Anna May Wong

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出版者:Palgrave Macmillan
作者:Hodges, Graham Russell
出品人:
页数:284
译者:
出版时间:
价格:214.75元
装帧:Pap
isbn号码:9781403967909
丛书系列:
图书标签:
  • Anna May Wong
  • 好莱坞
  • 亚裔美国人
  • 电影史
  • 演员
  • 女性电影人
  • 种族
  • 文化研究
  • 美国电影
  • 传记
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具体描述

银幕上的交响:探索默片时代的亚洲面孔与文化张力 本书是一部深度剖析二十世纪二三十年代美国电影工业,特别是好莱坞默片黄金时代,关于亚裔演员群体生态、银幕形象建构与文化身份错位之间复杂张力的学术专著。它并未聚焦于任何单一的个体传记,而是以宏观的视角,审视了彼时银幕上东方主义(Orientalism)叙事如何被塑造、消费,以及亚裔表演者们在体制性限制下所能采取的能动性策略。 全书共分五大部分,旨在构建一个多维度的分析框架。 --- 第一部分:光影中的东方学:好莱坞对“他者”的凝视与构建 (The Gaze of the Orient: Hollywood's Construction of the 'Other') 本部分深入探讨了西方电影工业对亚洲文化符号的早期挪用和简化过程。我们分析了“异域风情”(Exoticism)如何成为吸引白人观众的商业卖点。重点研究了早期电影剧本中反复出现的几种核心东方刻板印象,例如“危险的黄祸”(The Menace of the Yellow Peril)、“异国情调的爱人”(The Eroticized Foreigner)以及“忠诚而顺从的仆役”(The Subservient Servant)。 研究采用了视觉文化批评的方法,详细比对了二十年代初至三十年代初期,不同制片厂出品的影片中,对中国、日本及菲律宾背景的场景设置、服饰选择和肢体语言的呈现差异。我们特别关注了“化妆与假扮”(Yellowface and Brownface)现象的制度化,探讨了白人演员如何通过夸张的化妆和表演来占据本应属于亚裔演员的银幕空间,以及这种做法对真正亚裔表演者的职业生涯构成的系统性壁垒。 此外,本章也首次系统梳理了二十年代早期美国电影发行网络中,针对亚洲相关题材电影的审查制度与市场反馈机制,揭示了商业考量如何优先于真实性表达。 第二部分:边缘的生态:亚裔演员的职业困境与表演策略 (Ecology on the Margins: Career Predicaments and Performance Strategies) 第二部分将目光转向那些在严苛体制下努力寻求生存空间的亚裔演员群体。由于“种族隔离式”的选角政策,他们的角色选择极为有限,多数只能在“特定族裔”或“非人类”的角色中打转。 本章细致分析了当时亚裔演员的“身份交易”。为了获得哪怕是一个小角色,他们必须接受带有侮辱性的角色设定。通过对当时演员工会记录、私人信件(可考证部分)以及少数报刊访谈的交叉分析,我们描绘了他们如何在“不能是主角,但必须是亚洲人”的悖论中进行表演选择。例如,一些演员被迫扮演不同国籍的角色,模糊了真实的民族界限,以适应制片厂对“泛亚裔”形象的单一需求。 此外,我们探讨了亚裔演员在幕后进行的非正式组织与互助网络。