The New Radical Theatre Notebook

出版者:Hal Leonard Corp

作者:Sainer, Arthur

页数:496

价格:$ 22.54

装帧:Pap

isbn号码:9781557831682

具体描述

This book traces three tumultuous decades of avant-garde theatre in the U.S. It begins with the Living Theatre, and explores diverse ensembles such as The Open Theatre, The Performance Group, and Bread and Puppet Theatre. It also looks at the women's theatre movement, and examines the work of Robert Wilson, Meredith Monk, Richard Foreman and more. There are sections devoted to ritual concepts, theatre in the streets, radical participation of the spectator, workshops in prisons, spectacles such as the Greenwich Village Halloween Parade, and much more. This giant colloquium involves the people who changed the face of theatre from the '60s onward. Filled with photos, drawings, private notes and fliers, it is part ongoing history, part document, part journal, part complaint and part blessing.

用户评价

不得不承认，这本书的阅读体验是极其碎片化且充满挑战性的。它不像一本结构严谨的教科书，更像是一部充满了笔记、手稿摘录、以及作者在不同时期激情迸发的思维火花的集合体。如果你期待的是一个清晰的“从A到Z”的理论路径，那你可能会感到迷失。然而，正是这种不确定性，让它充满了实验精神。我在阅读过程中，感觉自己像是在跟随一个极其聪明但思维跳跃的导师进行一场不设防的对话，他随时可能从对布莱希特的讨论跳跃到对后互联网时代身份政治的反思。书中对于“身体作为政治武器”的论述尤其令人震撼，它没有停留在抽象的哲学层面，而是通过大量引人入胜的案例分析，展示了在特定社会语境下，一个简单的身体姿态如何能瞬间瓦解权力的合法性。我特别喜欢作者在探讨媒介与剧场关系时，那种略带悲观但又充满洞察力的笔触，他似乎在预言，在数字化浪潮的冲击下，剧场的物理性究竟该如何自处。这本书需要你随时做好准备，接受挑战，甚至需要你时不时停下来，自己去进行一些小小的现场实验，才能真正跟上作者那近乎狂奔的思路。

这本书以一种近乎哲学思辨的方式，探讨了剧场与社会权力结构之间的复杂共谋与反抗。它超越了单纯的艺术批评，触及了本体论的层面：剧场，作为一种人类集体经验的场所，它的存在本身是否就已经成为了一种意识形态的工具？作者对“真实”在舞台上的祛魅过程进行了深刻的描绘，他认为我们追求的不再是模仿现实的幻觉，而是暴露现实本身是如何被建构和操纵的。这种冷静的、近乎人类学家般的审视，使得全书的论调既充满了理论的深度，又具有强烈的现实关怀。在探讨剧场如何应对全球化和信息爆炸带来的意义危机时，作者并没有给出轻松的答案，反而提出了更多更尖锐的问题，迫使读者——无论是创作者还是观众——去直面自身的无力和责任。我必须说，读完这本书，你很难再以同样的方式观看任何一场演出，它彻底改变了你对“表演”这个词的定义，将其从一种娱乐形式提升到了一种至关重要的社会行动。

从技术层面上讲，这本书对于那些渴望打破现有创作边界的实践者来说，简直是淘金地。它没有过多地纠缠于如何写出一个结构完整的剧本，而是将焦点完全放在了“生成”的动力学上。作者提供了一系列近乎“禁忌”的创作指令，这些指令挑战了我们对剧场制作流程的固有认知，比如强迫演员在完全失控的状态下进行创作，或者要求设计者将技术故障视为一种必要的叙事元素。书中对于“偶然性在剧场中的合法地位”的辩护，让我对排练室里的那些“失误”有了全新的认识——它们不再是需要被修正的错误，而是等待被解放的能量。我发现自己不断地停下来，不是因为理解不了，而是因为被那种激进的解放感所震撼，迫使我去审视自己过去所有创作中的“安全区”。这本书的价值不在于它提供了多少可复制的公式，而在于它为你提供了一把钥匙，去开启你自身创作中那些被束缚住的、最原始的冲动。

这本书的文字风格有一种令人着迷的粗粝感和诗意。它不仅仅在谈论戏剧，它本身就在进行一场语言上的实验。作者似乎拒绝使用任何陈词滥调，每一个句子都被精心地雕琢，充满了节奏感和内在的张力。当我读到关于“非线性时间性”在舞台上如何被激活的章节时，我几乎能听到作者在耳边低语，试图引导我进入一种完全不同于日常逻辑的感知状态。这种叙事方式成功地模仿了它所探讨的主题——混乱、即兴、以及对清晰定义的拒绝。书中对“美学疲劳”的剖析尤其到位，它直指当代艺术创作的痛点：我们如何才能在充斥着廉价符号和快速消费的时代，创造出真正具有持久冲击力的作品？作者提供的路径不是回归传统，而是更深地潜入不适感和对立统一之中。这本书不适合在安静的图书馆里完成，它最好是在深夜，伴随着一些尖锐的噪音或者强烈的视觉刺激下阅读，因为它的核心目的就是要打破环境的舒适区。

这本书简直是场思想上的海啸！我本来以为它会是一本枯燥的理论汇编，没想到翻开第一页，就被作者那种近乎挑衅的、对既有艺术范式的解构彻底吸引住了。它不像其他戏剧理论书籍那样高高在上地指点江山，反而更像一位经验丰富、同时又带着一股叛逆劲儿的剧场老兵，直接把你拽到幕布后面，告诉你那些光鲜亮丽的演出背后，究竟有多少陈规陋习需要被彻底砸碎。书里对传统叙事结构的批判锋利无比，尤其是在探讨“观众在场性”这一点上，作者提出了几个我从未想过的角度，比如将观众的沉默视为一种积极的、具有颠覆性的表演行为。那种将剧场空间视为一个充满不确定性和潜在暴力的场域的视角，让人读完后对任何一场即将观看的演出都充满了警惕与期待。我尤其欣赏作者在处理那些边缘化的、被主流艺术史遗忘的实践时所展现出的那种近乎野性的热情，仿佛在为那些被压抑的声音争取一个重新发声的出口。读完后，我立刻想去后台，想去那些非传统空间，重新审视每一个灯光变化、每一个演员的呼吸，仿佛世界观被重新校准过了一样。这本书不是用来学习的，它是用来点燃革命的。