演艺业管理与运作

出版者:上海音乐

作者:谢大京

页数:279

出版时间:2007-8

价格:30.00元

isbn号码:9787807511014

丛书系列:中国音乐学院丛书

具体描述

现代艺术管理作为管理学的一个分支，必须具备本学科特有的概念系统，以把握本学科研究对象的复杂性和丰富性。中国演艺业的改革是中国文化体制改革的重要组成部分，决定了中国的演艺管理学必须拥有自己的学术关注点，构建足以把握中国问题特殊性的概念体系。通过阅读本书，能够对中国表演艺术行业发展的整体现状和深层次症结有一个较深入的了解。

全书共分九章，以艺术管理的宏观制度构架的研究为主，艺术管理的微观运行研究也被置于宏观制度改革的框架内来进行。我们以为，中国演艺业的发展，宏观制度框架的改革是关键。这部教材的编排体例即体现了这样的意图。我们希望，读者通过阅读本书，能够对中国表演艺术行业发展的整体现状和深层次症结有一个较深入的了解。在本书中，我们还尝试建立一套适合中国艺术管理问题研究的概念系统，在这个系统中，关于艺术生产的双重属性（公民社会属性和商品属性）的分析占有十分重要的位置。读者如果沿着这个思路深入进去，必能增进对许多看似矛盾的中国演艺业种种现象的认识。

本教材可供高等院校艺术管理类专业的学生课堂使用，也可供文化部门的政府官员、艺术团体的管理者和所有关心这个话题的读者朋友们阅读。

用户评价

我一直对演艺业中“观众”这个角色的重要性深有体会，但总觉得缺乏系统性的理解。这本书为我提供了一个全新的视角。作者在书中详细阐述了“受众研究”在演艺业中的重要性，包括如何进行观众调研、分析观众需求、预测观众行为，以及如何根据观众反馈调整内容和营销策略。我特别被关于“社群运营”和“粉丝互动”的章节所吸引，它让我明白，如今的演艺业早已不是单向的信息输出，而是与观众建立双向的、持续的互动关系。书中列举了许多成功的社群运营案例，以及如何通过社交媒体、线上线下活动等方式，增强观众的参与感和归属感。我印象深刻的是，作者强调了“用户体验”的重要性，无论是在线观影，还是现场演出，良好的用户体验是留住观众的关键。他还探讨了“口碑营销”和“病毒式传播”的机制，以及如何巧妙地引导和利用观众的情感，使其成为作品的传播者。整本书关于受众的部分，让我深刻认识到，真正理解和尊重观众，才是演艺业可持续发展的基石。

我一直对幕后运作充满好奇，尤其是在看了很多精彩的演出和影视作品之后，总会想知道这些艺术作品是如何从一个想法变成最终呈现在观众面前的。这本书恰好满足了我这份好奇心，它非常细致地剖析了演艺业运作的方方面面，让人叹为观止。作者在书中详细介绍了从项目策划、剧本创作、演员选拔、拍摄制作、市场推广到最终的发行和观众反馈的整个流程。我特别被关于“IP孵化”和“内容生产周期”的部分所吸引。他用非常专业的术语，但又结合了生动的案例，解释了如何将一个模糊的概念打造成一个具有商业价值的IP，以及一个成功的作品从概念到落地的漫长而复杂的过程。书中还深入探讨了不同类型演艺项目（如电影、电视剧、舞台剧、演唱会等）在运作模式上的差异和共通之处，这让我认识到，虽然都是演艺，但其中的门道远比我想象的要复杂得多。作者对于风险控制和成本管理的论述也让我印象深刻，他列举了许多因为预算超支、进度延误或市场判断失误而导致项目失败的案例，并提出了相应的应对策略。这让我明白，任何成功的演艺作品背后，都离不开严谨的科学管理和对市场的高度敏感。这本书不仅仅是理论的堆砌，更充满了实操性的建议和宝贵的经验，对于有志于投身演艺行业的人来说，简直是一本“宝典”。

