中国画论类编

出版者:人民美术出版社

作者:俞剑华

页数:1314

出版时间:2016-8

价格:108.00元

装帧:平装

isbn号码:9787102075020

丛书系列:人美文库

用户评价

作为一个对中国传统文化充满敬畏的读者，《中国画论类编》让我看到了中国画论的包容性和发展性。《中国画论类编》并非是一部僵化的理论汇编，而是一部动态地反映中国画论思想演变和发展的百科全书。它从中国画的萌芽时期，如史前岩画的朴拙，一直梳理到宋元时期的高度成熟，再到明清时期以及近现代的多元发展，为我清晰地勾勒出了中国画论的发展轨迹。书中对不同时代、不同学派的画论观点进行了详尽的介绍和比较，比如，它详细阐述了唐代张彦远《历代名画记》中的“六法”，并将其与宋代郭熙《林泉高致》中的山水画论进行对比，展现了不同时期审美侧重点的转移。同时，本书也并未回避不同画论观点之间的争议和碰撞，反而以此为契机，深入探讨了这些争议背后所反映的时代背景、社会思潮和哲学理念。我特别喜欢它对“南北宗论”的梳理，以及对不同画派代表人物及其艺术主张的介绍，这让我对中国画内部的流派纷呈有了更全面的认识。此外，书中也关注了中国画论在吸收外来文化影响后的发展，例如，它探讨了西方透视法对中国画的影响，以及中国画家如何在保留自身特色的同时，进行创新和融合。这种开放性和包容性，让我看到了中国传统艺术的生命力所在。通过阅读，我更加深刻地理解了中国画论并非一成不变，而是在历史的长河中不断吸收、融合、发展，最终形成其独特而辉煌的体系。

《中国画论类编》对我而言，不仅仅是一本关于绘画理论的书籍，更是一扇打开我认识中国传统文化的大门。它通过对画论的梳理和解读，让我看到了中国传统文化中蕴含的哲学思想、审美情趣以及人文关怀。书中对“师法造化”、“天人合一”等理念的阐释，让我深刻理解了中国传统文化中对自然的敬畏和对宇宙和谐的追求。我特别喜欢书中关于“文人画”的论述，它让我明白了，中国画不仅仅是画家技艺的展示，更是文人雅士精神世界和人生情怀的表达。那些寄情于山水，托物言志的画作，无不体现着中国文人的高雅情趣和深邃思想。书中对不同时期、不同地域的画论风格的介绍，也让我看到了中国传统文化的多样性和丰富性。例如，它对比了宋代山水画的理性严谨与元代山水画的写意奔放，以及明清时期文人画的雅逸与浙派画的苍劲。这些对比让我更加深刻地认识到，中国画论是中华民族智慧的结晶，是中华文化的重要组成部分。通过阅读，我不仅提升了对中国画的鉴赏能力，更重要的是，它引导我以一种更加广阔的视野去理解中国传统文化，去感受中华文明的博大精深。

《中国画论类编》带给我的，不仅仅是知识的增长，更是一种思维方式的转变。它让我从一个被动接受者，转变为一个主动探索者。书中对中国画创作过程的详细剖析，让我明白了画家是如何从构思、取景、用笔、用墨，到最终完成一幅作品的。它不仅仅是告诉我们“画的是什么”，更是深入探讨了“怎么画”以及“为什么这样画”。我特别喜欢书中关于“虚实相生”、“疏密有致”等构图原则的讲解，这些原则的运用，不仅关乎画面的美观，更关乎画面的意境和韵味。它让我明白了，中国画的构图，是一种哲学思想的体现，是一种对宇宙规律的把握。书中对不同画种，如山水、花鸟、人物画的画论特点的梳理，也让我对中国画的多样性有了更深的认识。例如，在讲解花鸟画时，它不仅探讨了如何捕捉花鸟的形态，更深入阐述了如何通过花鸟来寄托情怀，表达吉祥寓意，或者讽刺现实。这种将绘画与生活、与哲学、与文化紧密结合的视角，让我看到了中国画的深厚底蕴。在阅读过程中，我开始尝试着去分析自己喜欢的画作，思考画家是如何运用这些画论原则来达到预期的艺术效果的。这种主动的思考和分析，极大地提升了我对中国画的鉴赏能力，也让我对艺术的理解更加深入和全面。

我一直对中国画的“意象”概念深感好奇，《中国画论类编》为我揭示了其中的奥秘。它让我明白，中国画中的“意象”，并非是简单的物象的描摹，而是画家情感、思想和哲理的凝结。书中对“以形写神”、“气韵生动”等概念的阐释，让我理解了中国画家如何通过对物象的提炼和概括，来传达其内在的精神和生命力。我特别欣赏书中对那些象征意义丰富的物象的解读，比如，梅、兰、竹、菊所代表的君子品格，或是松、鹤所寓意的长寿和吉祥。这些意象的运用，使得中国画不仅仅是视觉的享受，更蕴含着丰富的文化内涵和精神寄托。书中对不同画家创作中的“意象”处理的对比分析，也让我看到了同一物象在不同画家笔下所呈现出的不同解读和情感表达。例如，同一朵梅花，可以象征着坚韧不拔，也可以寄托着寂寞孤傲。这种对“意象”的灵活运用，正是中国画艺术魅力的重要体现。在阅读过程中，我开始尝试着去理解每一幅画作背后所蕴含的“意象”及其所要传达的深层含义。这种对“意象”的解读，让我感受到了中国画的智慧和深度，也让我对中国文化有了更深刻的认识。

