动漫艺术与作品欣赏

出版者:高等教育

作者:本社

页数:205

出版时间:2007-8

价格:33.60元

isbn号码:9787040211726

具体描述

动画和漫画艺术已日益成为当前世界范同内最为流行的大众文化艺术形式之一。了解动漫艺术的特性和动漫产业的发展现状，对提高动漫艺术的欣赏水平及从事动漫产业领域的经营管理工作，都具有十分重要的作用。本书通过对动漫艺术的概述和对多种形式、风格的动漫作品进行分析，辅以动漫产品的市场开发与营销实例剖析，让读者较全面地接触动漫文化，提高动漫艺术欣赏水平，把握动漫产业的特征。

《动漫艺术与作品欣赏(附光盘动漫游戏专业系列教材)》(作者郭肖华、刘蔚)是一本比较系统的动漫艺术和动漫产业经营的入门教材。内容分为4个部分：动漫产业发展概述、漫画艺术与作品欣赏、动画艺术与作品欣赏、动漫文化的营销与传播，并配有大量的图例欣赏。此外还收录了近年来我国出台的主要动漫产业指导政策及部分动漫院校、网站的相关资料，具有较高的参考价值。

《动漫艺术与作品欣赏(附光盘动漫游戏专业系列教材)》可以作为本科或高职高专院校的文化产业管理、动漫艺术设计等相关专业学生的基础课教材，也可以作为动漫艺术爱好者、动漫产业从业者的参考书。

用户评价

这部厚厚的画册拿到手里，沉甸甸的，光是封面那张色彩饱和度极高的赛博朋克风格插画就足够让人驻足欣赏半天。我原本以为这只是又一本堆砌着热门作品角色的图集，但翻开内页才发现，它更像是一部关于“视觉叙事”的深度剖析。书中花了大量的篇幅去解读不同时代、不同地域的动画视觉语言的演变，比如早期默片时代的卡通造型如何影响了现代角色的夸张处理，以及不同文化背景下对“美”的定义如何在光影和线条中体现出来。尤其是有一章专门对比了法国、日本和美国三地的“动作分镜”处理方式，简直是打开了新世界的大门。作者并非简单罗列作品，而是深入探讨了创作者在特定场景下做出选择的心理逻辑，比如为什么在高速追逐的场景中要故意模糊背景，或者如何利用前景的物体来引导观众的视线，增强画面的纵深感和紧张感。里面的草图和未完成稿的展示也极其精彩，能清晰地看到大师们是如何从最初的模糊概念逐步提炼出最终定稿的，那些涂改的痕迹和反复推敲的细节，比成品本身更具启发性。对于想提高自己绘画功底，或者想理解动画镜头语言的爱好者来说，这本书提供了非常扎实的理论基础和海量的实战案例参考。

我最近沉迷于研究老电影的布景设计，偶然翻到这本书，本来没抱太大期望，结果被其中对“环境构建”的论述深深吸引了。这本书最让我惊喜的一点是，它完全跳出了“角色为中心”的传统视角，而是把“世界观”本身当作一个独立的主角来分析。书中对于不同类型作品中场景如何烘托气氛的手法描述得极其细腻。比如，它对比了蒸汽朋克世界中那些错综复杂的机械结构如何暗示着社会阶级的固化与压迫感；又分析了某种清新治愈系动画中，为什么总是选择使用低饱和度的色块和柔和的边缘光来构建一个“安全区”。书中甚至还引用了建筑学和心理学的理论来解释，为什么某些建筑线条会让人感到压抑，而另一些则让人感到开阔。我印象最深的是关于“非现实空间”的章节，作者探讨了艺术家如何打破物理定律，构建出符合角色内心状态的超现实场景，那些扭曲的透视和不合常理的色彩搭配，背后都有其深刻的情感逻辑。读完后，我再看任何一部动画，都会不由自主地去关注背景里的每一个道具、每一束光线，它们不再是单纯的背景填充物，而是构建叙事的重要符号。

说实话，我是一个对色彩极其敏感的人，平时看片子，眼睛总是忍不住去捕捉那些瞬间的色彩变化。这本书的色彩理论部分简直是为我量身定做的。它没有停留在基础的“红配绿”这种肤浅的讨论上，而是深入到了“情绪色盘”的构建。作者用大量的图例展示了如何通过微小的色相偏移来制造出“不安”、“怀旧”或“胜利”等复杂的情绪体验。书中有一个专门的篇章，分析了不同时代动画的“时代色调”，比如七八十年代那种略带颗粒感和偏黄的胶片感是如何被数字技术模拟和再现的，以及这种色彩选择对观众怀旧心理的影响。更有意思的是，它探讨了“负空间”的色彩运用，即画面中没有被主体占据的区域，如何通过其颜色来反衬主体，并引导观众的情绪流向。我学到最关键的一点是，色彩不是用来“装饰”画面的，而是用来“说话”的。它用一种比文字更直接、更潜意识的方式，在观众心中植入情感锚点。对于想学习如何用色彩讲故事的绘画者来说，这本书提供了教科书级别的指南。

这本书给我最深刻的印象是它展现出的那种对“材质与光泽”的执着探索。很多漫画和动画作品往往只是简单地用线条勾勒出物体的轮廓，但这本书展示了如何通过对表面纹理的精妙处理，让观众“摸得到”画中之物。它详细剖析了不同材质对光线的反射特性：比如金属表面的锐利反光和布料纤维的柔和漫反射之间的区别。书中特意开辟了一个章节，专门研究“水体”和“火焰”的绘制技巧，指出如何用不同大小的噪点和高光斑点来区分静水、波涛和蒸汽的不同状态，而不是简单地画一堆波浪线。作者甚至探讨了“空气感”的表现，即如何通过远处的景物边缘逐渐模糊、色彩趋向灰白来营造出空气透视的效果，让画面具有了呼吸感。对于那些追求极致视觉真实感或奇幻表现力的创作者来说，这本书提供了一套非常系统的材质表现手册。它教会我，细节的真实感往往是建立宏大幻想世界观的基石，让人对画面中每一个微小的光点都充满了敬意。

我通常对手头的技术性书籍不太感冒，总觉得枯燥乏味，但这本书的排版和叙事方式简直是艺术品。它在讲解“动态表现”时，没有使用那种生硬的物理学公式和术语，而是采用了一种非常诗意的比喻和流程化的图解。比如，它把“重量感”的塑造比喻成对“惯性”的抵抗，并通过一系列不同角色奔跑、跳跃的瞬间定格图，展示了身体各部位如何因为重力或反作用力而产生微妙的形变。最让我惊叹的是关于“流畅度”的分析，书中细致地拆解了每一秒钟内关键帧和中间帧的比例分配，清晰地解释了为什么在某些关键的爆发动作中，动画师会故意减少过渡帧数，制造出一种“破碎感”来强调力量的瞬间爆发。读到这里，我完全理解了为什么有些作品看起来“很贵”，那种毫不拖泥带水的精准控制，背后是深厚的动力学理解和大量的经验积累。这本书有效地将晦涩的动画原理转化成了直观的视觉规律，让我对动画制作的“精细控制”有了全新的认识。

当你看过一定数量的动漫，再去看这本书，你会觉得原来是这样啊！~

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