中国分体文学史：戏曲卷

出版者:上海古籍出版社

作者:李修生

页数:378

出版时间:2014-9-1

价格:34

装帧:平装

isbn号码:9787532573806

具体描述

《中国分体文学史：戏曲卷（第三版）》内容包括戏曲的产生、形成与发展，各种戏曲剧种、表演形式的传承演变，戏曲理论的评析，名家名剧的介绍等。特别是分析了戏剧史上元杂剧勃兴、明清传奇繁荣的特殊历史人文背景，给读者以有益的启迪。《中国分体文学史：戏曲卷（第三版）》条理清晰，文字顺畅，使学生易记易懂，便于把握中国戏曲发展得脉络轨迹，十分适合其高校教材的定位。

目录信息

前言
上编 杂剧
第一章 中国戏曲的萌生、形成与元杂剧的繁荣
第一节 巫优歌舞与脚色扮演的嬗变
第二节 宋金杂剧与诸宫调
第三节 元杂剧的兴盛和繁荣
一、元杂剧兴盛的标志
二、元杂剧繁荣的原因
第四节 元杂剧的体制特征
一、剧本结构
二、音乐体式
三、脚色与演出体制
第二章 元杂剧的分期与发展
第一节 元杂剧的分期与流派的区分
第二节 沉沦中的忧思与呐喊——元杂剧兴盛时期的创作
一、忧患与怀旧心态：元代前期的历史剧
二、愤世之情与救世之念：元代前期的社会剧
三、佛郁、冀盼心态的滋长：元前期的公案剧和绿林剧
四、在生存困境中躁动的自恋心态：元代前期的婚恋杂剧
第三节 困境中的求索与迷惘——元杂剧过渡时期的创作
一、士精神的高扬：元中期的文人剧
二、主题的升华和变幻：元代中期的爱情剧
三、仕进理想幻灭的困扰：元代中期的道化隐逸剧
第四节 期盼中的同化与异化——元杂剧衰蜕时期的创作
一、伦理文化体系的重构：元代后期的家庭道德剧
二、天命观对自主个性的销蚀：元后期的历史剧
三、宗教观念的变异：元代后期的神仙道化剧
第三章 关汉卿和他的杂剧创作
第一节 关汉卿的生平和杂剧创作
第二节 《窦娥冤》、《蝴蝶梦》等社会剧
第三节 《救风尘》、《望江亭》等爱情风月剧
第四节 《单刀会》、《西蜀梦》等历史剧
第五节 卓越的艺术成就
第四章 王实甫及其《西厢记》
第一节 王实甫的生平和杂剧创作
一、生平行事和杂剧作品
二、《西厢记》故事的来源与演变
第二节 情对礼的战胜与超越——《西厢记》的戏剧冲突
第三节 《西厢记》的人物形象塑造
第四节 《西厢记》的结构特点和语言艺术
……
第五章 白仁甫和马致远的杂剧创作
第六章 明清杂剧
中编 南戏与传奇
第一章 宋元南戏
第二章 高明与《琵琶记》
第三章 明代传奇剧
第四章 汤显祖及其传奇剧
第五章 清代传奇剧
第六章 洪昇与《长生殿》
第七章 孔尚任与《桃花扇》
下编 清代“乱弹”
第一章 乱弹的种类
第二章 乱弹的场上艺术
第三章 乱弹的作品（上）
第四章 乱弹的作品（下）
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书的行文风格，初读起来有点像被精心打磨过的老电影的胶片质感——颗粒感十足，但色彩饱满。它不像某些当代文学评论那样追求华丽的辞藻或晦涩的理论构建，而是保持了一种近乎纪实文学的冷静和克制。在论述戏曲的文学性与表演性之间的张力时，作者展示了惊人的平衡能力。他没有偏向于将戏曲仅仅视为一种文学文本来解读，而是始终将“舞台”这个核心要素置于分析的中心。书中对于“板式结构”的解析尤其精彩，那种将音乐、韵律与人物心理变化紧密结合的阐释，让我对传统戏曲的复杂结构有了全新的认识。我发现自己不再仅仅是“听”戏，而是开始“看”戏背后的逻辑了。当然，对于那些对地方戏曲了解不多的读者来说，开篇可能需要稍微适应一下大量的术语和地名，但一旦跨过这个门槛，收获是巨大的。它提供了一个极佳的参照系，让你明白今天我们看到的舞台艺术，是如何一步步从民间走向殿堂，又如何与时代同呼吸共命运的。

