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出版者:

作者:Hogan, Anne 编

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2009-10

价格:$ 50.85

装帧:

isbn号码:9780955296390

丛书系列:

图书标签:

芭蕾
舞蹈
乔治·巴兰钦
现代芭蕾
编舞
艺术
文化
历史
人物传记
20世纪艺术

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具体描述

George Balanchine (1904-1983) is one of the past century's greatest choreographers, and (along with Lincoln Kirstein) the man most responsible for creating ballet culture in America, in his roles as founder of the School of American Ballet and cofounder and balletmaster of the New York City Ballet. In a career spanning more than six decades and three continents, and with more than 400 dance works to his name, Balanchine towers over the field with his repertory of masterpieces such as "Apollo," "Serenade," "The Four Temperaments," "Agon," "Jewels," his work in film, musical and opera, and also with the legacy of his teaching. In "Balanchine Then and Now," leading dancers, choreographers, company directors, critics and academics assess Balanchine's multi-faceted legacy and his relevance to dance today, through essays, reminiscences and interviews. These contributors include Richard Alston, Toni D'Amelio, Dominique Delouche, Nanette Glushak, Stephanie Jordan, Anna Kisselgoff, Giannandrea Poesio, Francia Russell, Tim Scholl, Suki Schorer, Violette Verdy and Robert Wilson, each of whom adds a new angle to how we see Balanchine today. "Balanchine Then and Now" is illustrated with numerous previously unpublished and very beautifully reproduced images of the master at work, and of his dances. It ranks as one of the essential books on ballet.

