中国艺术史九讲

出版者:上海书画出版社

作者:方闻

页数:247

出版时间:2017-8

价格:0

装帧:精装

isbn号码:9787547914410

丛书系列:方闻中国艺术史著作全编

具体描述

《中国艺术史九讲》系方闻教授于2004年至2012年在两岸三地所做的演讲汇编。方闻教授毕生致力于在西方世界构建中国艺术史的话语体系、推广中国艺术与文化史的独立价值。通过这九篇主题不同又形成脉络的文章，读者可以看到一位艺术史家如何讲述中国艺术史的故事，从而认识中国艺术独特的价值所在，进而对于中华文化史的发展有更为全新的认识。

作者简介

方闻，1930年生于上海，海内外著名的中国艺术史、中国文化史学者。先后担任普林斯顿大学教授、讲座教授、艺术考古系主任，普林斯顿大学艺术博物馆主席（主任），纽约大都会艺术博物馆亚洲部主任等职务。1959年在普林斯顿大学创建了美国历史上第1个中国艺术考古博士研究培养项目，为美国20世纪中国艺术史学科的发展打开了全新的局面：1971-2000年，方闻在大都会艺术博物馆构建了西方品质*精、品种*全、数量*多的中国艺术品百科全书式收藏，影响深远。著有《夏山图：永恒的山水》《心印》《chaoyue再现：8-14世纪的中国绘画与书法》《中国书法：理论与历史》《两种文化之间》和《艺术即历史》等专著。

目录信息

艺术即历史（代自序）
“回家”的“故事”
第一讲 中国艺术与文化史
一、状物形、表我意
二、儒家“理学”与“心学”的分歧
三、“状物形”绘画的流变与“终结”
四、“终结”之后的再生
第二讲 书画同体
一、书法表现形态的结构
二、“形似”与“助记”
三、一阶与二阶“问题意识”
四、穷则变、变则通
第三讲 为什么中国绘画是历史
一、艺术史的“危机”？
二、传统中国谱系的艺术史学
三、模拟形似的局限
四、“风格”：走向山水画史
第四讲 分界与关联——中国绘画史现状
一、何谓“心印”？
二、传统中国绘画史论
三、“墨迹”与物质文化
四、从“形似”到“写意”
第五讲 汉唐奇迹在敦煌
一、艺术即历史
二、汉唐奇迹：敦煌的“虚拟幻觉空间”
三、外来冲击
四、中国绘画的应对：顾恺之与戴逵
五、张僧繇的“凹凸画”和曹仲达的“曹衣出水”
六、阎立本、韩斡、吴道子和王维
七、原始性复古运动
第六讲 重访两张董元
一、独特的视觉语汇
二、早期宏伟山水画的范式
三、董元的先例
四、用风格分析法对《溪岸图》和《寒林重汀图》断代
五、“图式与修正”：跨文化视角
第七讲 王翚与中国艺术史
第八讲 视觉与文字：中西交汇
第九讲 东方艺术，西方面貌
附录中国艺术考古学的学术定位及学科发展相关问题
编后记
· · · · · · (收起)

用户评价

这套书的价值，远超出了艺术史的范畴，它更像是一部探讨中国文化心理变迁的编年史。特别是书中最后几章对近现代艺术转型的论述，处理得极为谨慎而富有洞察力。作者面对西方思潮的涌入，并没有采取简单的褒贬态度，而是细腻地梳理了本土艺术家在吸纳外来元素时所经历的内心挣扎与创造性转化。他对于某一特定画派中对“线条”的重新定义，提供了一个极具说服力的分析框架，这种对“现代性”语境下中国身份认同的探讨，为我理解当代艺术提供了全新的视角。全书的收束有力而深远，留给读者的，不是一个终结性的答案，而是一系列值得继续探索的、开放性的问题。

坦白说，我对中国古代建筑的兴趣一直比较浅薄，总觉得那部分内容晦涩难懂，但在拜读了书中关于明清皇家园林建构逻辑的那几章后，我的看法彻底被颠覆了。作者的叙事策略非常高明，他没有直接堆砌建筑术语，而是采用了“空间叙事学”的视角，带领我们体验园林中的移步换景，解析了帝王的心思如何通过亭台楼阁的布局巧妙地投射出来。他对于苏式园林中“借景”手法的阐释，简直是教科书级别的分析，将人造景观与自然环境的融合，提升到了哲学思辨的高度。那种对空间序列的精准把握，使得即便是身处异地的读者，也能在脑海中构建出一个清晰而富有层次感的立体模型。这种对复杂结构的化繁为简的能力，着实体现了作者深厚的学术功底和卓越的表达技巧。

这本厚重的文集，光是书名就透着一股子学术的严谨劲儿，拿到手沉甸甸的，翻开扉页，赫然发现作者的笔触竟是如此的细腻，仿佛带着我们穿越时空隧道，亲临历史现场。开篇对早期岩画和陶器的解读，简直让人耳目一新，它不仅仅是罗列了年代和形制，更是深入挖掘了那些远古先民的思维模式和社会结构，那些看似粗糙的符号，在作者的梳理下，竟也描绘出了一幅波澜壮阔的文明图景。特别是他对某一特定时期青铜器纹饰的社会学阐释，逻辑链条之清晰，论据之扎实，让人不得不佩服作者深厚的功底。整本书的叙事节奏把握得极佳，从宏观的时代背景到微观的艺术细节，总能找到一个完美的平衡点，读起来既有历史的厚重感，又不乏引人入胜的故事性。

这本书的排版和装帧也十分考究，大量的插图质量之高，令人赞叹，这在许多同类出版物中是罕见的。每一幅图都不是简单的配图，而是经过了精心的选择和处理，有些甚至是首次在国内出版物中亮相的珍贵图像资料。作者在论述某一特定时期（比如唐代石窟造像）时，会并置多张不同角度、不同壁画的图像进行对比分析，这种视觉化的教学方式，极大地降低了理解复杂艺术现象的门槛。最妙的是，作者在分析这些图像时，总是能敏锐地捕捉到那些常人容易忽略的细节——比如某一尊佛像的嘴角弧度、某一片飞天衣带的飘动方向，并赋予其合理的文化解读。这使得阅读体验从单纯的文字吸收，升级为了一种全方位的审美浸润。

阅读这本书的过程，更像是一场与古人进行跨越千年的对话，作者的文字功力着实了得，他没有采用那种枯燥乏味的教科书式的语言，而是将复杂的艺术史脉络，编织成了一张张充满张力的网。尤其让我印象深刻的是其中关于宋代文人画的论述部分，作者巧妙地将哲学思辨与笔墨技法结合起来，分析了“士”阶层在审美取向上的转向，那种对“意境”的探求，被剖析得淋漓尽致。他引用的那些文献资料，看似信手拈来，实则经过了精心的筛选和提炼，每一次的引用都恰到好处地支撑了其核心观点，绝无冗余之感。读完这一章节，我感觉自己对那时的“留白”和“气韵生动”有了更深层次的理解，不仅仅停留在视觉层面，更是触及到了其背后的精神内核。