影视艺术概论

出版者:北京大学出版社

作者:梁颐

页数:156

出版时间:2013-1

价格:46.00元

isbn号码:9787301208960

具体描述

《影视艺术概论(21世纪全国高等院校艺术设计系列实用规划教材)》(作者梁颐)分为本体篇、内容篇、发展篇3个部分，内容包括电影的诞生与发展、世界电影的流派、中国电影的历史步履、电视艺术与文化、影视艺术的语言、影视作品的内容配置、电影的类型、电视艺术节目分类和新媒体与影视艺术的发展。

《影视艺术概论(21世纪全国高等院校艺术设计系列实用规划教材)》结构严谨、内容丰富、条理清晰、理论明确易懂，选材深度、广度适当，可作为影视艺术相关专业的教材，也可作为对影视艺术感兴趣或从事相关活动人员的参考用书。

用户评价

我一直觉得，电影的魅力很大程度上在于它的“视听语言”，但具体怎么去理解和分析，却常常感到一头雾水。这本书，简直就是一本“视听语言”的百科全书，而且是用最容易理解的方式呈现的。它把声音和画面拆开来，又重新组合，让你看到它们是如何协同作用，共同构建影视世界的。比如，在声音方面，书中对“音效”的分析，让我意识到，原来那些细微的脚步声、风吹草动的声音，并非可有可无的背景，而是有着至关重要的叙事和情绪烘托作用。它解释了为什么在紧张的时刻，突然放大的呼吸声会如此让人毛骨悚然，又为什么在宁静的场景中，远处传来的钟声会带来一种宿命感。而在画面方面，除了之前提到的镜头语言，书中还深入探讨了“色彩”、“构图”与“叙事”的结合，以及“剪辑”如何影响观众的情绪和节奏感。我最喜欢的部分是，作者将声音和画面进行“交叉分析”，让你看到，有时候一个场景的情感深度，是依靠画面和声音的双重奏来实现的，缺一不可。这本书，让我真正听懂了电影的“语言”，也让我能够更深入地去欣赏那些精妙的视听设计。

我一直对“影视批评”这个领域感到有点陌生，总觉得那应该是专业人士才接触的东西。但这本书，却用一种非常平易近人、又极具说服力的方式，教会了我如何去看待和评价一部影视作品。它不仅仅是告诉你“这部电影好不好看”，而是教你如何去“拆解”一部电影，如何从叙事、表演、视听语言、主题思想等多个维度去进行分析和解读，从而形成自己独立的判断。书中举例的几篇影评，简直是教科书级别的示范，让我看到了如何用精准的语言去捕捉影片的亮点和不足，如何用深刻的洞察力去挖掘影片背后的文化和社会意义。我特别喜欢作者在分析一个演员的表演时，是如何去关注那些细微的面部表情、肢体语言，以及它们如何与角色内心世界相互呼应。这种对细节的关注，让我觉得非常有启发。这本书，让我从一个被动的观影者，变成了一个更主动、更有思考的“批评者”，也让我学会了如何用更专业、更系统的方式去欣赏和评价我所喜爱的影视作品。

我一直对“叙事学”这个概念感到好奇，但总觉得它离我这样的普通观众有些遥远。这本书，却用非常接地气的方式，将叙事理论渗透到影视作品的分析之中。它不仅仅是告诉你“什么是情节”，更是剖析了“为什么这样的情节会吸引人”。书中对“冲突”、“转折”、“高潮”等叙事要素的讲解，都辅以了大量的经典电影案例，让我能清晰地看到，这些理论是如何在银幕上被具体运用，从而构建出引人入胜的故事。我印象最深刻的是，作者在分析一部悬疑片时，是如何解构其“时间线”的运用，如何通过“闪回”和“倒叙”来制造悬念，如何通过“信息不对称”来引导观众的猜测，又如何在最后揭晓答案时，给观众带来最大的震撼。这种对叙事技巧的深入剖析，让我不再只是被动地跟着剧情走，而是开始思考“作者是如何让我产生这种情绪的？”，以及“如果换一种叙事方式，效果又会如何？”。这本书让我明白了，一个好的故事，不仅需要精彩的情节，更需要巧妙的叙事结构和节奏控制，而这些，都是可以通过学习和掌握的。