我一直对演艺业的市场运作模式感到好奇，尤其是对于一些爆款的产生，总觉得其中有着不为人知的奥秘。这本书为我揭开了这层神秘的面纱。作者在书中详细阐述了演艺产品的市场推广和营销策略，从传统的广告投放、媒体宣传，到如今的新媒体营销、粉丝经济，他都进行了深入浅出的分析。我特别对“用户画像”和“情感连接”在营销中的作用的论述印象深刻。他解释了如何通过精准的数据分析，了解目标受众的喜好和需求，并通过创意的内容和互动，与观众建立深层次的情感联系。书中还探讨了“口碑传播”的力量，以及如何有效地引导和利用网络舆论，将积极的口碑转化为实际的票房或收视。我被书中关于“饥饿营销”和“话题制造”的策略所吸引，这些技巧看似简单，但要运用得当，却需要对市场风向和观众心理有着极高的洞察力。此外，作者还对“粉丝经济”进行了细致的剖析，解释了如何将粉丝的忠诚度和参与度转化为商业价值，并警示了其中的潜在风险。整本书的营销章节，就像是一堂生动的市场营销实战课，让我对如何将一个好的作品成功推向市场有了全新的认识。

这本书我早就想读了，听说是行业内的“圣经”级别，一直把它列在我的必读书单里，这次终于如愿以偿。刚拿到书的时候，就被它厚重的质感和精美的排版吸引了，这绝对是一本值得收藏的书。翻开第一页，我就被作者的开篇所折服，他用一种非常宏大且富有洞察力的视角，勾勒出了演艺业波澜壮阔的发展图景。从最早期艺术的萌芽，到如今集科技、创意、资本于一体的庞大产业链，每一个阶段的演变都被梳理得清晰而深刻。我尤其欣赏作者对于历史脉络的把握，他并没有简单地罗列史实，而是深入分析了不同时代背景下，技术革新、社会思潮、经济环境对演艺业形态产生的深远影响。比如，他详细讲述了戏剧从街头表演到剧院时代，再到电影、电视、网络视频的演进过程，并着重探讨了每一次技术飞跃带来的商业模式和社会功能的转变。这种宏观叙事让我对演艺业的整体发展有了更全面的认识，也为我理解当下行业内的种种现象提供了历史的维度。而且，作者在论述过程中，并没有回避行业发展的阴暗面，他坦率地指出了权力斗争、资本操纵、文化商品化等问题，这让整本书的讨论显得更加真实和立体，也引发了我更多的思考。读这本书，就像是在和一位经验丰富的行业长者对话，他用娓娓道来的方式，将复杂的演艺世界展现在我眼前，让我受益匪浅。

我一直对演艺业的“可持续发展”和“社会责任”这个话题非常关注，总觉得一个健康的演艺产业，不应该仅仅追求商业利益。这本书在这方面提供了深刻的思考。作者在书中探讨了演艺业在“环境保护”、“社会公平”和“文化多样性”等方面的责任，并提出了一些建设性的意见。我特别被关于“绿色制作”和“低碳环保”的理念所吸引，他解释了如何在拍摄、制作过程中减少资源消耗和环境污染，例如使用环保材料、优化能源使用等。书中还探讨了演艺业如何促进“社会公平”和“包容性”，例如关注少数族裔、残障人士等群体的形象塑造，以及推动性别平等、多元化的内容创作。我印象深刻的是，作者强调了演艺业作为一种强大的文化传播媒介，应该承担起引导社会价值观、弘扬正能量的责任，并警示了过度娱乐化、低俗媚俗等不良倾向。整本书关于社会责任的部分，让我看到了一个更加有温度、有担当的演艺业，也让我对行业的未来发展有了更多的期待。

我一直对演艺业的商业模式和盈利路径充满疑问，总觉得这是一个充满不确定性的行业。这本书为我提供了清晰的答案。作者在书中深入剖析了演艺业的多种盈利模式，包括但不限于票房分账、广告植入、版权销售、衍生品开发、会员订阅等等。他详细解释了每种模式的运作机制、优劣势以及在不同演艺形态中的适用性。我特别对“内容付费”和“平台经济”在演艺业中的崛起进行了深入的分析，这让我理解了流媒体平台如何改变了内容的生产、分发和消费方式，以及它对传统演艺业态带来的冲击和机遇。书中还对“资本运作”在演艺业中的作用进行了详细的阐述，包括融资渠道、投资风险、并购重组等，这让我看到了演艺业背后庞大的商业帝国是如何建立起来的。我被书中关于“跨界合作”和“IP多元化开发”的案例所吸引，这让我看到了一个成功的IP是如何通过不同的平台和媒介，延伸出无限的商业价值。这本书让我明白，演艺业并不仅仅是艺术的展现，更是一个复杂的商业生态系统，每一个环节都关乎着资本的流动和价值的创造。

