The Christopher Parkening Guitar Method - Volume 2

出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Christopher Parkening

页数:136

出版时间:1998-01-01

价格:USD 12.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780793585212

具体描述

An outstanding source for the technique and repertoire of the classical guitar, this book continues where Vol. 1 leaves off. It teaches: all notes in the upper position; tone production; advanced techniques such as tremolo, harmonics, vibrato, pizzicato and slurs; practice tips; stylistic interpretation; and more. The first half of the book deals primarily with technique, while the second half of the book applies the technique with repertoire pieces. As a special bonus, this book includes 32 previously unpublished Parkening edition pieces by composers including Dowland, Bach, Scarlatti, Sor, Tarrega and others, plus three guitar duets.

用户评价

说实话，我对技术类书籍的期望值通常不高，因为很多作者只是把自己的演奏习惯强加给读者。然而，这本书展现出了一种非常开放和包容的教学理念。它不像某些大师那样故作高深，而是非常务实地探讨了“高效练习”的真谛。书中有一段关于“慢练的艺术”的论述，它不仅仅是强调“弹慢点”，而是深入分析了慢练时大脑和肌肉群如何建立新的神经通路，以及如何利用慢速练习来提前发现并修正潜在的节奏不稳或发力错误。我根据书中的建议，将自己平时练习一个巴赫赋格片段的速度降到了原来的三分之一，然后逐句打磨，结果发现，当重新提速时，以前那些恼人的错误点竟然奇迹般地消失了。这种“治本”而非“治标”的教学思路，对我影响非常大。它让我从“机械重复”的低效练习中解脱出来，真正学会了如何利用有限的时间创造出最大的学习效益。对于那些时间宝贵，希望学习方法更科学的成年学习者来说，这本书无疑提供了极具价值的指导。

这本书简直是吉他学习者的一剂强心针！我是一个自学古典吉他有些年头的人，技术上总觉得卡在某个瓶颈期，尤其是在音色控制和乐句处理上，总是差那么一点点意思。市面上那些教材要么太侧重基础指法，要么就是直接跳到高难度的曲目，让人无所适从。而这本教材，它给我的感觉就像是找到了一位经验丰富、耐心细致的私人导师。它的编排逻辑非常清晰，不是那种枯燥的音阶堆砌，而是通过一系列精心设计的练习和曲目片段，循序渐进地引导你理解音乐中的“呼吸”。我特别喜欢它对右手拨弦力度的细致讲解，那些关于如何通过指甲和指肉的配合来塑造不同音色的描述，简直是醍醐灌顶。以前我总觉得古典吉他很“硬”，现在我开始能让声音变得更具歌唱性，即便只是弹奏简单的琶音，也能听出质感的提升。这本书的内容深度远超我的预期，它不只是教你怎么弹，更是在教你如何“听”和“思考”音乐。对于那些已经掌握基础乐理和和弦，但渴望在表现力上更进一步的琴友来说，这绝对是值得珍藏的宝典。它让我意识到，技术只是工具，真正的艺术在于你如何运用这些工具去表达情感。

作为一名在职人士，我能用于练习吉他的时间非常有限，所以每一次练习都必须追求最大的产出比。市面上很多教材的曲目选择往往很老套，或者难度曲线设置得过于陡峭，让人望而却栗。这本教材在曲目选择上展现了极高的专业水准和前瞻性。它提供的练习曲目，大多是经过“教学优化”的，意味着它们在保持原有技术难度的同时，削弱了可能分散学习者注意力的不必要复杂性，让学习者能够专注于某一特定技巧的突破。我特别欣赏它将几种看似不相关的技术点，巧妙地融入到同一首练习曲中的设计。比如，在一首练习曲中，你需要同时关注左手的换把速度、右手的拨弦清晰度以及对音色强弱的细微控制。这种“复合训练”的方式极大地提高了我的学习效率。更棒的是，它似乎预见到了学习者在不同阶段会遇到的困难点，并提前在后续章节中植入了相应的“解药练习”。这使得整个学习过程非常流畅，像是在走一条精心规划的高速公路，而不是在泥泞中摸索。对于时间紧张但又追求高质量学习效果的琴友来说，这本书绝对是效率与深度兼备的典范之作。

我必须说，这本书的排版和内容组织方式简直是业界良心，尤其对于我这种更注重视觉辅助的学习者来说。我过去买过几本厚厚的乐谱集，但因为缺乏清晰的步骤分解，很多复杂的指法和把位转换总是令人望而生畏。这本教材的妙处在于，它用非常直观的方式拆解了那些看似复杂的演奏技巧。比如，在处理一些快速的连续音符时，它不仅给出了正确的指位图，还配上了对手指运动轨迹的详细文字描述，甚至连手腕角度的微小变化都考虑进去了。我尝试了书里介绍的几种不同练习方法来克服换把时的“打滑”现象，效果立竿见影。更重要的是，它提供的练习曲目选择非常巧妙，既有难度适中的改编练习，也有一些小型的、可以快速获得成就感的练习曲，这极大地保持了我的学习热情。很多时候，学习古典吉他最大的敌人不是技术本身，而是挫败感。这本书通过这种渐进式的、充满鼓励性的内容设计，有效地避免了这种负面情绪的产生。我已经把这本书放在我练习架最显眼的位置，每次拿起吉他，都会不自觉地翻阅其中的某个章节，总能发现新的体会。

我接触古典吉他已经超过十年了，但一直觉得自己的音乐理解力停留在“能把音符弹对”的层面，缺乏一种内在的音乐张力。这本书在音乐诠释方面的内容，可以说是为我打开了一扇新的窗户。它不仅仅是枯燥的技巧手册，它深入探讨了不同时期作曲家的风格特点，以及如何在古典、浪漫主义、乃至现代作品中，恰当地运用揉弦、颤音（vibrato）和音量的细微变化来烘托情绪。例如，它对比了不同乐句中，应该采取的连奏（legato）方式，是偏向于“歌唱性”的连贯，还是更偏向于“清晰”的连接，这些细微的差别，恰恰是区分业余和专业演奏者的关键。书中引用了一些历史上的演奏范例和理论分析，使得所有的建议都有据可依，而不是空泛的口号。我尝试着按照书中的指导，重新审视我正在学习的一首西班牙浪漫主义作品，仅仅是调整了对某个高音的延长和处理方式，整个乐段立刻充满了戏剧性的张力。这本书的深度，已经触及到了艺术哲学的层面，非常令人敬佩。