艺术、知觉与现实

出版者:西南师范大学出版社

作者:[英] 恩斯特·贡布里希

页数:182

译者:钱丽娟

出版时间:2015-9-1

价格:38.00元

装帧:精装

isbn号码:9787562174226

丛书系列:俄耳甫斯音乐译丛

具体描述

恩斯特·贡布里希著的《艺术知觉与现实（精）》是一本帮助读者了解20世纪西方艺术史的优秀书籍，本书荟萃了西方六七十年代知名的艺术史学家、心理学家以及哲学家的重要观点及论述，尽管这些代表性的学者在其研究目标和切入点上存在很大差异，但各人所论都对经典的分析和解读范式的形成有所贡献。

作者简介

恩斯特·贡布里希爵士（Sir E.H.Gornbrich．1909—2001)，英国艺术史家。生于维也纳，早年在维也纳大学获博士学位。图林科学院、瑞典乌普萨拉皇家艺术与科学院、荷兰皇家艺术与科学院、巴伐利亚科学院院士。生前主要供职于伦敦大学瓦尔堡研究院，曾任该院院长。并在牛津、剑桥、皇家艺术学院等名校任兼职教授。获得过史密斯文学奖、黑格尔奖、巴尔扎恩奖、维特根斯坦奖、歌德奖等多项殊荣；包括牛津、剑桥、哈佛、芝加哥在内的十二所世界名校授予他“荣誉博士学位”；贡氏被公认为艺术史、艺术心理学、艺术哲学等众多领域的巨擘领袖。

朱利安·霍赫伯格(Julian Hochberg.1923—)，美国心理学家。生于纽约，曾先后就读于纽约市立学院{纽约市立大学前身)和伯克利加州大学，在伯克利加州大学获哲学博士学位。此后辗转任教于康奈尔大学、纽约大学和哥伦比亚大学，并在哥伦比亚大学心理学系荣休。作为第一位研究“人眼运动”的心理学家，霍氏是视觉感知研究领域长达半个世纪的领军人物。

麦克斯·布莱克(Max Black．1909—1988)，美国哲学家。生于阿塞拜疆，长于伦敦，后加入美国国籍，犹太人后裔。早年在剑桥大学王后学院主修数学．后在伦敦大学获哲学博士学位。先后任教于伦敦教育学院、伊利诺伊大学厄巴纳一香槟分校和康奈尔大学．作为哲学教授在康奈尔大学荣休。布氏在数理哲学、逻辑哲学、语言哲学等诸多领域里卓有建树。尤以其语言哲学最具特有。

钱丽娟(1974—)，女，苏州人．爱尔兰科克大学博士后研究员。英国谢菲尔德大学民族音乐学博士(师从Andrew Killlck博士)。上海音乐学院音乐学硕士(师从杨燕迪教授)。曾任职于四川师范大学音乐学院。先后获得英国政府海外研究生奖学金、谢菲尔德大学奖学金和杰出交换学者奖金、中国国家教育部霸学归国人员科研启动基金，以段爱尔兰政府博士后项目资助。研究领域主要为流行音乐、大众文化和电视传媒。已发表各类文章近二十篇，并多次在国际学术会议上发表论文。

目录信息

前言
面具与面容——对生活和艺术中相貌相像性的知觉
论事物与人的再现
图片如何再现?
后记
索引
· · · · · · (收起)

用户评价

我一直认为，艺术是一种超越语言的存在，它能够触及我们内心最深处的情感。这本书恰恰深入探讨了这一点。作者并没有止步于对艺术史的梳理，而是将目光投向了更深层次的“知觉”层面。他/她通过对不同艺术流派的分析，比如表现主义对内在情感的张扬，或是极简主义对纯粹形式的追求，来揭示艺术家们是如何通过色彩、线条、构图等视觉语言来直接影响我们的感知，甚至操纵我们的情绪。我特别被其中关于“具身认知”的讨论所吸引。作者认为，我们的身体经验与我们对艺术的理解是密不可分的。例如，观看高耸的教堂穹顶，会让我们产生一种仰望和敬畏感；而欣赏一幅描绘宁静风景的画作，则能让我们感受到内心的平和。这种将身体感受与艺术体验联系起来的视角，让我对艺术的解读有了全新的维度。书中对“幻觉”和“错觉”在艺术中的运用也进行了精彩的阐释。毕加索的立体派作品，如何打破我们固有的空间认知，让我们看到事物的多重面向；或是某些艺术家利用视觉陷阱，创造出令人惊叹的“不可能的图像”。这些例子都证明了艺术不仅仅是对现实的模仿，更是对我们感官的挑战和拓展。作者还探讨了文化背景对知觉的影响，同一件艺术品在不同的文化环境中，可能会引发截然不同的解读。这让我意识到，我们的“现实”本身，在很大程度上是由我们所处的文化和我们接收到的信息所塑造的。这本书让我对“观看”这个动作有了更深的理解，它不再仅仅是被动的接收，而是一个主动的、充满互动性的过程。