作为一名对艺术发展趋势非常关注的读者，我一直想了解科技的进步如何深刻地改变着演艺业的方方面面。这本书恰好满足了我这份求知欲。作者在书中对“技术革新”在演艺业中的应用进行了详尽的论述，从早期的电影拍摄技术，到如今的虚拟现实（VR）、增强现实（AR）、人工智能（AI）在内容创作、制作和体验上的应用，他都进行了深入的解读。我特别被关于“数字化转型”的部分所吸引，它不仅仅是简单的技术升级，更是对整个行业生态的重塑。书中探讨了大数据分析如何帮助内容创作者更精准地把握观众喜好，AI如何辅助剧本创作、角色生成甚至音乐编排，以及VR/AR技术如何为观众带来沉浸式的观影体验。我印象深刻的是，作者并没有将技术神化，而是辩证地分析了技术进步带来的机遇与挑战，比如数据隐私、技术鸿沟等问题。他还展望了未来演艺业的发展趋势，例如元宇宙、去中心化内容平台等，这让我对行业的未来充满了期待。这本书让我看到了科技与艺术的融合所产生的巨大能量，也让我对演艺业的未来发展有了更清晰的认知。

我一直认为，艺术的魅力在于其自由挥洒的创造力，而这本书则让我看到了，在充满激情的创造背后，有着多么严谨和精密的管理体系在支撑。作者在书中对演艺业的组织结构和管理模式进行了深入的探讨，我从中了解了不同类型演艺公司的架构、部门职能以及它们之间的协作关系。他对“项目制管理”的阐述尤其让我眼前一亮，这种模式如何协调跨部门、跨专业的团队，如何在有限的时间和资源下达成目标，都给我留下了深刻的印象。书中还专门辟章节讨论了“人才管理”在演艺业中的重要性，包括如何发掘、培养和留住优秀的演艺人才，如何建立公平有效的激励机制，以及如何处理明星经纪和团队管理中的复杂问题。我特别对关于“艺人发展规划”的部分很感兴趣，它不仅仅是简单的包装和推广，更是一个长期的、多维度的战略。作者通过大量的实例，展现了成功的艺人是如何一步步建立起自己的品牌形象和忠实粉丝群的，以及公司在其中扮演的角色。此外，他对“法律合规”和“知识产权保护”的强调，也让我意识到了演艺业作为一个高度依赖创意和版权的行业，在法律层面所面临的挑战和重要性。这本书让我意识到，即使是最富有想象力的艺术创作，也需要坚实的管理作为后盾。

我一直对演艺业中的“国际化”和“全球化”趋势感到好奇，尤其是看到一些中国优秀的演艺作品走向世界，或者引进国外的先进经验。这本书为我提供了宝贵的见解。作者在书中深入探讨了演艺业的“跨国合作”与“文化交流”，包括海外版权的引进与输出、国际联合制作、海外市场拓展等。他详细分析了不同国家和地区的演艺市场特点、法律法规以及文化差异，并提出了相应的策略。我特别对“中国演艺业的国际化之路”的章节印象深刻，作者梳理了中国演艺产业在国际舞台上的发展历程，以及面临的挑战与机遇。书中还探讨了“文化软实力”在演艺业中的体现，以及如何通过演艺作品传播中国文化，提升国家形象。我被书中关于“IP全球化”的案例所吸引，例如一些成功的动画、游戏IP如何在全球范围内进行商业开发和文化输出。这本书让我看到了演艺业作为一种跨越国界的文化载体，所具有的巨大潜力和影响力，也让我对中国演艺业的未来充满了信心。

作为一名对演艺业的未来发展充满好奇的读者，我一直想了解在这个快速变化的时代，行业将如何应对新的挑战和机遇。这本书为我提供了一个充满洞见的展望。作者在书中对“未来演艺业的趋势”进行了前瞻性的分析，他探讨了人工智能、虚拟现实、区块链等新兴技术将如何深刻地颠覆内容创作、分发和消费模式。我特别被关于“沉浸式娱乐”和“体验经济”的论述所吸引，他描绘了未来观众不再是被动接受信息，而是能够深度参与到故事中，与角色互动，甚至影响剧情发展。书中还探讨了“去中心化平台”和“Web3.0”对演艺业带来的影响，例如创作者经济的崛起、数字藏品（NFT）的应用等，这让我看到了演艺业未来可能出现的全新的商业模式和价值分配体系。我印象深刻的是，作者并没有将未来描绘成乌托邦，而是辩证地分析了技术发展可能带来的伦理困境、信息茧房等问题，并呼吁行业保持警惕和反思。整本书的未来展望章节，就像是一扇打开的窗户，让我看到了演艺业无限的可能性，也让我对这个充满活力的行业，充满了更多的期待和思考。

一陀糟粕中取一点点菁华,真不容易啊

一般

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一般

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