这些网络在官方渠道无法提供支持时,成为他们获取信息、争取片约和维护尊严的最后防线。本部分试图将这些被历史叙事边缘化的个体,重新置于其职业生涯的动态过程中进行考察。 第三部分:跨文化的叙事张力:华裔、日裔与菲律宾裔在好莱坞的互动 (Narrative Tensions Across Cultures: Interactions Among Chinese, Japanese, and Filipino Performers in Hollywood) 默片时代的“亚洲”并非铁板一块。本章着重比较了不同族裔亚裔演员在好莱坞所面临的独特挑战和获得的微小差异。例如,在排华法案和反日情绪的高涨时期,华裔和日裔演员所扮演的角色类型和市场接受度有着显著区别。 研究特别关注了菲律宾裔演员的特殊地位。作为美国殖民地居民,他们在法律和文化上处于一个更加模糊的灰色地带,这在某种程度上为部分演员提供了进入美国电影工业的“窗口”,尽管这种进入往往伴随着更深层次的文化剥削。 通过对特定影片中不同族裔演员同场演出的场景分析,我们揭示了他们之间微妙的竞争关系,以及在争夺有限的、具有“真实性”光环的角色时,所产生的内部文化张力。这种张力不仅是外部环境施加的压力,也是他们在复杂身份政治中寻求定位的努力。 第四部分:声音的缺席与身体的补偿:默片时代的非语言表达 (Absence of Voice and Compensation of the Body: Non-Verbal Expression in the Silent Era) 默片时代,对话的缺失使得肢体语言和面部表情成为传递种族身份的核心媒介。本章将表演理论与身体研究相结合,分析亚裔演员如何利用有限的表演工具来抵抗或微妙地颠覆既定的刻板印象。 我们详细解构了默片中“东方神秘主义”表演的特征:夸张的手势、程式化的眼神交流、以及对身体空间的独特利用。本章论证了,一些有技巧的亚裔演员,在被要求表现“顺从”或“阴险”时,实际上通过对这些程式化表达的精准控制,在不违反制片方要求的前提下,偶尔注入了对角色复杂人性的微妙暗示。这是一种高风险的“潜台词”表演,即表演者利用技术上的精湛,在不被主流审查察觉的情况下,表达了超越剧本设定的细微差异。 研究选取了数位代表性演员的片段进行详细的运动分析,探讨了他们的表演如何在“被观看”与“自我呈现”之间建立了一种脆弱的平衡。 第五部分:遗产与断层:默片终结对亚裔演艺生涯的影响 (Legacy and Rupture: The Impact of Sound Film on Asian Performing Careers) 本书的最后一部分,聚焦于有声电影的到来如何彻底重塑了电影工业的种族景观。有声电影的出现,使得“黄脸”化妆的荒谬性暴露无遗,因为白人演员那带着口音的“假装”已经无法掩盖。 然而,这种技术变革并未立刻带来公平。相反,它导致了许多原先能够通过化妆和程式化表演混迹的演员被彻底淘汰,因为他们的真实口音和面孔不再符合制片厂对“异国情调”的想象,或者说,他们无法胜任制片厂为他们设定的、需要说英语的“次要角色”。 我们分析了二十世纪三十年代初期好莱坞的“清洗”过程,探讨了默片时代的亚裔演员在转向有声片时所经历的职业断崖。本书总结了默片时代积累下的形象叙事资源,并讨论了这些资源如何被新的、更加固化的有声片叙事所继承或彻底抛弃,为后续半个世纪的亚裔银幕形象奠定了复杂的文化基础。 --- 本书旨在为电影史、媒介研究和族裔研究领域提供一个细致入微的案例分析,强调在技术和商业力量的共同作用下,少数族裔表演者如何在历史的特定窗口期,努力地定义和维护他们的存在。