这本书，让我对“导演”这个角色有了全新的认识。我以前总觉得导演就是个“指挥家”，让演员按照剧本表演，让摄影师按照镜头来拍。但这本书，让我看到了导演在影视创作中的核心作用，以及他们是如何将自己的艺术理念和审美追求，贯穿于作品的每一个细节之中。书中对几位不同风格的导演的分析，让我看到了他们是如何通过独特的视觉风格、叙事手法、对演员的调度，以及对主题的深入挖掘，来赋予作品生命力，并留下自己鲜明的艺术印记。我尤其欣赏作者对某位导演在处理“主题”时，是如何避免说教，而是通过营造一种氛围、设置一种情境，让观众在潜移默化中去体会和思考。这种“润物细无声”的艺术处理方式，让我觉得非常高明。这本书让我明白，一部优秀的影视作品，背后往往凝聚着一位或多位导演的智慧、才华和对艺术的不懈追求。它让我学会了从导演的角度去审视一部作品，去品味其中蕴含的导演的“个人风格”和“创作意图”。

我一直对“电影审查”和“电影法规”这些话题感到模糊，觉得它们离我们这些普通观众有点远，而且听起来似乎挺压抑的。但这本书，却以一种极其客观和理性的方式，探讨了这些看似“行政化”的议题，是如何深刻地影响着影视艺术的创作和传播。它并没有简单地批判或赞扬，而是从历史、文化、社会等多个角度，分析了不同国家和地区在电影审查制度上的差异，以及这些制度对影片主题、表现手法、甚至是影片的最终面貌所产生的具体影响。书中举了几个非常具有代表性的例子，比如某部电影因为某些原因在某个国家被禁映，或者被迫做了大量的删改，而这些改动，又如何影响了影片的原有艺术价值。这种深入的探讨，让我意识到，影视艺术的创作，并非总是在真空状态下进行的，它也受到社会环境和政策法规的制约和影响。这本书，让我对影视艺术的“边界”和“可能性”，有了更清晰的认知，也让我开始思考，在艺术追求和现实约束之间，如何找到一种平衡。

我原本以为，“美学”这个词会让我这本书读起来非常吃力，毕竟“美”本身就是个很难界定的概念，更不用说“影视美学”了。但作者的写作方式，简直是把抽象的美学概念，转化成了具象的视觉体验。他谈到“构图”时，不仅仅是告诉你“黄金分割”，更是让你看到，为什么某些画面会让人觉得平衡、和谐，而另一些画面则充满了张力和不安。他分析“色彩”时，不仅仅是告诉你“红色代表热情”，更是让你体会到，为什么特定的色彩搭配，能够瞬间烘托出人物的内心状态，或者营造出特定的氛围。我记得书中有一段，专门分析了某个电影中的“光影运用”，从极端的明暗对比到微妙的光线变化，作者将其与人物的情感波动、场景的心理暗示紧密联系起来，让我惊叹于光影作为一种非语言的表达方式，竟然可以如此强大和深刻。这本书，让我对“美”有了更具体的感知，也让我学会了如何从技术层面去欣赏和解读影视作品中的艺术之美，不再仅仅是“好看”或者“不好看”，而是“为什么好看”以及“如何做到这么好看”。

这本书，我拿到的时候，其实带着点儿“先入为主”的印象，以为会是一本枯燥的理论堆砌。毕竟“概论”这两个字，很容易让人联想到那些佶屈聱牙的学术名词和晦涩难懂的哲学思辨。然而，当我翻开第一页，就被一种出乎意料的吸引力抓住了。作者并非直接抛出那些高高在上的理论框架，而是从我们日常生活中最熟悉的影视片段入手，比如那标志性的西部片镜头，亦或是那扣人心弦的悬疑剧开场。他没有直接告诉你“这是什么艺术手法”，而是通过分析这些具体的画面、声音和叙事节奏，引导你去体会其中的奥妙。我记得其中有一段，作者在剖析一部黑白老电影的蒙太奇时，简直就像在拆解一个精密的机械装置，每一个剪辑点的选择、每一个镜头的时长，都暗藏着导演的巧思和想要传达的情绪。他解释了为什么在那个特定的时刻，画面会突然切换，为什么音乐会戛然而止，又在何时以怎样的力度重新响起，这一切是如何共同作用，将观众的情绪推向高潮，或者营造出一种令人窒息的压抑感。我完全沉浸其中，仿佛自己也置身于那个拍摄现场，亲眼见证了艺术是如何被一点点塑造出来的。这本书最让我赞叹的一点是，它没有将影视艺术神化，而是将其还原为一个可以通过学习和理解来掌握的技艺，一个充满创造力和想象力的领域。它让我意识到，原来我们习以为常的观影体验，背后蕴含着如此多的门道和学问，也让我对那些默默付出的艺术家们，有了更深的敬意。