我一直认为，艺术的生命力在于其传承与创新。《中国画论类编》在这两个方面都给我留下了深刻的印象。它不仅系统地梳理了中国画论的历史脉络，将历代重要的画论家及其观点进行了清晰的呈现，更重要的是，它也关注了中国画论在近现代的发展和演变。书中对近代以来中国画坛的变革，如“中西融合”的讨论，以及新中国成立后中国画的发展方向的探讨，都让我看到了中国画论的时代性和生命力。我特别欣赏书中对那些在传统基础上进行大胆创新的画家的介绍，以及对他们创新理念的解读。例如，它探讨了如何将西方绘画的色彩观念融入中国画，如何在保留中国画笔墨韵味的同时，表现现代题材。这种在继承传统的同时，勇于探索和创新的精神，正是中国画能够历久弥新，不断焕发活力的重要原因。通过阅读，我不仅对中国画论的过去有了全面的认识，也对中国画的未来发展有了更多的期待。这本书让我明白，艺术的传承并非是对过去的简单复制，而是对传统精神的继承和发扬，并在新的时代背景下赋予其新的生命。

我一直认为，理解一门艺术，最重要的就是抓住它的精神内核。《中国画论类编》在这方面做得尤为出色。它没有让我沉溺于繁复的术语和晦涩的理论海洋，而是始终将读者的视角放在了艺术的实践和精神的体验上。书中对画家心性、品格与绘画创作关系的探讨，让我深感共鸣。它阐述了中国画不仅仅是一种技艺的展现，更是一种人格修养的体现，一种对宇宙人生的理解和表达。我特别欣赏书中对于“画以神遇”、“胸有成竹”等观念的深入剖析，这些不仅仅是创作的技巧，更是画家内在精神世界的写照。通过阅读，我开始意识到，中国画的最高境界，在于画家与物象之间心灵的感应和精神的契合。书中引用了许多关于画家临摹、写生的论述，这些论述不仅仅是指导如何“看”，更是引导如何“悟”。它教会了我如何透过表象去捕捉事物的本质，如何将自然万物的生命力融入笔墨之中。我甚至开始尝试着将书中的一些理论运用到自己的生活中，比如在欣赏一幅山水画时，我不再只是关注山峦的形态和水流的动势，而是试图去感受画家笔下的“山魂水魄”，去体会那份宁静致远或雄浑壮阔。书中的某些章节，例如关于“意境”的论述，更是让我受益匪浅。它让我明白，中国画的魅力，往往在于“言有尽而意无穷”，在于那留白之处的无限想象空间。通过对不同时代文人画的解读，我看到了中国画如何从写实走向写意，从注重形似到追求神似，这种演变过程背后所蕴含的文化哲学思想，让我对中国艺术的理解上升到了一个新的高度。

我一直对中国画的笔墨技法充满好奇，《中国画论类编》无疑满足了我的这一期待，并且超出了我的想象。它不仅仅是关于“点、线、面”的机械讲解，而是将笔墨视为中国画的灵魂和生命力。书中对“用笔”的论述，详尽地阐释了中锋、侧锋、藏锋、露锋等不同的用笔方法，以及它们所能产生的不同线条质感和表现力。我尤其着迷于那些关于“力透纸背”、“笔走龙蛇”的描述，这些文字本身就充满了力量和动感，让我仿佛能感受到画家运笔时的气势。更让我惊喜的是，本书并没有将笔墨技法孤立地看待，而是将其与中国画的哲学思想、文人情怀紧密结合。例如，它探讨了“骨法用笔”如何体现了中国画的“骨气”和“精神”，以及“飞白”的运用如何象征着生命力的张扬与内敛。在讲解“用墨”时，作者也别出 আক্রমণের，他不仅分析了焦、浓、重、淡、清的五种墨色层次，更深入探讨了墨色在表现空间感、立体感、乃至情感色彩方面的作用。书中关于“墨分五彩”、“积墨法”、“破墨法”等技法的阐释，都配以精到的图例和分析，让我对这些复杂的技法有了清晰的认识。我开始尝试着在临摹时，去体会笔墨的力度、速度和方向的变化，去感受墨色在纸上晕染的微妙之处。这些实践让我逐渐体会到，中国画的笔墨，既是技巧的展现，更是情感的抒发，是画家心灵与自然对话的独特语言。