这本书的阅读体验非常独特，它让我感觉像是在和一位睿智而富有艺术细胞的朋友进行对话。作者并没有像教授一样，用晦涩的术语和复杂的理论来“教导”我，而是用一种充满启发性的方式，引导我一起去探索艺术与人类感知之间的奥秘。他/她对色彩的运用，对光影的捕捉，都极具画面感，让我仿佛能够听到画作中人物的低语，感受到风景的宁静。我特别喜欢作者对不同时代艺术风格演变的梳理。从古代文明的象征性艺术，到中世纪的宗教艺术，再到近代以来艺术的多元化发展，作者都能够精准地抓住每个时代的精神内核，并将其通过艺术作品展现出来。他/她对文艺复兴时期人体解剖学的研究对绘画的影响进行了深入的阐释，这不仅仅是技术上的革新，更是人类对自身身体的关注和对美的全新理解。而印象派画家们如何突破传统，捕捉转瞬即逝的光影，更是让我看到了艺术的进步与创新。作者还探讨了艺术如何反映社会和文化变迁。不同时代的艺术作品，都像是历史的镜子，折射出当时社会的风貌、人们的思想以及价值观。通过阅读这本书，我仿佛穿越了时空的限制，与不同时代的人们进行了一场跨越千年的对话。我开始更加理解那些看似遥远的艺术作品，它们所蕴含的深层意义，以及它们与我们当下生活的关联。

这本书对我最大的启发在于，它让我重新审视了“现实”的本质。我一直以来都认为，现实是我们眼睛所见，耳朵所闻，身体所感知的那个客观存在的世界。然而，作者通过艺术的视角，巧妙地揭示了现实的“建构性”。他/她引用了大量的哲学观点，例如现象学和建构主义，来论证我们所感知的现实，并非直接来源于客观世界，而是经过了我们大脑的加工和解读。艺术，作为一种高度主观的表达形式，恰恰是这种解读过程的绝佳载体。书中对摄影的探讨尤其令我印象深刻。摄影师通过选择拍摄对象、构图、后期处理等一系列行为，实际上是在“创造”一个他/她想要呈现的“现实”。一张街景照片，可以被拍成生动的人文纪实，也可以被处理成充满戏剧张力的场景。这让我意识到，即使是看似“写实”的艺术形式，也并非是对现实的简单复制，而是艺术家对其现实理解和表达的体现。作者还探讨了抽象艺术如何挑战我们对“真实”的定义。当一幅画作不再描绘具象的事物，而是纯粹的色彩和形式时，它又如何能够触动我们，甚至让我们感受到某种“更深层”的真实？这种对抽象艺术的解读，让我打破了以往的固有认知，开始欣赏那些不以形似取胜的作品。这本书让我明白，我们所处的“现实”，很大程度上是我们自己构建出来的。艺术，就是一种强大的工具，能够帮助我们审视、质疑、甚至重塑我们对现实的认知。

在我看来，这本书最引人入胜之处在于它对“感知”本身的深入剖析。作者并没有简单地将艺术视为一种视觉的享受，而是将其看作一种对我们感知系统进行训练和拓展的媒介。他/她通过分析不同艺术家如何运用色彩、线条、形状等元素来激活我们的视觉皮层，以及如何通过节奏、韵律来影响我们的听觉和触觉，来阐述艺术的“感官性”。我特别被关于“具身性”的论述所打动。作者认为，我们在欣赏艺术时，我们的身体也在参与其中，我们的姿势、我们的呼吸，甚至我们的潜意识反应，都在影响着我们对作品的体验。例如，观看一幅描绘宏大场景的画作，我们的身体可能会不自觉地产生一种“扩张感”，而欣赏一首舒缓的音乐，则能让我们感到放松和宁静。书中还探讨了知觉的“主观性”和“相对性”。同一个艺术品，不同的人可能会有截然不同的感受，这很大程度上取决于个体的经验、文化背景以及当下的心境。作者通过引用大量的心理学实验和艺术案例，来证明这一点。这让我意识到，我们对“现实”的理解，并非是普适的，而是高度个人化的。这本书让我对“观看”这个行为有了更深的理解，它不再仅仅是被动的接受，而是一个主动的、充满互动性的过程。我开始更加关注自己在感知艺术时的身体反应和情感变化，并从中获得更多的启示。

