Eleven Great Piano Sonatas

作者:Joseph Haydn

页数:128

出版时间:2004-9

价格:117.07元

isbn号码:9780486438245

具体描述

Reprinted from an authoritative Breitkopf & Härtel edition, this compilation comprises 11 of the master's finest sonatas — from short, simple early works to the more complex thematic developments and variations that followed. Highlights include the sublime virtuoso Sonatas No. 50 in C Major and No. 52 in E-flat Major, and Sonata No. 40 in G.

用户评价

这本书的排版设计简直是一场视觉上的灾难，让人在阅读过程中感到极度不适。字体选择上，那种过于纤细的衬线体在低光环境下几乎无法辨认，而且行距设置得过密，使得大段的文字堆砌在一起，缺乏呼吸感。更令人费解的是，某些关键的和弦分析段落，竟然使用了灰色字体印在浅灰色的背景上，这完全是反人类的设计，根本不是为长时间阅读而准备的。我购买这本书的初衷是想系统学习奏鸣曲的演奏技巧，但书中关于踏板运用、力度控制的讨论，常常被突兀地打断，被一些无关紧要的、关于作曲家生平的琐碎轶事所取代。这本“大部头”的重量感，与其说是内容的厚重，不如说是纸张的物理重量，它更像是一本为陈列架而制作的“样书”，而非供人钻研的实用工具。我真诚希望未来的修订版，能够彻底革新其版面设计，让内容能够以一种清晰、易读的方式呈现在读者面前，否则再好的学识也会被糟糕的呈现方式所掩盖。

这本书最让我感到惊喜的是其附录部分的处理，它完全颠覆了我对传统教材的刻板印象。在正文部分相对严谨之后，附录竟然提供了一份非常有趣的“历史乐器还原”清单，详细列出了肖邦时代几种不同品牌钢琴的击弦机制差异，以及它们对音色塑造的具体影响。作者通过严谨的实验数据和听觉对比描述，解释了为什么在现代三角钢琴上演奏时，某些乐句会失去原有的“颗粒感”和“脆弱性”。这种跨越时空的探究精神令人赞叹。此外，附录中还包含了一组非常实用的练习曲目推荐，这些曲目并非直接摘自奏鸣曲，而是作者精心挑选的、用于专门强化某些特定技术难点的巴赫或克莱门蒂作品，并附带了如何将这些练习融入到奏鸣曲准备工作中的时间表建议。这表明作者不仅仅是一个理论家，更是一位经验丰富的实践者，愿意分享其多年教学积累下的“独门秘籍”。这种务实与深刻并存的结构，使得整本书的价值得到了极大的提升。

说实话，拿到这本书时，我原本抱着“又一本老生常谈的钢琴教材”的心理预期，但随后的阅读体验却给了我一个惊喜的转变。作者在引言部分的处理非常巧妙，没有直接陷入技术细节的泥沼，而是以一种近乎散文诗的笔调，勾勒出奏鸣曲这一体裁在浪漫主义时期所承载的巨大戏剧张力。特别是关于奏鸣曲式结构内部的矛盾冲突——那种主题的对话、冲突与最终的和解，被描述得如同莎士比亚戏剧般引人入胜。我特别欣赏他对于“动机发展”这一概念的阐释，他没有采用枯燥的乐理术语，而是用“音乐的细胞分裂与演化”来比喻，让即便是初学者也能迅速抓住核心要点。不过，如果能在关键的变奏部分，能加入更多手绘的、示意性的指位图，而不是完全依赖印刷体的五线谱，对于那些习惯于在乐谱上做密集标记的演奏者来说，会更加便利。这本书的价值在于它成功地架设了一座桥梁，连接了枯燥的乐谱与激荡的情感世界。

我曾尝试将这本书推荐给几位业余钢琴爱好者，但反馈大多集中在对“理论深度过剩”的抱怨。确实，作者似乎过于沉迷于构建一个宏大的音乐哲学体系，将每一部奏鸣曲都提升到了探讨人类存在意义的高度，这对于那些只想提高自己技术流畅度和音乐表现力的学习者来说，未免有些“杀鸡用牛刀”。比如，他对某段高难度琶音的处理，花了整整三页篇幅去探讨这种“跨越式运动”如何象征着个体在社会结构中的挣扎与超越，却没有给出几种切实可行的手指力量分配练习方法。我需要的不是一篇关于“自由意志与音符的辩证关系”的论文，而是在B段转调时，如何避免左手小指的僵硬。这本书的论述风格极其学院化，充斥着德语式的长句和晦涩的专业术语，即便是拥有多年演奏经验的人，也需要反复咀嚼才能理解其真正意图，这大大降低了其实用价值。它更适合作为音乐史研究生的辅助读物，而非钢琴教室里的必备良方。

这本书的封面设计简洁却不失古典韵味，那种深沉的墨绿色调与烫金的字体搭配，初见便给人一种庄重而值得细品的仪式感。装帧的材质选择也十分考究，略带纹理的纸张手感温润，翻阅时能感受到制作者对经典作品应有的尊重。内容上，我期望它能更深入地挖掘肖邦这位音乐巨匠的内心世界，不仅仅停留在技术层面的剖析，而是能够带领读者走入他创作那些不朽奏鸣曲时的心境——那些关于爱情、流亡与祖国的复杂情感是如何熔铸成音符的。例如，在谈及《葬礼进行曲》时，我希望能看到关于其创作背景的更详尽的考证，甚至可以引入一些同时代的文学作品或信件作为佐证，构建出一个立体的、鲜活的肖邦形象，而不是仅仅罗列出指法和速度标记。此外，如果能配有不同演奏家对同一乐章的独到见解对比，哪怕只是片段性的引述，那将极大地丰富阅读体验，让这本书不仅仅是指导演奏的工具书，更是一部探讨艺术诠释的哲学论著。我对这类厚重之作的期待，往往在于它能否提供一种超越表面、直抵精神内核的洞察力。