The Television Handbook

出版者:Routledge

作者:Jonathan Bignell

页数:336

出版时间:2005-11-16

价格:USD 39.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415342520

具体描述

Updated to include information and discussion on new technologies and new critical ideas, Jonathon Bignell and Jeremy Orlebar present this excellent critical introduction to the practice and theory of television, which relates media studies theories and critical approaches to practical television programme making. Featuring advice on many aspects of programme making, from initial ideas to post-production processes, this title includes profiles to give insight into how people in the industry, from graduates to executives, think about their work. With debates on what is meant by 'quality' television, key discussions include: the state of television today; how television is made and how production is organized; how new technology and the changing structure of the television industry will lead the medium in new directions; the rise of new formats such as Reality TV; and, how drama, sport and music television can be understood.

用户评价

这本书的叙事节奏掌控得极其高明，它绝非那种平铺直叙、把所有知识点一股脑堆砌出来的教材。作者显然深谙结构的力量，他巧妙地将理论探讨、历史回溯与实际案例分析穿插进行，使得即便是最枯燥的技术原理讲解，读起来也像在品味一部精心剪辑的纪录片。特别是它在阐述“叙事结构”的那一部分，简直是教科书级别的示范——他没有直接给出公式，而是通过分析几个不同时代、不同类型的标志性电视节目片段，让你在潜移默化中领悟到节奏、张力和信息释放的艺术。我发现自己常常读到一半就停下来，拿起遥控器打开电视，回看那些被作者提及的经典片段，然后带着新的理解重新回到书本上，这种交互式的学习体验真是太棒了。更难得的是，作者在处理那些关于“伦理与审查”的章节时，展现出一种罕见的深度和批判性，他没有给出简单的对错判断，而是抛出了一系列引人深思的问题，迫使读者去构建自己的立场。这让整本书的厚度远远超出了“制作指南”的范畴，更像是一部关于媒介社会学和艺术哲学的入门读物。

我从这本书中感受到的，是一种对“职业精神”的崇高敬意。它不仅仅停留在告诉我们“做什么”，更深层次地，是在塑造我们“如何成为一个合格的电视人”的职业观。在关于“制片管理”的章节中，作者详述了项目从概念孵化到最终播出的复杂协调过程，他没有回避项目延期、预算超支或团队冲突这些令人头疼的现实问题，反而提供了一套近乎哲学层面的应对策略，即如何在创意激情与商业现实之间找到可持续的平衡点。读到那些关于“首次合作”和“处理突发状况”的段落时，我感觉自己像是在旁听一次高层会议，充满了对行业潜规则和人际动态的深刻洞察。这本书没有提供速成的秘诀，而是强调了耐心、尊重流程和对细节的永不妥协。它塑造了一种对媒介媒介的敬畏感，让我明白，每一次成功的播出背后，都凝聚着无数专业人士的汗水与智慧。这绝非一本能在一夜之间速成的书，它需要时间去沉淀，去实践，并随着你职业生涯的推进，不断地被重新发现和理解。

这本书的封面设计简直是艺术品，那种复古的色调和细致的排版，一下子就抓住了我的眼球。我是在一家独立书店偶然发现它的，当时就被它散发出的那种“经典”气质所吸引。拿到手里，那种厚重感和纸张的质感都让人爱不释手，翻开扉页，你会发现作者对于视觉美学的理解已经超越了简单的“指导”，更像是一种对媒介艺术的深情致敬。书中的插图，尤其是那些早期电视机和演播室的黑白照片，简直就是一部视觉编年史，让人仿佛穿越回了那个技术初生，充满魔力的年代。我特别喜欢它在探讨技术发展时所保持的那种冷静而又不失热情的笔触，它没有一味地吹捧新事物，而是用一种近乎怀旧的口吻，细致描绘了每一次技术迭代背后的人文关怀和行业挣扎。读完前几章，我感觉自己不仅仅是在学习“如何制作电视”，而是在理解“电视是如何成为我们文化的一部分”的整个复杂过程。它不像那些冰冷的教科书，更像是经验丰富的老前辈在茶余饭后，用最真诚的语气分享他多年积累的行业秘密和对光影艺术的独特见解，让人受益匪浅，那种沉浸式的阅读体验，是现在很多快餐式读物无法比拟的。

这本书最让我感到惊喜的，是它对于“声音设计”在电视媒介中角色的论述。坦白讲，很多关于影视制作的书籍，往往将视觉艺术置于绝对的中心，声音常常被视为次要的陪衬。但这位作者却用专门的篇幅，以近乎偏执的细致，剖析了环境音、对白混音、乃至背景音乐如何潜移默化地塑造观众的情绪和对画面的解读。他通过一系列对比实验的描述（虽然是文字描述，但画面感极强），展示了同一段画面，仅仅改变背景噪音的比例，其传达的紧张感可以产生天壤之别。这让我意识到，我们日常观看电视时，对声音的感知是多么的本能而又复杂。书中对于“声音场景的层次构建”部分，简直是为现场录音师和后期混音师准备的宝典，那些关于动态范围压缩和频率均衡的讨论，虽然技术性很强，但作者的讲解方式，使得即使是非专业出身的我，也能领会到其背后的艺术逻辑。这本“电视手册”，实际上是一部关于“全方位感官叙事”的深度指南。

我必须说，这本书的行文风格极其鲜明，带着一股老派英式幽默的克制与精准。它不是那种为了迎合初学者而刻意降低门槛的“小白读物”，相反，它对读者的知识背景有一定的预设，或者说，它要求读者愿意投入心力去消化那些需要反复咀嚼的专业术语和复杂的行业背景。我尤其欣赏作者在阐述“镜头语言”那几页时的那种精准措辞，他用词考究，每一个形容词和动词的选择都仿佛经过了千锤百炼，没有一丝多余的赘肉。例如，他描述特写镜头时所用的那个比喻，精准地捕捉到了那种拉近与观众心理距离的微妙效果，让我瞬间对这个常用的技巧有了全新的认识。这本书的知识密度高得惊人，我建议任何想认真对待这门手艺的人，都应该准备好大量的笔记本和荧光笔，因为你很难找到一页是能让你轻松翻过去的。它更像是在和你进行一场严肃的学术对话，要求你全神贯注，回报你的则是真正扎实的理论根基，而不是那些浮于表面的花架子技巧。