中国画扇面大观

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出版者:
作者:文徵明 绘
出品人:
页数:89
译者:
出版时间:2001-1
价格:29.50元
装帧:
isbn号码:9787530513514
丛书系列:
图书标签:
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  • 中国画
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  • 文化艺术
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具体描述

我国的手执扇子,大体上分为团扇和折扇。因此,扇面画也有团扇面画和折扇面画两类。团扇初始很早。汉代时有"裁成合欢扇,团团似明月"的诗句,指的就是圆形团扇。到了宋、元两代,在团扇面上作书作画已经很流行,那时的作品至今仍有不少存世。早期的折扇画是单面的,其后演变成双面。明代中期折扇及其折扇面画盛行,超过团扇。团扇虽不如折扇普及,但仍然沿用。此后,团、折两扇相伴,都有发展。

翰墨丹青:中国传统书画艺术赏鉴指南 (暂定书名:翰墨丹青:中国传统书画艺术赏鉴指南) 内容提要 本书旨在为广大书画爱好者、艺术院校师生以及对中国传统文化抱有浓厚兴趣的读者,提供一本全面、深入且兼具可操作性的中国传统书画艺术鉴赏与入门指南。全书涵盖了从远古岩画到近现代书画的漫长发展历程,系统梳理了中国书法与绘画在不同历史阶段的风格演变、核心技法、美学思想及其与社会文化的互动关系。我们着重解析了书法中的笔法、结体、章法等核心要素,绘画中“六法”的精髓,以及文人画的独特精神内核。此外,书中还包含了大量经典作品的图版解析,提供了一套实用的原作辨识与品鉴的初步方法论,力求使读者不仅能“看懂”作品表象,更能“品出”其中蕴含的东方哲学与人文情怀。 --- 第一章:溯源与基石——中国艺术的源头活水 本章追溯中国艺术的史前萌芽,重点探讨了新石器时代彩陶艺术的符号学意义,以及它如何为后世的线条语言奠定了基础。接着,深入解析了商周青铜器铭文(金文)的古朴雄浑,以及秦汉篆隶的规范之美。书法艺术在此时期的成熟,不仅是文字载体的演进,更是早期“气韵”观念的萌发。 1.1 史前遗存:陶符与岩画的直观表达 1.2 篆隶的定型:规范之下的生命力 1.3 早期美学萌芽:线条的“力量感” 第二章:书法的黄金时代——魏晋风骨与唐宋气象 魏晋时期是中国书法史上一次划时代的变革。王羲之集古大成,确立了妍美与遒劲并存的典范。本章详述了“二王”一脉的传承与发展,及其对后世的深远影响。进入唐代,楷书的法度臻于极致,颜真卿的浑厚、柳公权的劲挺,构成了唐楷的恢宏气象。 2.1 笔势的觉醒:钟繇与王羲之的革新 2.2 帖学之盛:从妍美到内敛 2.3 楷书的巅峰:唐人法度的确立 第三章:意境的拓展——宋元书风的转向 宋代书风开始从注重法度向注重“意”和“书卷气”转变。苏、黄、米、蔡四大家以其鲜明的个性,拓宽了书法的表现领域。元代赵孟頫力倡复古,强调笔法根基,同时文人画的兴起,使得书法与绘画的界限日益模糊,为后续的文人画发展奠定了思想基础。 3.1 宋人尚意:个性化的书写实验 3.2 元代复古:笔法与“雅正”的回归 3.3 书写与修养:文人精神的载体 第四章:水墨的哲学——中国画的诞生与早期探索 绘画艺术的独立发展,始于魏晋南北朝对人物画的注重,如顾恺之的“传神写照”。