音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术

出版者:中央音乐学院出版社

作者:Arnold Schoenberg

页数:259

译者:Patricia Carpenter

出版时间:2015-6

价格:78.00

装帧:平装

isbn号码:9787810966849

具体描述

《音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术》主要包括以下几方面内容：评注；音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术；形式要素；节奏；形式过程；其它；和声；附录。作者勋伯格是一位具有大胆创新精神的作曲家，他的作品曾经引起过很大的争议。他首创了“十二音体系”的无调性音乐，并且培养了许多“十二音体系”的作曲家。他和他的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”，即“表现主义”音乐流派。他对音乐所进行的重大的、具有划时代意义的改革，影响了一大批年轻作曲家，如达拉皮科拉、欣涅克以及肖斯塔科维奇等人都不同程度地受到了他的影响。

作者简介

奥地利作曲家阿诺尔德·勋伯格于1874年9月13日出生在维也纳，二十世纪著名的现代音乐作曲家之一，“表现主义”乐派的主要代表人物。

勋伯格是一个自学成才的作曲家，小时候家境贫寒，十六岁时父亲去世。这些不利的环境并没能阻止他热爱音乐和学习音乐的决心。他八岁时开始学习小提琴，以后又自学大提琴，参加业余乐队，而且自己尝试着作曲。他经 常如饥似渴地去听音乐会和歌剧，从中得到学习和熏陶。父亲去世以后，由于家境日益困窘，他到一家银行当了办事员，以增加一些家庭收入。就在这个时候，他偶然结识了作曲家亚历山大·策姆林斯基，并跟他学了几个月的对位法，而这就是后来成为现代音乐杰出作曲家的勋伯格所受到的唯一的正规音乐教育。从此，他开始了音乐创作生涯。1897年，他的处女作《D大调弦乐四重奏》问世。1901年他来到柏林，执教于斯顿音乐学院。后来又回到了维也纳，于1910年担任了音乐学院的和声教师。第一次世界大战开始后，勋伯格参加了奥地利军队。战后在柏林普鲁士艺术学院任教。1933年勋伯格离职赴美，担任加利福尼亚大学的音乐教授。1941年他取得美国国籍，在那里定居，直到逝世。

勋伯格是一位具有大胆创新精神的作曲家，他的作品曾经引起过很大的争议。他首创了“十二音体系”的无调性音乐，并且培养了许多“十二音体系”的作曲家。他和他的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”，即“表现主义”音乐流派。他对音乐所进行的重大的、具有划时代意义的改革，影响了一大批年轻作曲家，如达拉皮科拉、欣涅克以及肖斯塔科维奇等人都不同程度地受到了他的影响。

勋伯格的音乐创作一般分为两个时期：第一个时期大约从1897年至1908年。他这个时期的作品带有晚期浪漫主义的特点，深受瓦格纳的影响，这时的作品还没有完全抛开调性。第二个时期大约从1908年至1912年，这个时期的作品已是“勋伯格风格”特点的作品了。这时期的音乐具有表现主义的特征，“十二音体系”他已完全成熟，他的许多重要作品都是在这一时期写出的。

目录信息

中文版序
引用资料来源的缩写
编者前言
鸣谢
评注
勋伯格的艺术观
勋伯格的前言
音乐思想
可理解性和一致性
形式理论
和声的建构功能
结论
音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术
序言和概述
序言
书名页
思想的表现原则
本书的安排
思想的深刻性及其作为一种标准的现实结果
音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术
思想
音乐思想
思想
作品对位艺术中的思想及其表现
构建原则
可理解性
可理解性原则
一致性
音乐一致性的原则
形式要素
作品的各个部分
部分
形式要素
乐句
形式
基本型
动机
形式与乐句的区别
动机的特征
表述
稳定形式
松散（松散组织）形式
主题
旋律
声音作为一种形式因素
节奏
节奏
节奏分类
强调和非强调
形式过程
（形式过程）
表现（A）和表现功能B
变化，变奏，变形，变体
变奏的种类
“新元素”在变化重复中的一致性
镜像形式
结束
终止
终止式节奏
连接的种类
连接技巧
浓缩
分解，淡化
最小时值音的倾向
音阶的结构功能与分解和弦
波形进行
对比（对比主题）
偏离主要思想与回归
主要思想
次要思想
主要声部和次要（伴奏）声部的形式
发展部
模进
加强
重复是否具有加强作用？
声部（独立）
引子
准备
一致性的非音乐手段
幻想曲
所有形式的描述
其它
表演和形式
演奏和形式
渐快和渐慢的感觉
放松
对称
重复的起源
基本原则
流行音乐和旋律
和声
和声的构建功能
附录
需要检索的关键词
关键词
术语索引
附录1对于《思想》Gedanke手稿的介绍
附录2手稿No.10的内容，按其原顺序排列
附录3在评论中出现的未出版的《思想》Gedanke德文原文手稿
注释
参考书目
谱例索引
人名索引
主题索引
· · · · · · (收起)