《中国画论类编》让我领略到了中国画论的“道”与“术”的统一。它不仅仅是教授绘画的技巧，更是引导人们去体悟艺术的真谛和宇宙的规律。书中对“法”与“无法”的辩证关系的探讨，让我明白，真正的艺术创新，是在掌握了传统技法的基础上，超越技法，达到“无法而天成”的境界。我特别喜欢书中关于“笔墨之道”的论述，它阐述了笔墨不仅仅是绘画的工具，更是画家精神的体现，是“以书入画”的艺术追求。书中对“写意”精神的反复强调，让我认识到，中国画的核心在于“写”，在于捕捉物象的内在生命和精神，而非拘泥于外在的形似。这种“写”的精神，贯穿于中国画的各个方面，从构图的经营，到笔墨的运用，再到色彩的搭配，都体现着画家对精神世界的追求。我深感，这本书所传达的，不仅仅是中国画的理论，更是中国传统哲学思想在艺术领域的体现。它让我看到了，中国画是如何将自然、人生、艺术融为一体，达到一种和谐统一的境界。通过阅读，我不仅提升了对中国画的鉴赏能力，更重要的是，它引导我以一种更加深刻、更加哲学的视角去理解艺术，去理解生活。

作为一个对中国传统艺术有着浓厚兴趣的普通读者，当我初次翻开《中国画论类编》，内心涌动的是一种既期待又略带忐忑的心情。期待的是，它能否像一位博学的老友，循循善诱地将我引入博大精深的中国画论世界；忐忑的是，我担心自己能否跟上那些古老智慧的步伐，能否理解那些精妙绝伦的理论。然而，随着阅读的深入，我惊喜地发现，这本书仿佛一位经验丰富的引路人，不仅为我清晰地勾勒出了中国画论的发展脉络，更重要的是，它以一种极其生动和贴近读者的方式，将那些看似高深莫测的理论转化为我能够理解和欣赏的语言。我尤其喜欢它在阐释不同画论流派时，不仅仅是罗列概念，而是通过引用大量具体的画作实例，甚至是相关的诗词、文学作品，来佐证和丰富理论的内涵。这种“以画说理，以文衬论”的方式，让我仿佛穿越了时空，置身于古代画家的创作现场，亲身感受他们的思想碰撞和艺术追求。书中对于“气韵生动”、“骨法用笔”、“应物象形”等核心概念的解读，既有历史的厚重感，又不乏现代的启发性。它并没有简单地告诉我“是什么”，而是深入挖掘了“为什么”和“如何做”，让我对中国画的审美标准有了更深层次的认识。比如，在谈到“随类赋彩”时，作者并非止步于字面意思，而是深入剖析了色彩在中国画中的象征意义、情感表达以及与自然万物的呼应关系，甚至还探讨了不同朝代、不同地域在色彩运用上的细微差别。这种细致入微的考究，让我深深折服。而且，本书的编排也十分巧妙，它并非简单地将零散的画论堆砌在一起，而是进行了有逻辑的分类和梳理，使得我可以循序渐进地学习。对于我这样一个非专业人士来说，这无疑大大降低了阅读门槛，让我能够更自信地去探索这个知识的宝库。

我一直认为，好的艺术作品，能够触及人心最柔软的部分，引发深刻的共鸣。《中国画论类编》在这方面，无疑展现了其独特的魅力。它不仅仅是学术性的理论探讨，更是对中国画家情感世界和精神追求的深刻挖掘。书中关于“写意”精神的论述，让我明白，中国画的最高境界，在于“得意忘形”，在于捕捉事物最本质的“神韵”而非表面的“形似”。我特别喜欢书中对那些描绘自然景物，但又饱含人文情感的画作的解读，比如，那些借景抒情的山水画，它们如何将自然的山川风月与画家的情怀融为一体，构成了“天人合一”的审美境界。书中对“情”与“理”在中国画创作中的辩证关系的探讨，也让我深思。它阐述了画家如何在遵守艺术规律的前提下，注入个人情感，使得作品既有理性之美，又有感性之魂。我尤其欣赏书中关于“诗中有画，画中有诗”的论述，它让我认识到，中国画与诗歌、音乐等其他艺术形式之间的紧密联系，以及它们如何共同构建了中国传统文化的精神内核。通过对历代画家的传记和创作心得的引用，我仿佛与这些伟大的艺术家们进行了一场跨越时空的对话，感受他们对艺术的执着，对自然的敬畏，以及对人生哲理的探索。这些故事和感悟，不仅丰富了我对画论的理解，更在很大程度上触动了我内心深处的柔软，让我重新审视自己与艺术、与世界的关系。

宋代过一遍

论文参考，把宋以前部分过了一遍。按语和解题都很见功力。传本和《名画记》引文相对照，用起来很方便。读的1986年版。

古人描写景物的华丽修辞，读多了令人目眩......

宋代过一遍

4.6。1957年初版，在余绍宋书画书录解题与于安澜画论丛刊两部基础上编辑的画论总录，每篇后附作者传略，部分加编者按。pdf⏬