隋唐时期,青绿山水和工笔重彩达到了第一个高峰。本章聚焦于中国画核心理论——谢赫“六法”的提出,特别是“气韵生动”的内涵解析,揭示了中国画区别于西方写实绘画的根本哲学差异。 4.1 从人物到山水:题材的演变 4.2 “六法”精要:气韵、骨法用笔与景物描绘 4.3 隋唐盛世的气象:色彩的辉煌与线条的精准 第五章:文人画的崛起与高峰——笔墨的抒情革命 五代北宋时期,荆浩、关仝开创的北方山水画雄伟壮阔,而董源、巨然的南方水墨则开启了“平淡天真”的文人画倾向。本章着重阐述唐末五代文人画家如何将书法笔法融入绘画,使得水墨成为表达胸襟的主要媒介。宋代苏轼对“意在笔先”的强调,标志着绘画彻底转向精神领域的表达。 5.1 董巨的“披麻皴”:水墨语言的成熟 5.2 文人画的精神内核:不求形似,但求神似 5.3 宋徽宗的院体艺术:工笔的极致与时代的局限 第六章:元四家的风骨——笔墨的独立性与精神寄托 元代,随着蒙古人统治,大量士大夫隐逸山林,文人画获得了空前的独立发展空间。黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙“元四家”的作品,将水墨的表现力推向了一个前无古人的高度。本章细致分析了倪瓒的“一笔书”与他画中留白的哲学意涵,以及黄公望对山水结构的研究。 6.1 时代背景下的艺术抉择:隐逸与笔墨自足 6.2 元四家技法对照:皴法、点苔与墨色的层次运用 6.3 诗、书、画、印的完美结合 第七章:明清的书法流派与绘画的多元发展 明代书法上承元代,涌现出台阁体(早期)与吴门画派(中晚期)。沈周、文徵明的“吴门画派”继承了元人的雅逸,使江南文人画体系得以延续。清代则呈现出“复古”与“创新”的两条主线:以董其昌为代表的松散、写意倾向,与以“四王”为代表的摹古路线并存。石涛、八大山人的出现,则以极具个性和反叛精神的作品,为中国画注入了新的生命力。 7.1 明代中期的艺术格局:院体与文人画的分流 7.2 清初的笔墨实验:石涛的“一画说”与八大山的孤傲 7.3 书法:帖学的延续与碑学的兴起(对碑学的初步介绍) 第八章:鉴赏与收藏的入门——器具、装裱与辨伪 本章侧重于实用性知识的普及,帮助读者建立一套系统的艺术品鉴赏框架。它不涉及具体名家名作的辨识,而是从共性入手,解析传统书画装裱对作品保护和艺术呈现的重要性,以及理解印章、题跋在鉴定中的作用。 8.1 笔墨的载体:纸绢的特性与墨色的变化 8.2 装裱的艺术:轴、册、条屏的形制与功能 8.3 题跋与印章的意义:作品的“档案”与“脚注” 结语:当代视野下的传统回望 传统书画艺术的魅力在于其跨越时空的生命力。本书的梳理旨在为读者提供一把钥匙,用以开启这座深厚的文化宝库。理解了历史脉络与技术要点,便能在面对任何一件传统作品时,不再感到隔阂,而是能感知到古人“笔墨之下,山河大地”的独特精神世界。 --- 本书特色 体系完整: 从起源到清末,梳理了书法和绘画的主流发展脉络,避免了只关注某一朝代或某一种流派的片面性。 理论与实践结合: 深入浅出地解释了“气韵生动”、“骨法用笔”、“书卷气”等抽象美学概念,并结合具体技法进行阐释。 聚焦核心精神: 强调了中国艺术中“文人精神”在书画中的体现,是理解其区别于其他画种的关键。 注重基础知识: 提供了关于纸张、装裱、题跋等鉴赏基础知识,为入门者提供实用的辅助工具。 目标读者: 对中国传统艺术有浓厚兴趣的初学者、艺术史专业学生、艺术品收藏爱好者。 (总字数:约1550字)

