具体描述
《趣味钢琴技巧1(修订版.预备级)》是《趣味钢琴技巧》之一。由美国的赫尔契伯格编选的这套钢琴教材，精选了车尔尼、布格缪勒、罗施霍恩等著名作曲家的经典钢琴小品，以其趣味盎然的分级渐进式学习方法闻名于世。国际知名钢琴演奏家、“中国钢琴教育之母”周广仁教授亲自为本教材校正指法；桃李满天下的老一代钢琴教育家凌思扬教授对所选曲目的弹奏技巧作了画龙点睛的指导，从而使这套《趣味钢琴技巧》成为目前国内当之无愧的权威钢琴教材。
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读后感
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用户评价
这本关于音乐理论的教材，虽然内容详实，但对于初学者来说，它的结构实在有些过于学术化了。书中的和声学章节，讲解得一丝不苟，每一个转调、每一个功能和弦的变化都用严密的逻辑推导了出来，仿佛在进行一场数学证明。我记得光是那个关于弗里吉亚调式中升二级音如何影响色彩的论述，就占了整整三页的篇幅，配上了密密麻麻的五线谱例子。对于那些只想弹一些流行歌曲的和弦伴奏的人来说，这些深度知识未免有些杀鸡用牛刀了。而且，作者似乎过于依赖古典乐的范例，书中引用的贝多芬奏鸣曲和巴赫赋格的例子，虽然具有里程碑意义，但对于渴望快速上手、想知道流行音乐中那些“酷炫”和弦是怎么构成的读者来说，实用性大打折扣。书中的排版也略显陈旧，大段的文字堆砌在一起，缺乏清晰的图示引导，让人在学习过程中很容易感到枯燥和迷失方向。如果这本书能加入更多现代音乐的分析，或者用更直观的图表来解释复杂的理论概念，我想它的接受度会高出不少。总而言之，这是一本为准音乐学院学生量身定做的参考书，而非面向大众普及的音乐读物。
评分坦白说，这本关于管弦乐配器的书籍，其深度是令人敬畏的，但其广度却让我感到一丝无力。它就像一个百科全书式的数据库，详细罗列了每一种乐器——从降E调单簧管到低音提琴的特殊调音法——的音域极限和最适合的演奏力度。作者对铜管组的讲解尤其细致，关于圆号在不同把位上音色的微妙差异，他能写出好几页的对比分析，甚至连不同品牌制造的号嘴对音色的影响都有所提及。这种对细节的偏执追求，无疑成就了它作为一本专业参考书的地位。但问题是，对于一个主要进行电子音乐制作的创作者而言，我需要知道的是“在数字音频工作站中如何模拟出圆号的温暖感”，而不是如何去指挥一个真实的交响乐团。书中几乎没有提及MIDI、采样技术或者VST插件的使用技巧，所有的配器方案都基于传统的录音室环境和乐队配置。因此，它提供的知识虽然扎实，却像是一台结构精密的蒸汽机，而我需要的，却是一辆电动车。我希望找到的是如何高效地使用现代工具来模仿管弦乐的效果，这本书显然没能触及这个领域。
评分我一直对音乐史和文化背景很感兴趣，所以特意找了这本所谓的“西方音乐发展史”。然而，这本书的叙事视角极其单一，它几乎将所有焦点都放在了“德奥”音乐传统上。从文艺复兴早期的复调音乐到浪漫主义晚期的民族乐派兴起，每一章的论述都紧紧围绕着维也纳和柏林等地的重要人物和事件展开。例如，书中花了巨大的篇幅来分析勃拉姆斯和瓦格纳的论战，以及他们对后世和声发展的影响，但对于同时期在法国、俄罗斯乃至美国正在发生的音乐变革，却只是寥寥数语带过，仿佛那些都不是“正统”的发展。我本来很期待能读到一些关于拉威尔的配器创新，或者德彪西印象主义美学的深入探讨，但这些内容在全书中都显得边缘化。这本书更像是一部聚焦于中欧的音乐发展编年史，而非一部全球性的、多元视角的音乐史。它提供的知识是毋庸置疑的，但其历史观的局限性，让它在试图理解二十世纪音乐多样性的背景下，显得有些狭隘和片面了。
评分购买这本乐理书籍的初衷，是想系统地学习一些高级的作曲技巧，尤其是关于现代节奏和复调结构的知识。这本书的结构设计非常强调“独立声部的织体”，它深入探讨了巴赫之后，特别是二十世纪早期作曲家如何打破传统的主音性思维，去构建复杂的、互相交织的声部关系。书中有大量关于“非功能性和声”的例子，比如如何使用无调性写作，或者如何构建具有内在逻辑的序列音乐。理论推导非常严密，数学模型也用得炉火纯青。然而，对于我实际的创作需求——比如我希望写出一些具有强劲驱动力和现代律动感的音乐——这本书提供的指导却显得过于抽象和晦涩。它教会了我如何解构已有的复杂织体，却没有告诉我如何从零开始，创造出具有生命力的、能让人身体产生共鸣的节奏型。它更像是一个“分析大师的解剖工具箱”，而不是一个“创作者的灵感激发站”。读完后，我感觉自己对复杂的复调结构有了更深的理解，但在实际动笔时，面对空白的乐谱，我依然感到迷茫，因为书中缺乏将这些高深理论转化为可操作的、富有情感表达的实践步骤。
评分我最近在尝试学习如何为自己的诗歌谱曲，因此买了好几本关于旋律创作的书籍。这本声乐写作指南，内容主要集中在十九世纪意大利歌剧的旋律线条分析上，简直是为美声爱好者准备的“圣经”。书中花了大量篇幅去探讨“乐句的呼吸点”和“元音对高音处理的技巧”，比如某个特定元音在高音区如何能够更自然地穿透乐队，这些细节分析得极其精妙。然而，对于我这种希望用简单的、对话式的旋律来烘托现代诗歌意境的人来说，这本书里的范例显得过于宏大和戏剧化了。它的术语也相当专业，什么“反向对位”、“和弦外音的严格处理”，对于一个自学成才的业余作者来说，理解起来需要耗费巨大的精力去查阅字典。我期待的是能找到一些关于如何将口语化的节奏融入旋律的技巧，或者一些关于如何使用不和谐音来营造紧张氛围的实用建议，但这本书几乎完全避开了这些“非学院派”的讨论。它更像是一份详尽的、关于如何完美演绎威尔第咏叹调的教科书，而不是一本激发自由创作灵感的工具书。读完后我只觉得自己的肩膀上扛起了歌剧巨人的肩膀，却不知该如何迈出自己的第一步。
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