用户评价

至于书中所讨论的“艺术”层面，那更是让我沉醉。作者认为，音乐的艺术性不仅仅在于技巧的完美，更在于它能否触及人的心灵，引发情感的共鸣。他深入剖析了音乐如何表达喜悦、悲伤、愤怒、宁静等各种复杂的情绪，并且解释了这些情感是如何通过音乐的结构、力度、速度等手段来传递的。我读到关于巴洛克时期音乐中的“情感主义”的讨论，那些音乐仿佛就是纯粹的情感本身，没有丝毫的矫揉造作。书中也提到了浪漫主义时期音乐中对个人情感的自由抒发，以及印象派音乐中那种朦胧、诗意的意境。对我来说，这本书最大的价值在于，它教会了我如何去“听”音乐，不仅仅是用耳朵，更是用心去感受音乐中蕴含的每一个细微的情感信号，以及作曲家想要传递的深层意义。

在讲解音乐技巧时，我最感兴趣的是关于演奏家如何处理音乐的“弹性”。作者解释了节拍的细微变化，以及速度的灵活运用，是如何为音乐注入生命力的。他举了一个例子，关于某个乐曲中某个乐句的处理，演奏者可以通过将某个音符稍稍延后，或者在某个弱拍处增加一个轻微的重音，来达到一种出人意料的效果。这种对微观细节的关注，让我明白，优秀的演奏不仅仅是音符的准确，更是对音乐情感的深刻洞察和细腻处理。我一直认为演奏的最终目标是忠实于乐谱，但这本书让我明白，在忠实于乐谱的基础上，演奏家如何通过对音乐的理解和个人情感的投入，将乐谱上的静态音符变成鲜活的生命。

总的来说，《音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术》是一本让我受益匪浅的书。它不仅仅是知识的传授，更是一种思维方式的启发。它让我认识到，音乐是一门既严谨又充满魅力的艺术，它融合了逻辑的智慧、技巧的精湛和情感的深度。我向所有对音乐感兴趣的人推荐这本书，相信它一定能带给你和我一样的惊喜和感悟。这本书让我觉得，每一个音符背后都有着一个故事，每一次旋律的起伏都蕴含着一种思想，而每一次乐章的结束，都留下了无尽的遐想。

读到关于音乐技巧的部分，我更是被深深吸引。作者不仅介绍了各种演奏技巧，比如弓法的变化、手指的灵活性、气息的控制等等，更重要的是，他将这些技巧与音乐情感的表达紧密地联系起来。他举了许多具体的例子，比如某个乐句中某个音符的轻重、长短、颤音的使用，是如何直接影响到听者情绪的。我一直认为技巧只是为了炫技，但这本书让我明白，真正的技巧是为了更好地服务于音乐的内在表达，是艺术家与听者之间交流的桥梁。特别是关于赋格的讲解，那种层层递进、相互交织的旋律线条，如果演奏者没有深厚的技巧支撑，是无法将那种复杂的美感呈现出来的。作者还探讨了作曲家在创作过程中如何运用各种技巧来解决音乐发展的矛盾，如何通过节奏的突然变化或和声的意外转折来制造惊喜。

我非常赞赏作者在书中对音乐情感表达的深度挖掘。他不仅仅列举了音乐可以表达的情感，更是深入分析了具体的情感是如何通过音乐的各个层面来表现的。比如，他解释了为什么在音乐中，缓慢的速度和柔和的力度常常与悲伤联系在一起，而快速的速度和强烈的力度则常常与兴奋或愤怒联系在一起。但他也指出，这些联系并非绝对，有时候，快速的音乐也可以表达一种奔放的喜悦，而缓慢的音乐也可以表达一种深沉的宁静。这种对音乐情感表达复杂性的理解，让我觉得音乐的世界更加丰富多彩。

