浪漫派的艺术

出版者:商务印书馆

作者:[法]夏尔·波德莱尔

页数:362

译者:郭宏安

出版时间:2018-8

价格:69.00

装帧:精装

isbn号码:9787100158350

丛书系列:波德莱尔作品

具体描述

《浪漫派的艺术》收录了波德莱尔针对当时的文学、诗歌、音乐所发表的许多重要评论性文章。波德莱尔在书中阐述了自己对诗歌、文学和同时代作品的观点和看法，并对一些文学家进行了辛辣、直率的批判，是研究波德莱尔文学、审美理念以及19世纪文学、诗歌的重要资料。

作者简介

夏尔·波德莱尔（Charles Baudelaire，1821－1867），法国19世纪著名现代派诗人，象征派诗歌先驱。

◎美国诗人艾略特称他是“所有诗人的楷模”；

◎英国诗人兰波认为他是“慧眼者，诗人之王”和“真正的上帝”；

◎日本作家芥川龙之介曾说“人生还不如波德莱尔的一行诗”；

◎中国剧作家田汉更表示，“欲为大乘的艺术家，诚不可不借波陀雷尔（波德莱尔）的魔恶之剑，一斩心中执着”。

郭宏安，1943年生，1966年毕业于北京大学，1975-1977年在瑞士日内瓦大学留学，1981年毕业于中国社会科学院研究生院，获硕士学位。中国社会科学院荣誉学部委员，外国文学研究所研究员，博士生导师。学术方向为法国文学及批评理论，在理论研究的同时进行翻译，译有《墓中回忆录》、《红与黑》、《恶之花》、《人造天堂》、《加缪文集》（三卷本，其中包括《局外人》、《堕落》）、《批评意识》、《反现代派》等多种著作，其中《加缪文集》获2012年“傅雷”翻译出版奖。著作有《论〈恶之花〉》、《论波德莱尔》、《从阅读到批评》、《从蒙田到加缪》、《第十位缪斯》、《阳光与阴影的交织》等

用户评价

《浪漫派的艺术》这本书，在我心中占据了一个非常特殊的位置，它不仅仅是一本介绍艺术的书，更像是一场灵魂的探索之旅。作者的文字充满了感染力，她能够将那些看似遥远的艺术作品，与我们当下的情感和体验连接起来。书中的情感描写尤为动人，无论是艺术家们对爱、对失落、对自由的追寻，还是他们面对社会不公时的愤怒与抗争，都通过作者细腻的笔触得到了淋漓尽致的展现。我尤其喜欢书中对音乐家肖邦的描述，不仅仅是他的音乐有多么优美，更是他如何在异国他乡思念故土，如何将这份浓烈的乡愁融入到他的作品之中，那种深沉的情感让我深受触动。作者也强调了想象力在浪漫主义艺术中的重要地位，她分析了艺术家们如何通过想象力，超越现实的束缚，创造出更加宏大、神秘和充满力量的世界。这种对精神世界的探索，以及对个体情感的尊重，正是浪漫主义艺术最核心的魅力所在，而这本书也正是将这种魅力展现得淋漓尽致。

我常常在想，艺术究竟是如何与时代同频共振的，而《浪漫派的艺术》则给了我一个非常直观且深刻的答案。这本书并没有停留在对艺术风格的表面描述，而是巧妙地将艺术创作置于更广阔的历史和社会语境中进行考察。作者非常擅长在宏观层面把握时代的脉搏，然后将这种时代精神细致地体现在具体的艺术作品和艺术家身上。读到关于歌德的作品时，我深刻体会到了“狂飙突进”运动所带来的那种蓬勃的生命力和对个体情感的极致张扬，而这种精神是如何在绘画、音乐、文学等不同艺术门类中得到体现，作者都进行了精彩的阐述。她不仅分析了艺术家们如何受到启蒙运动思想的影响，也探讨了他们如何反思理性主义，转而强调直觉、情感和想象力。例如，书中对华兹华斯诗歌的解读，让我感受到了他对大自然的敬畏和对平凡生活中美好事物的珍视，这种对内心世界的深入挖掘，与同时期其他艺术家们对宏大叙事和个人英雄主义的追求形成了有趣的对比。通过对不同艺术家之间创作理念的比较和碰撞，作者展现了浪漫主义艺术内部的丰富性和多样性，也让我更加清晰地认识到，艺术从来都不是孤立存在的，它始终与人类的经验、情感和社会变革紧密相连。