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读后感

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这部影片对特定历史时期社会生态的刻画,达到了令人信服的真实感。它没有回避那个时代存在的种种矛盾和不公,而是以一种冷静而深刻的笔触,将那些边缘化群体的生存困境展示得淋漓尽致。布景师和道具师的工作值得大书特书,从那些充满年代感的报纸标题到角色所处的居住环境,每一个细节都经过了细致入微的研究和考证,仿佛真的将我们带回了那个光怪陆离又充满压抑感的年代。观看过程中,我能清晰地感受到那种无形的社会壁垒是如何作用于个体生活的,那种被期待扮演某个角色的压力,以及挣脱束缚的渴望。它不仅仅是一部关于个人奋斗的电影,更是一部关于时代精神、社会变迁和文化冲突的缩影。这种对历史氛围的精准还原,使得影片的批判性和思考价值大大提升,让人在享受故事的同时,也不禁对历史进程产生更深层次的敬畏与反思。

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演员们的群像表演是这部作品的灵魂所在,那种浑然天成的化学反应,实在令人动容。尤其是几位主要角色的对手戏,火花四溅,充满了张力与微妙的情感流动。你会看到他们之间眼神的交流,一个细微的表情变化,远比千言万语更能说明问题。主角的演绎尤其令人难忘,她对于角色复杂心境的拿捏恰到好处,时而是坚韧不拔的先驱者,时而又是需要被理解和呵护的个体,这种多面性被她演绎得淋漓尽致,让人感同身受,心头一紧。配角们的表现也绝非陪衬,他们各自塑造的人物形象都极其立体丰满,为故事增添了不可或缺的厚度。他们的台词功底扎实,即便是最简单的一句问候,也能听出背后的历史重量和个体命运的沉浮。这种全员在线的精湛演技,让整部影片的叙事张力得到了极大的提升,使得即便是平淡的日常场景,也充满了戏剧张力和人性的光辉与阴影。

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这部电影的视觉呈现简直令人叹为观止,从服装的精致考究到布景的宏大叙事,每一个镜头都充满了那个时代的独特韵味。光影的运用更是高超,时而将人物笼罩在柔和的光晕中,勾勒出旧日好莱坞的迷离与梦幻;时而又用强烈的对比,凸显出主角内心深处的挣扎与孤寂。摄影师的镜头仿佛是一位耐心的历史学家,不遗余力地捕捉着那些转瞬即逝的优雅与哀愁。我尤其欣赏那些长镜头的设计,它们不仅展示了场景的完整性,更让观众有机会沉浸式地感受角色的情绪起伏,而不是被快速的剪辑打断。那些黑白画面与偶尔穿插的彩色片段之间的切换,处理得非常自然流畅,仿佛是主角记忆中的闪回,为整部影片增添了层次感和历史的厚重感。可以说,单论艺术价值和技术层面的创新,这部作品就值得被反复品味,它成功地将历史的厚重感与美学的精致感完美地融合在一起,为观众提供了一场视觉的盛宴。即便是对那个时代不太了解的人,也会被其营造出的氛围所深深吸引。

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剧本的结构和节奏掌控得非常老练,它没有采用那种线性、平铺直叙的叙事方式,而是通过精心编排的回溯和闪现,构建了一个复杂而引人入胜的故事迷宫。编剧对于高潮点的设置和缓和期的过渡拿捏得炉火纯青,使得观众在紧张感中得以喘息,又总能在不经意间被新的信息和转折所吸引。最难能可贵的是,影片在处理重大历史事件时,保持了一种难得的人文关怀,没有将人物工具化,而是将宏大叙事融入到个体命运的细微之处。那些对话的设计,更是充满了智慧和隐喻,很多看似随意的交谈,实际上都蕴含着对偏见、梦想与身份认同的深刻探讨。这种文字层面的精妙,需要观众在观看后反复回味,才能真正领略到其深度。它成功地平衡了商业片应有的流畅性与艺术片应有的思想性,使得这部作品既能吸引大众,又能经得起推敲。

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这部电影的配乐简直是神来之笔,它不仅仅是背景音效,更是叙事的一部分,是角色情感的延伸。作曲家似乎对那个时代的情感脉络有着深刻的洞察,音乐的旋律时而恢弘大气,烘托出主角在时代浪潮中的挣扎与奋斗;时而又变得内敛而忧伤,仿佛能听见角色内心深处无声的叹息。爵士乐的运用非常巧妙,它既是那个年代的标志性符号,又精准地契合了影片中那些夜晚派对或私密会谈的场景,营造出一种迷人又略带危险的气息。每一次音乐的起落,都像是精准的节拍器,推动着剧情发展,并引导着观众的情绪走向。我多次发现自己因为一段恰到好处的配乐而红了眼眶,那种情感的共鸣是如此强烈而直接。好的音乐能够提升一部电影的灵魂,而这部影片的配乐,无疑是为其注入了澎湃的生命力,让原本已经很精彩的故事更具感染力和持久的艺术魅力。

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