坦白说，我对“艺术史”这种题材一直有些敬而远之，总觉得会充斥着大量的年代、流派、人物姓名，容易让人望而却步。然而，这本书却以一种极其生动有趣的方式，将影视艺术的发展脉络娓娓道来。它并没有按照枯燥的时间线罗列，而是巧妙地将不同时期的代表性作品、导演、技术革新穿插其中，形成了一个引人入胜的故事。我尤其欣赏作者在介绍早期默片时代时，那种对新技术（如电影放映机）的惊叹和对新艺术形式的探索精神的描绘。那些黑白无声的画面，在作者的笔下，仿佛重新焕发了生命，不再是静止的历史文物，而是充满活力和创造力的早期艺术实践。书中对“表现主义”、“新现实主义”等流派的解读，也并非生硬的定义，而是通过分析具体的电影片段，展示了这些流派在视觉风格、叙事方式、主题表达上的独特性，以及它们对后世影视创作产生的深远影响。我感觉自己就像穿越了时空，亲身参与了电影艺术的每一次重要转型和每一次创新尝试。这种将历史与艺术实践紧密结合的写法，让我觉得非常容易吸收，也极大地拓展了我对影视艺术多样性和发展轨迹的认知。

读完这本书，我才真正理解了“类型片”这个概念的深度和广度。我以前只是觉得，“喜剧片”就是逗我笑的，“科幻片”就是讲未来科技的，但这本书，却把我带入了类型片背后的复杂逻辑和艺术规律。它不仅仅是定义了各种类型片的特征，更是深入剖析了不同类型片是如何在观众的期待和创作者的创新之间找到一个精妙的平衡点。作者在分析“西部片”时，不仅仅描述了牛仔、马匹、荒漠这些元素，更是探讨了西部片中所蕴含的关于“个人英雄主义”、“自由与秩序的冲突”等主题，以及这些主题是如何通过特定的视觉风格和叙事模式来呈现的。又比如，“黑色电影”那种独特的宿命感、压抑的氛围和道德的模糊性，在书中得到了非常细致的解读。这本书让我明白，类型片并非一定是“低俗”或“模式化”的代名词，它同样可以承载深刻的思想，展现高超的艺术技巧。而且，它为创作者提供了一个既有规范又有发展空间的平台，让他们可以在熟悉的框架内进行大胆的创新。

读完这本书，我感觉自己看待电影的方式，仿佛一夜之间被“升级”了。之前，我只是一个被动接受信息的观众，享受着屏幕上的故事和画面。现在，我开始主动去“解码”和“分析”。例如，书中对“镜头语言”的解读，真是让我醍醐灌顶。以前我只是觉得“嗯，这个镜头拍得挺好看的”，但书中却细致地分析了不同景别（全景、中景、近景、特写）所传达的不同信息和情感；解释了“推、拉、摇、移”等摄影机的运动方式，是如何引导观众的视线，构建空间感，甚至暗示人物的心理状态。我特别喜欢书中举例的那段对一个角色内心挣扎的刻画，通过一系列细微的面部特写和背景的模糊处理，将人物内心的焦虑和痛苦展现得淋漓尽致，而这一切，都是通过镜头语言巧妙地传达的，没有一句多余的台词。更重要的是，这本书并没有仅仅停留在技术层面，它更深入地探讨了这些技术是如何与叙事、表演、音乐等元素有机结合，共同塑造出影视作品的整体风格和艺术魅力。它让我意识到，一部优秀的影视作品，绝不是简单的素材堆砌，而是所有元素的精妙协调和完美融合。这本书就像一把钥匙，为我打开了通往更深层次影视艺术理解的大门。

小学生适合读！

小学生适读

囫囵吞枣，勉强入目

小学生适读

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