这本书让我对“现实”这个概念产生了前所未有的思考。我一直以为“现实”是客观存在的，但作者通过艺术的视角，巧妙地揭示了现实的“建构性”。他/她引用了大量的哲学观点，例如现象学和建构主义，来论证我们所感知的现实，并非直接来源于客观世界，而是经过了我们大脑的加工和解读。艺术，作为一种高度主观的表达形式，恰恰是这种解读过程的绝佳载体。书中对摄影的探讨尤其令我印象深刻。摄影师通过选择拍摄对象、构图、后期处理等一系列行为，实际上是在“创造”一个他/她想要呈现的“现实”。一张街景照片，可以被拍成生动的人文纪实，也可以被处理成充满戏剧张力的场景。这让我意识到，即使是看似“写实”的艺术形式，也并非是对现实的简单复制，而是艺术家对其现实理解和表达的体现。作者还探讨了抽象艺术如何挑战我们对“真实”的定义。当一幅画作不再描绘具象的事物，而是纯粹的色彩和形式时，它又如何能够触动我们，甚至让我们感受到某种“更深层”的真实？这种对抽象艺术的解读，让我打破了以往的固有认知，开始欣赏那些不以形似取胜的作品。这本书让我明白，我们所处的“现实”，很大程度上是我们自己构建出来的。艺术，就是一种强大的工具，能够帮助我们审视、质疑、甚至重塑我们对现实的认知。我开始更加警惕那些看似“真实”的信息，更加主动地去探索和理解事物的多重面向。

这本书的结构安排十分精巧，作者仿佛一位经验丰富的向导，带领读者一步步深入探索艺术的奥秘。他/她并没有一开始就抛出晦涩的理论，而是从最直观的艺术作品入手，通过对具体的绘画、雕塑、建筑等作品的分析，来引出相关的哲学思考。我尤其喜欢作者对不同时代艺术风格演变的梳理。从古代文明对图腾和符号的崇拜，到中世纪宗教艺术的庄严与神圣，再到近代以来艺术的个性化与多元化，作者都能够精准地抓住每个时代的精神内核，并将其通过艺术作品展现出来。他/她对文艺复兴时期透视法的革新，以及它如何改变了人们对空间和现实的认知，进行了详细的阐述。而印象派画家们如何突破学院派的束缚，捕捉转瞬即逝的光影，更是让我看到了艺术的创新与突破。书中对“情感”在艺术中的作用也进行了深入的探讨。艺术家如何通过色彩、线条、构图等视觉语言来唤起观众的情感共鸣，以及不同文化背景下，人们对情感表达的差异，都让我受益匪浅。我常常会在阅读过程中，停下来回忆自己曾经看过的艺术作品，并试图用书中提供的新视角去重新解读它们。这本书让我对艺术的理解不再停留在表面，而是能够更深入地体会到艺术所蕴含的情感、思想以及它与我们生活的深层联系。

这本书的文字有一种独特的魅力，它不像许多学术著作那样枯燥乏味，反而充满了诗意和哲思。作者在描述艺术作品时，仿佛一位画家在用文字作画，将那些静态的画面赋予了生命和情感。他/她对色彩的运用，对光影的捕捉，都极具画面感，让我仿佛身临其境，能够感受到画作中人物的喜怒哀乐，能够体会到风景的宁静与壮阔。我尤其喜欢作者对不同时代艺术风格演变的梳理。从古代文明的象征性艺术，到中世纪的宗教艺术，再到近代以来艺术的多元化发展，作者都能够精准地抓住每个时代的精神内核，并将其通过艺术作品展现出来。他/她对文艺复兴时期人体解剖学的研究对绘画的影响进行了深入的阐释，这不仅仅是技术上的革新，更是人类对自身身体的关注和对美的全新理解。而印象派画家们如何突破传统，捕捉转瞬即逝的光影，更是让我看到了艺术的进步与创新。作者还探讨了艺术如何反映社会和文化变迁。不同时代的艺术作品，都像是历史的镜子，折射出当时社会的风貌、人们的思想以及价值观。通过阅读这本书，我仿佛穿越了时空的限制，与不同时代的人们进行了一场跨越千年的对话。我开始更加理解那些看似遥远的艺术作品，它们所蕴含的深层意义，以及它们与我们当下生活的关联。

