怎样欣赏音乐

出版者:人民音乐出版社

作者:[美] 艾伦·科普兰

页数:196

译者:丁少良

出版时间:1984

价格:0.78元

装帧:平装

具体描述

本书通过分析音乐的各种要素和结构， 深入浅出地叙述了有关音乐欣赏的一切必要知识，某些篇章内容超过了单纯音乐欣赏的范围， 而具有学理性探讨价值，不仅对音乐爱好者，就是对大多数专业音乐工作者也可能有一定的参考价值。

本书初版于1939年，后被译作多种文字。中译本是根据1957年美国Mcgraw-Hill公司的在版本翻译。

作者简介

艾伦 科普兰（Aaron Copland）是美国当代著名的作曲家， 指挥家，钢琴家，讲演者和作者。 1900年11月14日出生于美国纽约市布鲁克林区

读后感

音乐家冼星海曾说，“音乐，是人生最大的快乐；音乐，是生活中的一股清泉；音乐，是陶治性情的熔炉。”千百年来，从远古人类发现节奏，开始旋律以及逐渐记录音节起，音乐，以由独有的魅力，带来我们无尽的欢乐、想象与满足。音乐，一种时间的艺术，就像一条永不止息的长河，流...  

2016年，上海彩虹室内合唱团先后推出《张士超你昨天晚上到底把我家钥匙放在哪里了》和《感觉身体被掏空》两首“神曲”，一时间爆红网络，让严肃的高雅音乐也娱乐了一把。彩虹合唱团的创新演绎让艺术音乐更加贴近现实生活，拉近了作品与欣赏者的距离，许多从来不进音乐厅也不欣...  

记得五、六岁的时候跟随父母去参观琴行，琳琅满目的乐器挤挤挨挨的陈列于一个不大的、然而却颇有格调的小空间，像是在开乐器茶话会。钢琴，是琴行里的主营乐器。当我的手指在黑白琴键上敲击出一个接一个毫无连贯的音符时，在孩童稚嫩的潜意识里，似乎感到了心上跳动的喜悦。在...  

本文为转载，所以。。。就不全文转载了，只截取两段。原文见： [http://www.sohu.com/a/132982430_665329] （若转载文章所言不虚，而同样的观点在豆瓣却见不到，而只剩谀辞，那对豆瓣和像我这样的用户，就太遗憾了（相信豆瓣读书对很多人的最大意义之一，和我一样，就是避免买...  

好难找啊这本书。谁给说说从哪儿找到这本书，电子版也行。急需要。很想读读，学习学习。谁有，谁有。给复印一份也行，给钱。。  

用户评价

这本书给我带来的最大启发是关于“欣赏的自由度”。在阅读过程中，我发现作者非常尊重读者的个体体验，他提供了很多解读音乐的工具和视角，但从不强迫你必须接受某一种“标准答案”。有一段话我至今难忘，大意是：乐谱上的标记只是作曲家留下的地图，而听众的感受才是最终的目的地。这本书的优点之一在于，它拓宽了我对“好音乐”的定义。我原本以为欣赏的范畴仅限于那些被大众熟知、被学院派推崇的作品，但作者在引导我们理解音乐形式和情感表达的共通性之后，自然而然地将目光投向了更广阔的领域，包括一些当代作品或者世界各地的民族音乐元素如何被吸收和转化。它培养的不是一种模仿性的欣赏，而是一种批判性、探索性的鉴赏能力。我不再害怕去尝试那些我“不认识”的音乐，因为我已经学会了如何去解构它们内部的逻辑和情感线索。这本书与其说是一本指南，不如说是一把万能钥匙，它解锁了我对所有声音艺术表达的潜在兴趣。

这本书的排版和语言风格，是那种让你忍不住想在沙发上窝一个下午，慢慢品味的类型。它的文字有一种老派的优雅，但绝不拖沓。作者的叙述节奏把握得极好，时而像一位哲学家般沉思，探讨音乐的本质与时间的关系；时而又像一位热情的导游，带着你穿梭于维也纳的咖啡馆和莱比锡的教堂之间。我印象最深的是书中关于“音乐中的建筑感”的论述。作者通过对不同乐章的篇幅结构、主题的发展和回归的分析，将听觉体验上升到了空间感知的层面。比如，他将奏鸣曲的宏大结构比喻为一座精心规划的哥特式大教堂，各个声部如同飞扶壁和拱顶，共同支撑起一个完整而令人敬畏的艺术整体。这种跨媒介的描述，极大地丰富了我对抽象艺术的理解。此外，书中穿插的一些小故事，比如某个著名乐章的诞生背景，或是乐团排练时的趣闻轶事，都让原本严肃的音乐理论变得鲜活有趣，读起来丝毫不觉得累。它成功地将“学术性”和“可读性”这对看似矛盾的特质，完美地融合在了一起。

