动物素描指南

出版者:上海人民美术出版社

作者:乔·韦瑟利

页数:168

译者:张竞

出版时间:2016-6-1

价格:CNY 48.00

装帧:平装

isbn号码:9787532298631

丛书系列:西方经典美术技法译丛

具体描述

乔•韦瑟利是专业绘画动物的艺术家，他的风格是大胆而具有感染力的表现绘画主题。本书收录了他 900 多幅动物素描作品，教授大家通过理解动作形态、结构、

解剖的原则画出立体逼真的动物。书中的另一个重点则强调了根据想象绘画的重要性及方法。用自己对动物的骨骼结构、立体构图、个体特征的理解去创作，通过想象力画出形态各异的动物，进一步提高自己的创作水平。通过对本书的学习，

并多加练习，你也能像作者一样，成为动物绘画大师。

目录信息

前言9
入门指南11
写生12
根据想象绘画13
动物绘画的场所 15
观察16
临摹照片或视频图像16
常备一个速写本17
绘画的工具及步骤17
姿态速写 19
6种姿态速写的方法22
动作26
动作线28
韵律30
绘制动作33
结构 34
动物的身体结构35
动物的头部36
颈部和肩部37
胸腔和骨盆37
前腿38
后腿38
结构的原理40
结构的绘画步骤42
基本方法46
外形分析48
从整体入手49
姿势速写 51
避免完全对称53
神态和表情54
透视缩小与重叠 57
透视法 59
动物解剖63
骨骼结构64
骨骼结构简画步骤65
标记67
主要的肌肉线条69
比较解剖70
对比食肉动物与食草动物74
运动状态中的解剖75
平衡和重心 77
大象 79
犀牛84
长颈鹿 89
非洲瞪羚 94
非洲大羚羊96
骆驼 98
驼马102
猴子 103
袋鼠 105
蜥蜴 107
鳄鱼 110
熊111
狗 116
狼 124
丛林狼125
山羊126
牛130
马135
驴149
斑马151
狮子153
美洲狮 159
老虎 160
美洲虎 162
结语166
· · · · · · (收起)

用户评价

这本关于绘画技巧的书籍，侧重于基础的透视原理和光影的捕捉，对于初学者来说，绝对是打开艺术世界的一扇大门。作者用非常直白易懂的语言，将复杂的几何学概念与实际的绘画过程巧妙地结合起来。我尤其欣赏其中关于“消失点”的讲解，它不是干巴巴的理论堆砌，而是通过一系列清晰的步骤图，手把手地教你如何在二维平面上构建出逼真的三维空间感。书中的素描练习，从简单的立方体到复杂的建筑场景，层层递进，让人在不知不觉中就掌握了空间构图的核心要领。对于那些总是在画中感到“平坦”或“不自然”的人来说，这本书无疑是一剂良方。它强调的是“看”的艺术，训练你的眼睛去识别物体在空间中的真实位置和相互关系，这对于任何形式的写实绘画学习者都是至关重要的第一课。看完这本书，我感觉自己看世界的方式都变了，连平时散步时都会不自觉地分析路边树木的结构和光照角度，这种思维的转变，比单纯学会几招技巧要宝贵得多。

对于那些渴望提升人物动态捕捉能力的人来说，这本书的动态速写部分简直就是一本宝典。它摒弃了传统解剖学的枯燥图示，转而采用了一种更注重“势能”和“流线”的观察方法。作者强调，人体不是一堆僵硬的骨骼和肌肉的组合，而是一个充满能量和张力的动态系统。书中大量的线条草图，寥寥数笔，却精准地捕捉到了奔跑、跳跃或沉思瞬间的精髓，那种瞬间的平衡与失衡感被表现得淋漓尽致。讲解中频繁使用到类似“力的矢量”和“重心轴线”的概念，帮助读者理解为什么人物的姿态会是现在这个样子，而不是机械地记忆肌肉名称。这对于漫画家或者插画师尤其重要，因为它教会你如何赋予角色生命力，让他们看起来像是“活生生”地处于那个情境之中，而不是摆拍的模特。这套方法论极大地拓宽了我对人物造型的理解，不再被细节困住，而是先抓住了整体的气势。

这本书在材料应用和媒介探索上的广度令人印象深刻。它详细介绍了从传统的木炭、石墨到现代的数位板笔刷，每一种工具的特性和最适合它们表现的主题。我尤其欣赏作者对“纹理表现”的专注，书中用了大量的篇幅来解析如何利用不同硬度的铅笔、不同的排线角度以及不同纸张的肌理，来模拟出木头的老化、金属的反光或是皮肤的细腻感。它鼓励读者去尝试不同寻- B 种媒材的混合使用，探索它们之间产生的奇妙化学反应。举例来说，它会教你如何用湿润的炭条边缘去捕捉湿润的表面效果，这种对媒介特性的深刻理解，使得最终的作品在触感和视觉体验上都更具层次感。这本书更像是一个“工具箱”的深度使用说明书，而非简单的画册，它激发了我对手边所有绘画材料进行深入实验的欲望。

我必须承认，这本书在色彩理论方面的探讨是相当深入和富有启发性的。它没有停留在传统的红黄蓝三原色上打转，而是大胆地引入了环境色、反射光以及色彩心理学的影响。作者对于不同材质表面的光线吸收和反射特性分析得极其细致，比如如何用微妙的冷暖变化来表现丝绸的柔顺感，或者用粗糙的笔触和饱和度的降低来描绘岩石的坚硬。我特别喜欢其中一个章节，是关于“情绪化用色”的，它教导读者如何根据想要表达的主题氛围来调整色相和明度，而不是简单地复制自然界的颜色。这种对色彩背后“意义”的挖掘，让绘画不再仅仅是技术模仿，而成为了情感的传达。虽然有些高级术语需要反复查阅理解，但一旦融会贯通，你会发现自己对颜料的驾驭能力有了质的飞跃。它提供的不是一个固定的调色盘公式，而是一套灵活的、可以应对无限场景的色彩思维框架。

这本书的哲学思考层面，着实让我耳目一新，它超越了单纯的技术指导。作者反复探讨了一个核心问题：艺术创作中的“意图性”与“随机性”如何共存。在多个案例分析中，他展示了大师们是如何故意打破规则，使用不完美的线条或错误的比例来达到特定的艺术效果。这种对“错误”的重新定义，极大地解放了我长期以来被技术规范束缚的创作心态。书中关于“留白”和“未完成感”的讨论尤为精辟，它引导读者思考，画面中哪些部分需要细致描绘，哪些部分应该留给观众的想象力去完成。这不再是一本教你“怎么画得像”的书，而是一本教你“为什么这样画”的书。它鼓励你形成自己独特的视觉语言，而不是盲目追随潮流。读完后，我感觉自己对“完成度”的标准有了更成熟和个人化的理解，创作的乐趣也因此被提升到了一个新的层次。

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和JackHamm的动画素描颇有相似之处，但又多了几分粗犷

和JackHamm的动画素描颇有相似之处，但又多了几分粗犷

和JackHamm的动画素描颇有相似之处，但又多了几分粗犷

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