这本书的精妙之处在于，它将“艺术”、“知觉”和“现实”这三个看似独立的概念，通过精巧的逻辑和丰富的案例，编织成一张紧密相连的网络。我一直认为，艺术是艺术家的一种表达，而知觉是我们认识世界的方式。然而，这本书让我看到，艺术不仅仅是表达，它更是对我们知觉的“训练”和“重塑”。作者通过对不同艺术流派的分析，例如表现主义对内在情感的张扬，或是极简主义对纯粹形式的追求，来揭示艺术家们是如何通过色彩、线条、构图等视觉语言来直接影响我们的感知，甚至操纵我们的情绪。我特别被其中关于“具身认知”的讨论所吸引。作者认为，我们的身体经验与我们对艺术的理解是密不可分的。例如，观看高耸的教堂穹顶，会让我们产生一种仰望和敬畏感；而欣赏一幅描绘宁静风景的画作，则能让我们感受到内心的平和。这种将身体感受与艺术体验联系起来的视角，让我对艺术的解读有了全新的维度。书中对“幻觉”和“错觉”在艺术中的运用也进行了精彩的阐释。毕加索的立体派作品，如何打破我们固有的空间认知，让我们看到事物的多重面向；或是某些艺术家利用视觉陷阱，创造出令人惊叹的“不可能的图像”。这些例子都证明了艺术不仅仅是对现实的模仿，更是对我们感官的挑战和拓展。

这本书的叙述风格有一种独特的感染力，作者就像一位经验丰富的导游，带领读者在艺术的迷宫中穿梭，并且时不时地停下来，为我们讲解沿途的风景。他/她并没有刻意追求深奥的理论，而是用一种非常平易近人的语言，将复杂的艺术概念和哲学思想娓娓道来。我特别喜欢作者对不同艺术流派演变的梳理。从古代文明对图腾和符号的崇拜，到中世纪宗教艺术的庄严与神圣，再到近代以来艺术的个性化与多元化，作者都能够精准地抓住每个时代的精神内核，并将其通过艺术作品展现出来。他/她对文艺复兴时期透视法的革新，以及它如何改变了人们对空间和现实的认知，进行了详细的阐述。而印象派画家们如何突破学院派的束缚，捕捉转瞬即逝的光影，更是让我看到了艺术的创新与突破。书中对“情感”在艺术中的作用也进行了深入的探讨。艺术家如何通过色彩、线条、构图等视觉语言来唤起观众的情感共鸣，以及不同文化背景下，人们对情感表达的差异，都让我受益匪浅。我常常会在阅读过程中，停下来回忆自己曾经看过的艺术作品，并试图用书中提供的新视角去重新解读它们。这本书让我对艺术的理解不再停留在表面，而是能够更深入地体会到艺术所蕴含的情感、思想以及它与我们生活的深层联系。

这本书的封面设计就有一种引人入胜的魔力，深邃的蓝色背景上，一幅抽象的画作仿佛在低语，暗示着它所蕴含的深度和复杂性。我迫不及待地翻开第一页，被作者那流畅而富有洞察力的文字所吸引。他/她并没有直接抛出晦涩的理论，而是像一位循循善诱的向导，带领读者一步步走进艺术的殿堂。从古希腊雕塑对理想人体美的追求，到文艺复兴时期画家们如何捕捉光影与情感的微妙变化，再到印象派对瞬间光感的探索，作者都进行了细致入微的分析。我尤其喜欢他对透视法在绘画中应用的解读，它不仅仅是技术层面的技巧，更是人类对空间、对三维世界认知的一次深刻革命。他/她还引用了大量的艺术史案例，从米开朗琪罗的《大卫》到莫奈的《日出·印象》，每一个例子都仿佛被赋予了新的生命，让我重新审视那些耳熟能详的艺术品。更让我惊喜的是，作者将心理学与美学巧妙地结合起来，探讨了观众在观看艺术品时，大脑是如何处理视觉信息，又是如何产生情感共鸣的。这不仅仅是一本关于艺术的书，更是一次关于人类感知方式的深刻反思。读这本书，我仿佛觉得自己也变成了一位艺术鉴赏家，能够更加敏锐地捕捉到作品中的细微之处，更能理解艺术家们想要传达的情感和思想。这本书的结构安排也十分合理，逻辑清晰，循序渐进，即使是没有太多艺术背景的读者，也能轻松跟上作者的思路。我常常会合上书本，久久地沉浸在作者所描绘的艺术世界中，思考着艺术与我们生活的关系，以及它如何塑造着我们对世界的认知。

贡布里希和霍赫伯格都好棒！布莱克抽象且无结论。以及AI背景的我总会用算法来解释认知理论，思维模式是不是太僵化啊...

贡布里希和霍赫伯格都好棒！布莱克抽象且无结论。以及AI背景的我总会用算法来解释认知理论，思维模式是不是太僵化啊...

每次读这类书时，都感觉自己是个文盲，真的。

为什么我们能从画、漫画里认出被画的对象。

找书时乱入的一本。第一章看懂了，第二章迷糊看完，第三章弃了。以后用到再看。