坦白说，我原本是冲着“快速入门”的标签来的，希望能在最短时间掌握听懂音乐的秘诀，但这本书的深度远超我的预期，它更像是一场对音乐历史和文化背景的深度挖掘。作者在探讨特定作曲家生平时，总能巧妙地将他们的个人境遇、当时的社会思潮，与他们作品中的创新点结合起来。比如，对德彪西印象派音乐的解读，不再是简单地停留在“模糊”“色彩斑斓”这些形容词上，而是深入分析了当时绘画和诗歌的变革对音乐听觉体验产生的颠覆性影响。我特别欣赏作者在处理“主观性”与“客观性”平衡上的功力。他既提供了必要的音乐知识框架，比如和声进行的基本规则，又反复强调音乐欣赏的最终目的是个体情感的投射与共鸣，避免了将欣赏变成一种死板的公式套用。读完之后，我发现自己对待新接触的音乐作品的态度都变了——不再是先问“这是什么调子？”，而是先感受“这段旋律在告诉我什么故事？” 这种思维方式的转变，对我来说，比记住任何一个音乐术语都来得宝贵。它教会我，欣赏音乐，首先要学会倾听自己内心的声音。

说实话，我之前听音乐会，常常因为看不懂指挥的示意或者不理解乐章的转折而感到局促不安。这本书极大地缓解了我的“音乐会焦虑”。它没有过多纠缠于复杂的乐器构造或复杂的记谱法，而是聚焦于“如何聆听”这个核心问题。作者提出的“多层次聆听法”非常实用，他建议初听者可以先专注于旋律线，建立对作品整体情绪的感知，然后逐步深入到对位和配器的细节。书中对管弦乐配器的讲解，简直是教科书级别的清晰。举例来说，当作者描述小提琴组奏出高亢的旋律时，紧接着由圆号给出温暖的和声铺垫，这种声音的“色彩搭配”是如何营造出特定的情绪氛围，描述得细致入微，让人一听便知。通过这本书的引导，我现在再去听交响乐，不再是茫然地等待高潮的到来，而是能清晰地分辨出不同声部之间的对话、竞争与合作。这种有目的性的聆听，让每一次听音乐的体验都变得更加充实和有意义，仿佛从一个被动的接收者，蜕变成了一个主动的参与者。

这本书简直是打开了我对古典音乐世界的一扇全新的窗户！我一直觉得古典音乐高深莫测，听起来总像是背景噪音，没什么特别的共鸣。但作者的叙述方式非常平易近人，他没有用那些晦涩难懂的术语来吓唬人，而是像一位和蔼可亲的向导，领着我们一步步走进了巴赫、莫扎特那个宏伟的殿堂。尤其是他对不同时期音乐风格的划分和对比，简直是点睛之笔。比如，他描述巴洛克时期的那种严谨的对位法，就像在看一座精密的机械钟表，每一个音符的位置都无可挑剔；而到了浪漫主义时期，笔锋一转，又变得热情奔放，充满了个人情感的喷薄。我记得有一章专门讲了奏鸣曲式的结构，本来我以为会枯燥乏味，结果作者用生活中的叙事方式来比喻呈示部、发展部和再现部的关系，让我立刻就理解了这种形式美学背后的逻辑。读完之后，我再去听贝多芬的《命运交响曲》，那种“命运敲门”的感觉不再是模糊的印象，而是清晰可辨的音乐事件链条，让人忍不住想跟着节奏一起呐喊。这绝对不是一本纯理论的书，它更像是一本艺术鉴赏的入门手册，让你真正开始“听”音乐，而不是仅仅“听到”音乐。

音色的部分比较有用。

作者为音乐爱好者提供了一种较为正规地赏析音乐的角度，分析了音乐相关的要素，态度较客观。对于专业人士来说，本书的内容显然太过浅短，然而对于业余爱好者来说，书中提到的大量的音乐家及其生平作品的又太过于陌生（不知道是翻译问题还是这些人本来就小众，我连google都搜不到）。

#音乐·002#超级短的册子，超级浓缩的观点。1.听众不必对自我有太过于自卑的“我不会听音乐”情结，所谓音乐的才华不是仅指拥有“绝对音高”、听一遍就能自行推演弹奏曲目的能力。什么叫真正毫无音乐才华？等同于色盲的“音盲”=多次听同一段旋律后依然无法在不同旋律中把它区分出来。2.如何听音乐建立在“听大量的音乐”这个基础之上，音乐量没超过一定水平，再多的理论都是废话。3.最好的作品不一定是最伟大的作曲家制作的，换而言之，有一首All-Time No.1作品并不意味着就是no.1音乐家。4.好的作品被框架约束的程度是小的，就像多维度不完整的（或者叫不被填满，留了白）作品，听众能在数次聆听的过程中挖掘出不同的体会去润色对其的分析。5.作品的创作过程很多时候是短小的灵感，逐渐被其他材料延展的过程。

音盲必读

如果有人能把里面提到的素材给电子化就好了……