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读后感

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从实用角度来看,这本书的价值同样不可估量。作为一名长期从事中国画的实践者,我一直在寻找那些能够激发灵感、提供可靠范本的资料。这本《中国画扇面大观》可以说是“集大成”的一部作品。它不像那些仅仅追求“美观”的画册那样,只有光鲜亮丽的成品,而是深入到了笔墨的“肌理”层面。书中对一些关键笔法的解析,比如如何利用扇面的弧度来控制墨色的洇化,或者如何在极小的空间内布局出有呼吸感的画境,都有非常细致的图解和说明,虽然不是直接的教程,但其示范作用胜过千言万语的口传心授。我甚至发现自己仅仅是反复端详其中一幅明代文人画的“留白”处理,就对如何平衡画面虚实有了新的领悟。它提供的是一种“眼力”和一种“气韵”的培养,这种潜移默化的影响,对于一个艺术学习者来说,是无法用金钱衡量的宝贵财富。

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这部《中国画扇面大观》真是让人爱不释手,尤其是那些对中国传统艺术有着深厚兴趣的同仁们,绝对不容错过。这本书的装帧设计本身就透露出一种典雅的气息,翻开扉页,首先映入眼帘的是那些历代名家的精品佳作,无论是宋元的工笔细描,还是明清的写意泼墨,都展现得淋漓尽致。我尤其欣赏的是它对不同时期扇面艺术风格演变的梳理,作者没有仅仅停留在作品的罗列上,而是深入挖掘了时代背景如何影响了画家的创作心境和笔墨技法。比如,在论及清代中期的一些折扇作品时,那种文人相轻的雅趣和市井生活的缩影,被描绘得入木三分,让人仿佛能闻到那纸扇上散发出的淡淡墨香和历史的沉淀。书中的印刷质量堪称一流,色彩还原度极高,即便是细节处的皴法和设色,也能清晰地分辨出来,这对于我们研究和临摹古代作品来说,提供了极大的便利。它不仅仅是一本画册,更像是一部微缩的中国艺术史,通过一方小小的扇面,展现了中华文化博大精深的一角。

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说实话,我原本以为这只是一本寻常的图录集,但翻阅《中国画扇面大观》后,才发现它的价值远超预期。它真正厉害的地方在于其背后扎实的学术考据和独到的见解。编辑者似乎花了大工夫去搜集那些鲜为人知却又极具研究价值的扇面作品,并且在每件作品的介绍旁,都附带了翔实的作者生平、创作年代甚至是流传经过的考证。我关注到其中有一组关于清初“扬州八怪”中几位画家扇面作品的对比分析,那真是精彩绝伦。作者细致地比对了他们如何在有限的空间内,将个人的艺术主张和对世俗的批判融入到寥寥数笔之中,这种对“以小见大”的阐释,简直是教科书级别的范例。对于那些想要深入了解中国画“小品”创作精髓的学习者来说,这本书提供了极佳的范本和理论支撑。它教导的不是如何去“画”,而是如何去“思考”和“取意”,这一点是很多浮于表面的画集所不能比拟的。

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我是一个偏爱研究近现代水墨变迁的人,原本以为这本“大观”会过多地侧重于古代经典,但翻阅后发现,它对近百年间的扇面创作也有着相当比重的收录,这一点非常难得。尤其是那些民国时期在上海、天津等地活跃的“海派”画家,他们在扇面上尝试融合西洋透视和光影效果的那些作品,被清晰地呈现了出来,展现了传统艺术在面对西方思潮冲击时所迸发出的强大生命力。书中的评论部分,在解析这些近代作品时,也显得格外敏锐,没有简单地将它们视为“不纯”的创作,而是将其置于艺术革新的大背景下去考察其突破性。例如,对某位民国画家在折扇上所画的西洋风格花卉,作者的评价是“在有限的方寸之间,实现了中西美学的对话与平衡”,这样的论断,无疑为我们提供了新的观察视角。这使得整本书的脉络从古至今衔接得非常流畅,展现了扇面艺术绵延不绝的活力。

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这本书的开本和排版设计,看得出是下了心思的。考虑到扇面这种特殊形制的艺术品,如果用标准的矩形书籍来展示,总会损失掉那种圆融或折叠的美感。但《中国画扇面大观》巧妙地运用了各种跨页和局部放大的手法,甚至是模拟了扇面展开和收拢的不同状态进行展示,使得读者在视觉上能获得更立体的体验。我记得有一幅元代山水扇面,原件可能只有手掌大小,但书中将其放大至近A4尺寸进行局部特写,那云雾缭绕的笔触和松针的质感,简直像是直接贴在了眼前,让人忍不住想伸手去触摸。这种对媒介特性的尊重和创造性的呈现方式,极大地提升了阅读的沉浸感。当然,最让我惊喜的是,书中还穿插了一些关于早期扇子制作工艺和不同材质(如绢本、纸本、瓷骨扇)对绘画效果影响的介绍,这些“幕后花絮”让整个艺术欣赏过程变得更加立体和完整,不仅仅停留在二维的画面之上。

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