坦白说，我是在一个朋友的强烈推荐下才购入的，我原本以为这会是一本只能供研究者翻阅的冷门书籍。但这本书的魅力就在于，它有能力让“圈外人”也沉浸其中。作者的文字功底非常扎实，叙述节奏把握得恰到好处，高潮迭起，张弛有度。比如在描述某个著名丑角艺术家的巅峰时期，作者的笔触是极其富有画面感的，你几乎能想象出那个演员在舞台上的一颦一笑，甚至能“听见”台下观众的喝彩声。这本书最让我惊喜的一点，是它对“禁演剧目”和“民间传说改编”这两块灰色地带的梳理。这些内容往往是正史中避讳或一带而过的，但作者却敢于深入挖掘，考证出这些剧目是如何在不同朝代的权力更迭中幸存或转化的，这不仅仅是文学史，更是一部细微的社会史和文化权力史。这本书的价值，就在于它敢于触碰那些被时间尘封的、带有强烈社会印记的艺术生命力。

说实话，这本书的厚度着实让我吃了一惊，感觉像抱了一块砖头。一开始我还有点担心，这么大部头，内容会不会过于庞杂而失焦。然而，当我沉下心来仔细阅读其中的篇章后，那种担忧便烟消云散了。作者的功力体现在对细节的掌控上，他没有试图面面俱到地介绍每一个小小的戏班子或不起眼的剧本，而是非常精准地抓住了那些具有里程碑意义的作品和人物进行深入剖析。这种“抓大放小，以点带面”的叙事策略，使得整部作品的结构极其稳固。我个人尤其喜欢其中关于“舞台美术革新”的那一部分，它不是简单地罗列服装和布景的变化，而是深入探讨了这些视觉元素的变迁如何反过来影响了观众的审美取向以及剧作内容的表达深度，这种跨学科的思考角度非常新颖。阅读过程中，我经常需要停下来，去网上搜索那些书中提到的老唱片或老剧照，那种带着历史回声的体验，远比干巴巴的文字描述来得震撼。这本书称得上是一部扎实的案头工具书，但其阅读体验却远超一般工具书的范畴。

这本书的装帧设计倒是中规中矩，没有太多花哨之处，但内页的字体和排版清晰易读，对于这种信息密度极高的著作来说，这点非常重要。阅读过程中，我最大的感受是作者对“传承”二字的深刻理解。他没有将戏曲史看作一条直线型的进步过程，而是将其描绘成一个不断自我修正、吸收和叛逆的复杂网络。特别是对近现代戏曲如何应对西方戏剧冲击的论述，非常具有启发性。作者没有简单地采用“全盘西化”或“坚守国粹”的二元对立视角，而是细致地分析了那些成功的融合案例，探讨了如何从本土的审美体系中找到创新的支点。这种辩证的、动态的视角，让整部作品充满了思想活力。读完后，我感觉对中国传统舞台艺术的敬畏感又加深了一层，它远比我想象的要精妙、要坚韧。这是一部值得反复咀嚼、常读常新的作品，对于任何对中华文化艺术脉络有兴趣的人来说，都是一份不可多得的礼物。

这本书的封面设计非常有意思，那种古朴的色调和笔触，一下子就让人联想到历史的厚重感。我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，但翻开之后才发现，作者的叙述方式相当生动活泼，仿佛一位老先生在娓娓道来那些久远的故事。书中对不同历史时期的戏曲流派演变，梳理得脉络清晰，每一个转折点都有详实的史料支撑，但又避免了纯粹的文献堆砌。特别是对于一些经典剧目的创作背景和幕后故事的挖掘，简直让人拍案叫绝。比如对某个地方剧种如何在特定历史环境下吸收外来元素并最终定型的过程描述，细致入微，读起来完全没有负担，反而像是跟随作者进行了一次穿越时空的田野调查。虽然有些地方的专业术语需要稍微琢磨一下，但整体而言，它成功地架起了一座古典艺术与现代读者之间的桥梁，让那些沉睡在故纸堆里的光芒重新被点亮。我特别欣赏作者那种既尊重传统又不失批判精神的态度，对一些长期以来被神化的现象敢于提出自己的独到见解，这种学者的风骨，在今天的著作中实属难得。

9分?嗯??

入门级的戏曲篇吧

有点爱上戏曲⁄(⁄ ⁄ ⁄ω⁄ ⁄ ⁄)⁄

没有对比就没有伤害，搞定戏曲线索，盛赞！

9分?嗯??