chapter, 'Beyond Broadway', and offers an analysis of how theatre has formed and influenced the millennial culture of America.

用户评价

这本书的叙事节奏把握得非常老道，不同于那种平铺直叙的年代编年史，作者采取了一种碎片化的、类似蒙太奇的叙事手法。读起来，仿佛是在欣赏一部结构复杂的实验电影。你会发现，某一章节还在深入剖析阿瑟·米勒的作品中的结构主义影响，下一章却突然跳跃到先锋派戏剧对消费主义的反思，两者之间看似松散，却被一种无形的、关于“身份认同危机”的主题线索紧密地联系在一起。这种跳跃感要求读者必须全神贯注，否则很容易在时间的长河中迷失方向。我最喜欢的是关于“边缘声音”的那几章，作者没有止步于主流的“伟大戏剧”，而是深入挖掘了那些被学院派忽略的少数族裔和女性剧作家如何用他们独特的语言和视角，对既有的戏剧范式进行了颠覆性的挑战。那种文字的力量感，简直让人拍案叫绝。

这本书的学术严谨性毋庸置疑，大量的引文和注释构筑了一个坚实的理论基础。但最难能可贵的是，它成功地避免了陷入纯粹的理论空谈。作者似乎拥有将抽象的戏剧理论具象化的魔力。他不是简单地罗列剧作家的理论观点，而是将这些观点化为舞台上一个灯光的角度，或是一句台词的停顿。例如，书中对某个特定时期“疏离感”的分析，是通过对比两个不同剧团对同一剧本的舞台呈现差异来实现的，这种“在行动中理解理论”的方式，极大地提升了阅读的趣味性和理解的深度。对于一个非专业研究者来说，这本书提供的视角既专业又平易近人，它让我开始重新审视那些耳熟能详的剧作，发掘出其中隐藏的、更深层次的社会学意义。

这本书的封面设计极具年代感，那种略带褪色的印刷风格，一下子就把人拉回了那个特定的历史时期。我原本以为内容会更侧重于宏观的历史背景梳理，毕竟1945到2000年，这半个多世纪里美国社会经历了翻天覆地的变化，从战后重建到冷战高峰，再到文化多元主义的兴起。然而，翻开扉页，我惊讶地发现，作者似乎将重心放在了那些我们日常生活中更容易忽略的角落——比如社区剧场的悄然兴起，以及那些在百老汇之外默默耕耘的剧作家们。书中详尽地描绘了二战后美国郊区生活形态的变迁，并将这些微小的社会结构变动，巧妙地融入到了剧作家的创作心境分析之中。我特别欣赏作者处理那些关于“美国梦”破灭后如何在舞台上重新构建希望的段落，那份细腻和洞察力，远超出了我对一部学术性著作的期待。它更像是一部社会史诗，只不过载体是舞台上的光影和人物对白。

坦白地说，这本书给我带来最大的震撼是它对时代精神的捕捉能力。1945到2000年，美国经历了解构自身的漫长过程，而戏剧，恰恰是这个解构过程最敏感的晴雨表。作者并没有把时间线拉得太满，而是选取了几个关键的转折点进行深入挖掘，比如民权运动的高潮、越战的阴影，以及后现代主义思潮对“真实”概念的挑战。这些宏大的历史叙事，都被作者巧妙地浓缩在几个标志性剧作的文本分析之中。阅读这本书，就像是穿梭于历史的迷宫，每一个转角都能看到那个时代最真实的焦虑、最澎湃的希望，以及那些不愿被主流叙事吞噬的个体声音。它不仅是一部戏剧史，更是一部关于美国人如何通过舞台来面对和重塑自我的编年史。

从文学性的角度来看，这本书的文笔是极其典雅而又充满激情，简直可以称得上是一部关于戏剧史的散文集。作者在描述某个剧本首演时的盛况和观众的集体反应时，那种文字的张力几乎要从纸页中喷涌而出。他似乎对那个时代的演员和导演怀有一种深厚的敬意，笔触中充满了对艺术追求的赞美与同情。书中对于剧场空间本身如何参与到戏剧叙事中的探讨，尤其引人入胜。比如，如何描述战后美国剧场对传统“第四堵墙”的瓦解，以及这种空间上的解放如何映射了社会思潮的松动。这种对“空间”和“氛围”的捕捉，让阅读过程本身就变成了一种沉浸式的剧场体验，而非枯燥的知识灌输。