Film Histories

出版者:Univ of Toronto Pr

作者:Grainge, Paul/ Jancovich, Mark/ Montieth, Sharon

页数:590

出版时间:2007-2

价格:$ 105.09

装帧:HRD

isbn号码:9780802093554

具体描述

Arranged chronologically, Film Histories is a wide-ranging anthology that covers the history of film from 1885 to the present. Each chapter contains an introduction by the editors on key developments within the respective period, followed by a classic piece of historical research about that period. Various approaches to film history are taken by the authors of the articles, exposing readers to different forms of historical research. Topics include: the history of audiences, exhibition, marketing, censorship, aesthetic history, political history, and historical reception studies.Film Histories concentrates on the so-called historical turn in film studies, demonstrating that film history is about more than simply key films, directors, and movements. Also included is a preface explaining the structure and organization of the book. The contents are divided into sections on American and non-American research, thus designed to reach a wide student audience at the undergraduate level. Chapter introductions provide an overview of international developments in film.

用户评价

这部关于电影历史的著作，坦白地说，超出了我对一本学术性书籍的预期。作者在梳理早期默片时代的演变时，那种对技术细节的考究，简直到了痴迷的程度。我特别欣赏他如何将高更的色彩理论与路易斯·卢米埃尔兄弟的早期摄影实验巧妙地联系起来，这使得原本枯燥的“技术进步史”顿时鲜活了起来。书中详细描述了1910年代好莱坞制片厂系统如何在加州沙漠中拔地而起的过程，那种对权力结构和资本运作的剖析，让我这个对商业电影史不甚了解的读者也看得津津有味。特别是关于“明星制”的起源那部分，作者没有停留在肤浅的八卦层面，而是深入挖掘了媒体如何塑造公众认知，以及电影公司如何利用这种认知进行市场垄断的深层机制。阅读过程中，我仿佛置身于那个硝烟弥漫的、充满野心与创新的黄金时代，感受到了每一个镜头背后蕴含的巨大商业博弈。书中对不同地域电影流派的比较分析也极其出色，例如将德国表现主义与苏俄蒙太奇学派进行对照时，那种跨文化的洞察力令人叹服，绝非一般影史书能企及的广度与深度。

我得说，这本书在学术严谨性上达到了一个极高的水准，但它的可读性却出人意料地高。这主要归功于作者高超的文本驾驭能力。他能够在非常专业的术语和严谨的引证之间，插入一些极具画面感的描述。比如，书中描述二战后美国黑色电影的崛起时，那种对光影、烟雾和人物服装的描绘，简直可以作为文学鉴赏的范本。我尤其欣赏作者对“意识形态批判”的运用，它并非生硬地将电影贴上标签，而是通过对具体场景和镜头语言的微观分析，揭示出权力是如何潜移默化地通过光影节奏和剪辑点被植入观众潜意识的。例如，对某部特定时期宣传片的镜头运用分析，细致到每一秒的画面停留时间对观众情感导向的影响，读起来让人脊背发凉，体会到电影作为“造梦机器”的巨大能量。这本书成功地将电影史转化成了一部关于人类感知和权力运作的宏大叙事。

说实话，刚翻开这本书时，我有些担心它的内容会过于集中在好莱坞主流叙事上，毕竟市面上这类书籍太多了。然而，作者却展现了惊人的全球视野。书中有一章专门讨论了六七十年代日本新浪潮电影对西方叙事传统的“反叛”，这部分内容简直是教科书级别的案例分析。作者不仅细致比对了小津安二郎的“物哀”美学与法国新浪潮的即兴手法，还将其置于日本战后社会结构转型的大背景下进行解读，使得这些看似孤立的艺术运动找到了共通的文化根源。此外，作者在梳理不同时期国际电影节的生态变迁时，也展现了其深厚的社会学功底，指出电影节不仅仅是商业交易的场所，更是不同政治文化阵营进行“软实力”较量的舞台。这种将艺术史、政治史和社会学熔于一炉的写作方式，让这本书的厚度远超一般的电影史读物，它提供了一个多维度的、充满张力的世界观。

对于一个浸淫电影研究多年的人来说，要找到一本能带来真正“震撼”的书已经很不容易了。但这本书在论及数字影像的兴起及其对传统“胶片本体论”的颠覆时，其前瞻性和批判性，让我感到受到了极大的挑战和启发。作者没有沉溺于对数字技术的赞美或哀叹，而是冷静地剖析了像素化带来的“在场感”的消解，以及这种消解如何影响了现代观众对真实性的判断标准。他提出了一个尖锐的问题：当一切都可以被轻易重构时，我们对历史影像的信任基础何在？书中对CGI技术发展历程的梳理，更像是对人类视觉极限的一次哲学拷问。这种不满足于回顾过去，而是积极介入当下和未来议题的勇气，是这本书最宝贵的品质。它不仅仅是一部历史书，更像是一份对未来电影实践者的严肃预警和指引，充满了思辨的火花。

读完这本书，我感觉自己的观影习惯被彻底重塑了。它不是一本简单的“经典电影回顾录”，更像是一本对“影像叙事如何成为我们理解世界方式”的哲学探讨。最令我印象深刻的是关于声音进入电影后的那段论述。作者并未简单地罗列有声电影的诞生时间，而是着墨于声音如何“压缩”了叙事空间，如何迫使导演放弃了早期默片时代那种依赖肢体语言和画面构图的隐喻体系。这种对媒介形态变化带来的审美冲击的细腻捕捉，在我阅读过的所有电影理论中都属罕见。还有关于战后欧洲艺术电影的章节，作者采取了一种非常规的叙事角度——不从导演的个人传记入手，而是从战后社会心理的集体创伤角度切入，分析了安东尼奥尼和伯格曼等人的作品中那些“不可言说”的空虚感是如何成为时代精神的准确反映。全书的论证逻辑严密得像一座精密的钟表，每一个论点都建立在扎实的史料之上，读起来有一种被引导着去重新认识“何为电影”的智力上的愉悦。