Jazz Composition and Orchestration

出版者:University Of Chicago Press

作者:William Russo

页数:844

出版时间:1997-09-22

价格:USD 70.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780226732084

具体描述

"Jazz Composition and Orchestration" provides a basis for understanding the techniques of orchestration for the jazz ensemble at a time when the importance of composition in jazz is constantly increasing.

用户评价

我曾涉猎过不少关于管弦乐配器的教材，但大多都带着浓厚的古典音乐色彩，这对于爵士乐的自由精神来说，往往显得有些束手束脚。然而，这本书成功地架起了一座坚实的桥梁，它承认了传统配器的严谨性，但又大胆地引入了爵士乐特有的“非规范化”元素。作者对于如何处理“模糊的音色”（Ambiguity of Timbre）有着独到的见解，这在爵士乐中至关重要，因为我们经常需要在“清晰的独奏”和“融合的背景”之间快速切换。书中对如何使用弱音器（Mutes）和特殊演奏技巧（Extended Techniques）来扩展铜管和木管乐器的音域和表现力部分，简直是金玉良言。我发现作者非常注重“空间感”的营造，不仅仅是音高的空间，更是时间上的空间——如何让乐句之间留白，让即兴段落有足够的“喘息”余地。这种对呼吸和空间的关注，使得编曲不再是简单的音符堆砌，而更像是一种对音乐能量的精妙调控，读来令人茅塞顿开，对提升作品的艺术品位帮助极大。

这本关于爵士乐编曲和配器的书，简直是为我这种在即兴和结构之间摸索的音乐人量身打造的。我一直觉得，爵士乐的魅力很大程度上在于它既有自由的即兴空间，又有严谨的织体结构支撑。这本书深入浅出地探讨了如何将脑海中那些天马行空的旋律转化为可以由一个完整的乐队演奏出来的、富有层次感的作品。它没有停留在对基础和声的简单复述，而是直接切入了如何构建一个丰满的“声音景观”。我特别欣赏作者在讨论管弦配器法时，那种对不同乐器音色特性的深刻理解和巧妙运用。比如，它会详细分析为什么在特定和弦进行中，圆号（French Horn）比小号更能带来柔和而深沉的衬托感，而不是一味地堆砌音量。书中包含了大量的范例分析，这些例子不仅仅是枯燥的五线谱，更像是将作曲家的思维过程一步步解剖给你看，让你明白一个优秀的爵士配器是如何从核心动机逐渐发展、扩展、分部、并最终达到情感高潮的。对于想要提升自己作品饱满度和专业度的学习者来说，这本书提供的视角是极其宝贵的，它教会的不是“怎么写”，而是“为什么要这样写”的深层逻辑。

老实说，市面上的许多音乐理论书籍都晦涩难懂，充满了让人望而却步的专业术语和过于抽象的图表。但这本书的写作风格却出奇地具有启发性和可读性，它似乎在用一种同行间的、充满激情的语气与读者交流。作者在讲解复杂的和声扩展（如九和弦、十一和弦的配器处理）时，总能找到最贴近实际演奏场景的例子来佐证观点，而不是生硬地抛出数学公式。特别是关于“对位法”（Counterpoint）在爵士配器中的应用，这本书提供了一个非常现代且实用的框架。它没有要求我们去模仿巴赫，而是教我们如何利用爵士乐的律动和和声色彩，创造出既独立又相互支撑的旋律线条。对于那些已经掌握了基础乐理，但苦于无法将知识转化为具有“摇摆感”（Swing Feel）的管弦作品的音乐人来说，这本书简直是沙漠中的甘泉。它成功地将“如何写得复杂”与“如何让它听起来自然流畅”这两大难题，以一种优雅的方式结合了起来。

翻开这本书，首先扑面而来的是一种浓郁的“实践至上”的氛围，这让我这个更偏向实践操作的人感到非常亲切。它没有过分地纠缠于学院派那些过于僵化的理论框架，而是将重点放在了爵士乐核心——律动（Groove）——如何通过配器得到最有效的强化和展现。书中的章节结构安排得非常巧妙，从基础的四重奏配器法开始，逐步过渡到大型爵士乐团的织体构建，每一步的进阶都像是攀登一座精心设计的音乐阶梯。我尤其喜欢它对“节奏群”（Rhythm Section）处理的细致描绘，如何通过鼓组、贝斯和钢琴的精妙互动，为独奏者搭建起一个既稳定又充满“呼吸感”的平台。书里讨论的很多配器技巧，比如如何运用切分音来增加张力，或者如何通过乐句的对位来创造旋律的深度，都是我过去在听音乐时有所察觉却无法言明的部分，这本书把它清晰地摆在了我的面前。读完后，我立刻尝试将书中的一些“声部引导”（Voice Leading）原则应用到我正在创作的一段Bebop乐曲中，效果立竿见影，原本略显拥挤的低音区瞬间变得清澈且富有推动力。

这本书的价值不仅在于它教授了具体的配器技巧，更在于它重塑了我们对“爵士大乐队”（Big Band）声音概念的认知。它打破了许多人对大乐队编曲的刻板印象——即认为它只是简单的“齐奏”（Unison）与“和弦块”（Chordal Blocs）的交替。作者通过对Duke Ellington晚期作品和Gil Evans作品的深入剖析，展示了如何利用对位、声部转换和动态渐变，使一个二十多人的乐队听起来像是一个拥有无限色彩和纹理的单一乐器。书中对“人声化处理”（Vocalizing Instruments）这一概念的阐述尤其精彩，它强调了编曲时要把乐器想象成人声的集合体，这样才能确保旋律线条的连贯性和情感的表达力。阅读这本书的过程，与其说是学习技术，不如说是一次对爵士乐声音哲学的高层次探索。它激发了我去重新审视我自己的每一个编曲决定，确保每一个音符的出现都有其合理且动人的存在意义。