《浪漫派的艺术》让我意识到，艺术史的学习，不应该仅仅是对知识点的记忆，而更应该是一种对过往时代的感受和体验。作者的叙事方式非常独特，她能够将那些抽象的艺术概念，通过生动的例子和引人入胜的故事，变得鲜活起来。书中对文学作品的分析也同样精彩，例如，她对拜伦的诗歌解读，不仅仅是分析了其叛逆的精神和对社会的反抗，更着重于他如何将个人情感融入到诗歌创作中，从而成为一位浪漫主义的代表人物。她也探讨了文学在浪漫主义时期如何作为一种重要的艺术形式，去探索人类的情感、社会问题以及哲学思考。这种跨领域的艺术分析，让我在阅读过程中，能够更全面、更深入地理解浪漫主义艺术的内涵。

我一直认为，艺术应该是能够触动人心的，它应该能够引起共鸣，并且能够激发我们的思考。《浪漫派的艺术》这本书，无疑做到了这一点。作者在叙述过程中，并没有刻意去避免那些情感化的表达，反而将艺术家们的情感世界，他们对生活的热爱，对自由的向往，对美的追求，展现得淋漓尽致。书中对音乐家舒伯特的描绘，让我感受到了他如诗般优美的旋律背后，隐藏着一颗敏感而忧郁的心灵，以及他对生命的热忱和对友谊的珍视。她也探讨了音乐如何在浪漫主义时期成为表达纯粹情感的媒介，并且是如何与文学、绘画等其他艺术形式相互影响、相互促进的。这种对艺术的“感性”理解，让我觉得这本书不仅适合艺术爱好者，也适合所有对生活充满热情、对情感有着深刻体验的人。

这本书的出现，无疑是我近期阅读体验中最令人惊喜的一股清流。我一直对艺术史有着浓厚的兴趣，但往往在翻阅那些厚重的学术专著时，会因为晦涩的语言和过于学术化的论证而望而却步。然而，《浪漫派的艺术》却成功地将我带入了一个充满激情、个人情感和反叛精神的艺术世界。作者的叙事方式非常生动，仿佛是一位资深的艺术导览员，在细致地描绘每一幅画作、每一件雕塑时，都融入了自己深刻的理解和独到的见解。她并没有简单地罗列艺术家及其作品，而是深入挖掘了那个时代独特的历史背景、社会思潮以及艺术家们内心的挣扎与追求。读这本书，我不仅看到了那些令人惊叹的艺术品，更仿佛听到了艺术家们在创作时内心的呐喊与低语。比如，书中对德拉克洛瓦《自由引导人民》的解读，远不止于对其宏大场面和象征意义的分析，更着重于描绘了当时法国人民对自由的渴望，以及艺术家个人对革命的复杂情感。通过对色彩运用、构图布局、光影处理等细节的深入剖析，作者让我看到了艺术品背后隐藏的巨大能量和深邃的意义。她笔下的艺术家，不再是遥不可及的圣坛上的神祇，而是有血有肉、有爱有恨的个体，他们的创作既是对时代的回应，也是对内心世界的探索。这种贴近性和人文关怀，让我在阅读过程中产生了强烈的共鸣，仿佛与作者一同穿越时空，置身于那个波澜壮阔的艺术时代。

很少有书能让我如此沉浸其中，仿佛时间停滞，我与书中的人物、作品一同呼吸。 《浪漫派的艺术》就是这样一本具有魔力的书。作者的文字如同一股温暖的溪流，缓缓流淌过我的心田，带来的是对艺术的更深层次的理解和感悟。她笔下的艺术家，无论是坚毅执着的，还是浪漫多情的，都充满了鲜活的生命力。例如，书中对雕塑家卡诺瓦的描绘，不仅仅是展现了他如何精湛地运用大理石塑造出柔美的女性形象，更是深入挖掘了他作为一位新古典主义向浪漫主义过渡时期的艺术家，如何在传统与创新之间寻求平衡，以及他对于美的定义和追求。作者也探讨了浪漫主义艺术家们如何看待个人的创造力和权威，以及他们如何挑战既有的艺术规则，从而开创新的艺术道路。这种对艺术创造过程的深入剖析，让我对艺术家的工作有了更深的敬意。

对于我这样一个非科班出身的艺术爱好者来说，《浪漫派的艺术》提供了一种前所未有的阅读体验。作者的文字功底十分深厚，但又避免了过于枯燥的学术术语，她善于运用生动形象的比喻和引人入胜的叙事，将复杂的艺术理论和历史背景转化为易于理解和欣赏的内容。在阅读过程中，我仿佛置身于一个充满魅力的艺术沙龙，与作者一起，与那些伟大的艺术家们进行着跨越时空的对话。书中的每一章都像是一次精心策划的展览，有重点的介绍和深入的分析，让我能够在一个相对完整的框架下，去理解浪漫主义艺术的形成、发展和演变。特别是关于音乐部分，作者对贝多芬的论述，不仅仅是对其音乐作品的赞美，更是对其人生经历、性格特质以及创作理念的深入挖掘，让我对这位音乐巨匠有了更深层次的认识。她也探讨了音乐如何在浪漫主义时期摆脱古典主义的束缚，成为表达情感和激情的强大媒介。作者的洞察力体现在她能够发现那些隐藏在艺术作品背后的细节，并且将这些细节与艺术家的个人经历、时代背景巧妙地联系起来，从而构建出更加立体和丰满的艺术图景。

