French National Cinema

出版者:Routledge

作者:Hayward, Susan

页数:416

出版时间:2005-6

价格:271.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780415307833

具体描述

This revised and updated version of a successful and established text, French National Cinema offers a thorough and much-needed historical overview of French cinema at a time whenit continues to grow in popularity with films such as Amelie and Belleville Rendez-vous. Brought wholly up to date to include political and social developments in French cinema in the 1990s, its fresh approach and groundbreaking new writing on the subject offers a much further understanding of French cinema and its relationship with the French national identity. New subjects covered include: the GATT negotiations of 1993 French cinema's increasing dependence on investment from television the rise of the multiplex the implications of the introduction of digital technology. Ideal for all students of cinema, film studies and film history, this book traces the eco-history of the French film and its key figures and movements, and it places them in their wider political and cultural context.

用户评价

说实话，我一开始对这本书是抱着怀疑态度的，毕竟“法国电影史”这个主题已经被写了太多遍，很难有什么新意。然而，这本书真正吸引我的，是它聚焦于那些被主流学院派有意无意忽略的“失败者”和“异见者”。作者没有把焦点仅仅放在那些赢得戛纳大奖的艺术大师身上，而是深入挖掘了那些在特定历史时期被审查、被资本抛弃的实验性作品和女性导演的实践。这种“自下而上”的叙事策略，极大地丰富了我对法国电影文化生态的理解。书中对战后法国电影制作体系中工会力量和制片人角色的分析，更是入木三分，揭示了艺术追求与商业现实之间永恒的张力。阅读过程中，我时不时会停下来，去查找那些作者提及的、我从未听说过的电影的片段。作者的文字如同一个敏锐的侦探，总能从一帧模糊的画面或一段晦涩的对白中，挖掘出隐藏的社会密码。对我而言，这本书的价值不在于它告诉了我哪些电影是“好的”，而在于它展示了“好电影”是如何在复杂的社会机器中艰难诞生的过程。

我发现这本书最令人耳目一新的是其聚焦于“技术与美学”的交汇点。它巧妙地避开了那些陈旧的“主题是什么”的讨论，转而深入探讨“如何实现”的技法层面。作者对摄影机运动的分析达到了近乎病态的精确，每一个推拉摇移背后所蕴含的情绪驱动力都被剖析得淋漓尽致。书中大量篇幅用于对比不同时代法国摄影师在光线处理上的演变——从早期自然光对人物情绪的微妙烘托，到新浪潮时期追求的“日光下的冷峻真实感”，再到后现代时期对数字合成的审视。这种对技术层面的执着，让这本书读起来充满了智力上的挑战和满足感。作者在阐述时，总能找到恰到好处的例子，比如通过对比某一位导演对焦外成像（Bokeh）的偏好，来反推其对现实认知态度的转变，这种微观分析具有极强的穿透力。对于那些对电影制作本身抱有浓厚兴趣的读者来说，这本书简直是一座宝库，它教会我们如何真正去“看”电影，而不是仅仅“消费”故事。

这本书的阅读体验是极其愉悦和流畅的，仿佛被一位极具魅力的向导带着，穿梭于巴黎的电影院和制片厂的历史迷宫之中。我尤其欣赏作者那种近乎散文诗般的写作风格，尤其是在描述某个特定导演的创作生涯高光时刻时，那种笔触的细腻和情感的饱满，读起来让人心潮澎湃。它很少使用那种晦涩难懂的理论术语，而是将复杂的电影理论巧妙地融入到对具体影片场景的细致解读之中，使得即便是初涉法国电影领域的读者也能轻松跟上节奏。例如，书中对让·雷诺阿晚期作品中那种对小人物的深切同情，是如何通过舞台化布景和长镜头调度完美融合的描述，简直是精妙绝伦。而且，这本书在地域性上也有独特的视角，它不只关注巴黎的电影制作中心，还花了不少篇幅探讨了法国其他地区，如马赛或里昂的独立电影活动，这为我们构建了一个更具立体感的法国电影地理图谱。它不仅仅是关于电影艺术的书，更是一本关于法国社会变迁和集体情感投射的生动编年史。

这部关于法国电影的著作，实在令人爱不释手。从我翻开第一页起，就被作者那种对光影艺术近乎痴迷的热情所感染。它不像是一本冷冰冰的学术论文集，更像是一位资深影迷掏心掏肺的倾诉。书中对新浪潮运动的剖析，简直是教科书级别的，但作者的高明之处在于，他没有仅仅停留在那些耳熟能详的名字和作品上，而是深入挖掘了那些被主流评论界忽视的边缘声音，那些在特定历史时期因政治或社会压力而被雪藏的影像。我尤其欣赏作者在论述中那种跨学科的视野，他常常将电影的叙事手法与当时的法国文学思潮，甚至是哲学辩论联系起来，构建出一个宏大而又精微的知识图景。例如，他如何用德里达的解构主义理论去分析戈达尔后期作品中那些破碎的、非线性的时间结构，读来酣畅淋漓，让人对电影语言的潜能有了全新的认识。而且，作者在描述具体的场景和运镜时，那种画面感极强，仿佛我正坐在昏暗的影院里，重新体验着那些经典瞬间。书中收录的那些老式电影海报和剧照，质量也十分精良，为文字增添了极佳的视觉辅助。对于任何想真正理解法国电影灵魂的人来说，这本书无疑是一份不可或缺的地图。

我最近读完了一本关于电影的书，它给我的冲击力是结构性的，而非仅仅是内容的堆砌。这本书的独特之处在于它拒绝采用传统的编年史叙事模式。它没有试图将法国电影史梳理成一条清晰的、因果分明的河流，反而更像是一张巨大的、互相交织的神经元网络图。作者大胆地将1930年代的“伟大传统”与1980年代的商业化趋势进行并置比较，探讨的是“法国性”这一模糊概念是如何在不同的经济和社会语境下被挪用和重塑的。我特别喜欢它对声音设计的关注，这在很多同类著作中往往是被简化处理的元素。作者花了整整一个章节去分析特吕弗电影中那种介于写实与梦幻之间的声景是如何构建人物的内心世界的，这让我对重看他的旧作充满了期待。行文风格上，这本书的语调非常克制和冷静，数据引用和历史文献的运用极其严谨，显示出作者扎实的学术功底，但它绝不枯燥，因为那种学术的严谨性反而构筑了一种更具说服力的魅力。读完后，我感觉自己对电影的“观看方式”本身有了一种全新的认知，不再仅仅是信息的接收者，而是一个主动的意义建构者。