这本书最让我惊喜的是，它让我学会了如何去“欣赏”音乐，而不仅仅是“听”音乐。我以前听音乐，更多的是一种被动的接受，但读了这本书之后，我开始主动地去分析音乐的结构，去感受音乐的逻辑，去体会音乐中的技巧和情感。我发现，当我对一首乐曲有了更深入的理解之后，我就会对它产生更强烈的共鸣。我甚至开始尝试着去分析我喜欢的那些音乐，并且惊奇地发现，那些我之前觉得“好听”的旋律和和声，背后都有着精巧的设计和深刻的用意。这种从“听”到“懂”，再到“爱”的过程，是这本书带给我的最宝贵的财富。

我最近读了一本名为《音乐思想及其表现中的逻辑、技巧和艺术》的书，这本书真的让我大开眼界。作为一名音乐爱好者，我一直对音乐的奥秘充满好奇，尤其想知道是什么样的内在逻辑和精妙技巧，才能将抽象的音乐思想转化为如此动人心魄的艺术作品。这本书无疑满足了我所有的期待，甚至超出了我的想象。 在阅读过程中，我最深的感受是作者对音乐的理解之深刻。他不仅仅是在描述音乐的表象，更是在剖析音乐的灵魂。书中的第一部分，详细阐述了音乐思想的起源和发展，从最基础的音高、节奏、音色这些元素如何被组织起来，形成具有逻辑性的乐句和乐段。他用非常清晰的语言解释了旋律的进行方式、和声的色彩变化，以及它们如何共同构建起音乐的骨架。我以前总是凭感觉去感受音乐的流畅性，但这本书让我明白了这种流畅性背后其实是严谨的逻辑推导。比如，他讲到对位法的运用，不仅仅是模仿，更是一种智力上的较量，不同声部之间既独立又相互呼应，这种精巧的设计让我惊叹不已。

我特别喜欢作者在探讨音乐的逻辑性时，所用的那些类比。他将音乐的结构比作建筑，将和声的进行比作语言的语法，这些生动的比喻让我这个非科班出身的读者也能轻松理解那些复杂的音乐理论。比如，他讲到奏鸣曲式的结构，就像是在讲一个故事，有主题的引入、发展、冲突，最终到达一个解决。这种将抽象概念具体化的方式，让我对音乐的理解上升到了一个新的高度。我以前听奏鸣曲，只是觉得旋律好听，但现在我能更清楚地辨别出其中各个部分的联系，以及它们是如何共同推动音乐向前发展的。这本书让我觉得，音乐不仅仅是声音的堆砌，更是一种有条理、有逻辑的思维过程。

书中对不同时期音乐风格的分析也让我印象深刻。作者并没有简单地罗列各个时期的特点，而是深入探讨了这些特点是如何产生的，以及它们背后所反映的时代背景和社会思潮。例如，他分析了古典主义时期音乐的清晰、均衡和理性，并将其与启蒙运动的思想相结合。而到了浪漫主义时期，音乐的自由、激情和个人主义又与当时的社会变革紧密相连。我以前觉得每个时期的音乐都是独立的，但这本书让我看到了音乐史发展的连贯性和内在的逻辑性，它就像一条河流，从古至今，不断向前，并且受到各种因素的影响而改变着它的流向和形态。

作者在讨论音乐的艺术性时，所提出的“意境”的概念，让我耳目一新。他认为，好的音乐不仅能描绘画面，更能营造一种氛围，一种只有通过音乐才能体会到的独特感受。他以德彪西的音乐为例，形容那种音乐如同“水彩画”，朦胧而充满色彩。我以前听印象派音乐，总是觉得很模糊，难以捉摸，但读了这本书，我才明白，这种模糊正是其艺术魅力所在，它留给了听者无限的想象空间。作者还探讨了音乐如何唤起听者的回忆和联想，从而创造出更加个性化的艺术体验。

补标

勋伯格的手稿不忍直视。。。然后即使可读的部分中文翻译连令人勉强满意都达不到。。。也许相比之下，没自作主张决定哪里翻译哪里舍去是一种德行了。。。

勋伯格的手稿不忍直视。。。然后即使可读的部分中文翻译连令人勉强满意都达不到。。。也许相比之下，没自作主张决定哪里翻译哪里舍去是一种德行了。。。

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