我一直对艺术史的宏大叙事感到有些困惑，因为历史的洪流中，个体艺术家的声音往往会被淹没。然而，《浪漫派的艺术》却成功地将焦点拉回到了艺术家本身，以及他们如何用自己的作品去回应时代、表达自我。作者在处理不同艺术家之间的关系时，展现了极高的专业性和敏锐度，她能够清晰地辨别出他们之间的联系和区别，并且能够指出他们是如何在相互启发和竞争中共同推动了艺术的发展。比如，书中对画家透纳的解读，不仅仅是分析了他如何运用光影和色彩来表现大自然的壮丽，更着重于他如何通过这种方式来表达他对自然的敬畏和对人类在自然面前渺小的思考。她也探讨了透纳如何挑战传统的绘画技法，从而为后来的印象派艺术奠定了基础。作者的叙事结构也非常清晰，她并没有简单地按照时间顺序来推进，而是根据艺术流派、主题或者艺术家之间的关联来组织内容，这使得阅读过程更加流畅和引人入胜。

这本书带给我的，是一种全新的视角去理解艺术。我以往阅读艺术史，往往过于关注作品的风格特点和技法，却忽略了艺术背后更深层次的人文关怀和精神内涵。《浪漫派的艺术》则恰恰填补了这一空白。作者在分析每一件艺术品时，都不仅仅是停留在对其形式美的赞叹，而是深入挖掘了艺术品所承载的情感、思想和时代印记。书中的哲学思考也让我印象深刻，比如，她对于“崇高”这一概念的探讨，以及浪漫主义艺术家们如何通过艺术来追求超越日常经验的精神境界，都让我受益匪浅。她也探讨了浪漫主义艺术家们如何看待个人与社会、理想与现实之间的张力，并且是如何通过他们的作品来表达这种张力的。这种对艺术本质的追问，以及对艺术家内心世界的探索，让这本书不仅仅具有学术价值，更具有深刻的启迪意义。

我一直渴望找到一本能够真正引领我走进艺术世界的书，而不是简单地堆砌信息。《浪漫派的艺术》做到了这一点。作者的文字充满了热情和洞察力，她能够用最贴切的语言，描绘出那些伟大的艺术作品所蕴含的深意。我尤其喜欢书中关于建筑艺术的论述，她不仅仅介绍了那些宏伟的哥特式建筑，更着重于它们是如何体现了浪漫主义时期对历史、对宗教、对神秘主义的向往。她也探讨了建筑如何通过其形式、材料和空间来表达时代精神和艺术家们的创作理念。这种对不同艺术门类的全面覆盖，以及对艺术之间联系的深入挖掘，让我对浪漫主义艺术有了更加立体和完整的认识。总而言之，这本书的出现，对于我来说，是一次难得的艺术启蒙，它激发了我对艺术更深层次的探索欲望。

许多伟大的作家同时也是伟大的批评家。什么是诗？什么是诗的目的？就是把善同美区别开来，发掘恶中之美，让节奏和韵脚符合人对单调、匀称、惊奇等永恒的需要，让风格适应主题，灵感的虚荣和危险等等。诗的这种命运何等伟大！不管快乐还是悲伤，它身上总是带着乌托邦的神圣品格。它总是反驳现存的事实，否则它将不复存在。在牢房中，它成为反抗；在医院的窗口，它是病愈的热烈的希望；在颓败肮脏的亭子间里，它打扮成华贵高雅的仙女。它不仅确认事实，它还纠正谬误，它到处都在否定不平。歌唱着走向未来吧，身负天意的诗人，你的歌是希望移印出来的闪光的图画，是人民的信念。这些冥思苦想的、写得用力且痛苦的作品包含着产生作品的意志的永远鲜活的趣味。它们包含着最高的文学美，即力。有这种最高的、决定性的美，有行动、语言和目光中的那种强烈。

近日床畔之物，回到18、19世纪的法国

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论戈蒂耶、坡和对同代人的思考几篇可精读，多篇草稿性质的文章可速读。道理其实很简单，诗人的批评都是诗人自己的诗学观点，但波德莱尔敏锐的直觉和超越道德观念的勇气，让那些华丽的语言既没有沦为平庸的教化，也没有流于空洞的表面。“正是由于诗，同时也通过诗，由于音乐，同时也通过音乐，灵魂窥见了坟墓后面的光辉；一首美妙的诗使人热泪盈眶，这眼泪并非极度快乐的证据，而是表明了一种发怒的忧郁，一种精神的请求，一种在不完美之中流徙的天性，它想立即在地上获得被揭示出来的天堂。”