《Balanchine：舞动的几何与创新的灵魂》序言：打破框架，重塑芭蕾的现代图景乔治·巴兰钦（George Balanchine），这个名字本身就如同跳跃的音符，在二十世纪的芭蕾世界投下了一道长长的、闪耀着智慧与革新的光芒。他不是一个循规蹈矩的传教士，而是一位大胆的建筑师，一位用身体语言和音乐情感构建全新殿堂的鬼才。他的作品，至今依然是全球顶尖芭团的保留剧目，其影响早已超越了芭蕾本身的界限，渗透进现代舞、舞台艺术乃至视觉文化。然而，巴兰钦的魅力，绝非仅仅停留在那些令人目眩神迷的舞步和精妙绝伦的编排。他是一位具有深刻哲学思考的艺术家，一位将古典芭蕾的严谨与现代社会的脉搏完美融合的先驱，更是一位以独特视角解读音乐、发掘舞者潜能的灵魂导师。本书并非对某一本特定著作的详尽解读，也不是对巴兰钦某部作品的孤立分析。相反，它旨在勾勒出巴兰钦这位艺术巨匠的宏大版图，深入剖析他革新性的创作理念，展现他如何以一种近乎“祛魅”的方式，让芭蕾卸下沉重的历史包袱，重新焕发出生机与活力。我们将从他独特的“音乐性”美学出发，探寻他如何将视觉的音乐化、听觉的具象化推向极致；我们将追随他“为音乐而舞”的创作轨迹，理解他如何超越叙事，纯粹地用身体的逻辑与生命的律动来回应音符的呼唤；我们还将审视他如何以一种近乎“解构”的方式，打破古典芭蕾既有的程式和主题，创造出属于他自己时代的、简洁而又充满张力的舞蹈语言。巴兰钦的艺术，是一种高度理性与极致感性的结合。他对待音乐如同对待一幅展开的蓝图，每一个音符，每一个乐句，都蕴含着丰富的舞蹈可能性，等待着他用身体去描绘。他不是将音乐作为背景，而是将其视为创作的骨架与灵魂。因此，他的作品往往具有一种令人惊叹的纯粹性，一种直击人心的力量。同时，他又以一种无比敏锐的触角，捕捉着现代生活的节奏与精神。他将都市的脉动、工业的效率、甚至科学的精确性融入舞蹈，让芭蕾不再是遥不可及的贵族艺术，而是与时代同呼吸共命运的鲜活生命。本书还将深入探讨巴兰钦的“学院派”传承与“创新派”突破。他深谙古典芭蕾的精髓，对玛丽乌斯·彼季帕（Marius Petipa）的经典有着深刻的理解，但他从不满足于此。他像一个经验丰富的炼金术士，将古典的珍贵元素与现代的创新思潮加以融合，提炼出一种独一无二的、属于“巴兰钦风格”的舞蹈语汇。这种风格，既保留了芭蕾的优雅与精准，又注入了前所未有的速度、动态与空间感。他的作品，仿佛一场场精密的数学计算，又如同一次次即兴的灵魂释放，在严谨与自由之间找到了令人惊叹的平衡。更重要的是，巴兰钦不仅仅是一位编舞家，他更是一位伟大的“发现者”和“塑造者”。他拥有发现舞者独特天赋的慧眼，并将他们打造成他舞蹈世界的完美载体。他从不拘泥于传统的体型或美貌标准，而是寻找那些拥有独特气质、卓越技术以及能够理解他音乐性表达的舞者。他与他们一起，将他的舞蹈理念付诸实践，将冰冷的剧场变成了流动的艺术殿堂。他所创造的“巴兰钦舞者”，成为了芭蕾史上不可磨灭的印记。因此，本书试图呈现的，是一个多维度、立体化的巴兰钦。他是一位跨越国界、融合东西方艺术传统的集大成者；他是一位敢于挑战权威、引领芭蕾进入现代主义新纪元的革命者；他是一位以音乐为灵感，以身体为笔触，创作出无数不朽杰作的伟大艺术家。我们将通过对他的生平、创作理念、关键作品以及他对芭蕾发展产生的深远影响的梳理，力求为读者呈现一个更加丰富、更加深刻、更加人性化的巴兰钦。这并非对某个特定版本的解读，而是对这位巨匠艺术遗产的广阔探索，一次对芭蕾艺术无限可能性的致敬。第一章：音乐的舞者——巴兰钦的“为音乐而舞”美学在乔治·巴兰钦的艺术宇宙中，音乐并非附属，而是核心。他将芭蕾的创作视为对音乐的直观、纯粹的视觉化呈现。本章将深入剖析他“为音乐而舞”这一核心创作理念，揭示其如何摆脱叙事的束缚，以一种近乎抽象的方式，将音乐的结构、情绪、节奏和旋律转化为肢体的律动与空间的组合。巴兰钦对音乐的理解，远超乎寻常的听觉体验。他能从音乐中“看见”舞蹈，从音符的起伏中捕捉到身体的轨迹，从乐句的连接中寻觅到动作的逻辑。他并非简单地为音乐配上舞蹈，而是让舞蹈成为音乐的有机延伸，甚至是一种平行存在的、同等重要的艺术表达。他常常形容自己是音乐的“译者”，将听觉的语言转化为视觉的诗篇。本章将聚焦于巴兰钦如何处理不同音乐家的作品。从斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）那充满原始力量与复杂节奏的乐曲，到莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）那晶莹剔透、充满古典韵味的旋律，再到柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）那宏大而抒情的篇章，巴兰钦总能找到与音乐内在精神契合的舞蹈语汇。他不会强行将不适合的叙事套入音乐，而是让音乐本身引导舞蹈的走向。例如，在处理斯特拉文斯基的《阿波罗》（Apollo）时，他没有赋予角色过多的戏剧性任务，而是将重点放在音乐结构本身所蕴含的对称性、比例感和神圣感，通过简洁而精准的动作，展现出一种古典的庄严与现代的活力。我们将探讨巴兰钦如何运用音乐的“停顿”与“休止”。在他看来，这些看似“空白”的时刻，恰恰是舞蹈得以呼吸、得以积蓄力量的关键。他能够通过精准的身体定格、微妙的面部表情，甚至是舞台上其他元素（如灯光、服装）的配合，将音乐中的静默转化为充满张力的视觉画面，让观众在静止中感受到涌动的能量。此外，本章还将分析巴兰钦在处理复杂音乐结构时的独到之处。他善于捕捉音乐中的对位、赋格等技法，并将其转化为多个舞者之间错综复杂的互动关系。他能够创造出如同音乐和声般和谐的群舞场面，也能在音乐的某个声部孤立出现时，将某个舞者的独舞推向聚光灯下。这种对音乐结构的视觉化处理，使得他的作品具有了数学般的精确与建筑般的美感。第二章：舞动的几何——巴兰钦的空间与形式探索乔治·巴兰钦是芭蕾的建筑师，他以其独特的空间感和对形式的极致追求，重塑了舞台的视觉语言。本章将深入探讨巴兰钦在空间运用、构图安排以及身体形式探索方面的创新，解析其作品中“舞动的几何”美学。巴兰钦对舞台空间的运用，与其说是在填充，不如说是在“雕刻”。他能够以一种近乎自由的方式，在舞台上创造出无限的可能性。他常常打破传统的对称式构图，运用不对称、斜线、甚至是“留白”来营造视觉的张力与动感。他能够通过舞者的走位、队形的变化，将原本二维的舞台空间转化为富有深度和层次的立体画卷。本章将重点分析巴兰钦如何运用“排列组合”式的编排，创造出令人惊叹的视觉效果。他大量运用纯粹的集体舞，通过舞者身体的几何排列，如直线、圆形、菱形，甚至是更为复杂的数学图形，来呼应音乐的结构，展现出一种纯粹的舞蹈形式美。他善于通过群体动作的同步与变化，形成如同万花筒般不断变幻的视觉图案，让观众在观看集体舞时，既能感受到个体舞者的技艺，又能体会到整体构图的精妙。我们将探讨巴兰钦对“速度”与“密度”的控制。他能够根据音乐的变化，调整舞者的速度和动作的密度。有时，他会让舞者如同一股疾风般掠过舞台，展现出令人瞠目结舌的速度与力量；有时，他又会让舞者的动作变得异常简洁、缓慢，甚至带有强烈的“停顿感”，从而放大每一个细微的动作，让观众能够充分品味其中的细节。这种对速度与密度的灵活运用，使得他的舞蹈具有了强大的表现力和节奏感。此外，本章还将审视巴兰钦对“形式”的纯粹追求。他常常倾向于“去叙事化”，让舞蹈本身成为目的，而非传递某个故事或情感的载体。他作品中的人物，更多的是舞蹈的“化身”，而非拥有完整性格的戏剧角色。他关注的是身体的线条、动作的清晰度、以及它们在空间中形成的视觉美感。他能够将最简单的动作，通过精准的执行和巧妙的编排，赋予其强大的视觉冲击力。例如，他作品中经常出现的“直线”动作，并非仅仅是简单的行走或跳跃，而是通过身体的完全绷直、手臂与腿部精确的指向，将一种纯粹的力量和方向感传递给观众。第三章：革新的基因——巴兰钦与古典芭蕾的对话乔治·巴兰钦的艺术，是建立在对古典芭蕾深厚理解的基础上的，但他的目光始终投向未来。本章将深入剖析巴兰钦如何看待古典芭蕾的传统，以及他如何以一种“解构”与“重塑”的方式，为芭蕾注入现代的生命力。巴兰钦并非一位全盘否定传统的叛逆者，而是一位深刻理解并尊重传统的“革新者”。他对玛丽乌斯·彼季帕的经典编舞有着百科全书般的了解，但他并不满足于复刻。他认为，古典芭蕾的精华在于其严谨的技法、清晰的逻辑以及对音乐的深刻理解，而这些元素，同样可以服务于更现代的舞蹈表达。本章将重点探讨巴兰钦如何“简化”与“加速”古典芭蕾的语汇。他保留了古典芭蕾的核心技术，如绷直的腿部、精确的脚尖站立、清晰的手臂线条，但他常常会去除一些繁复的装饰性动作，让动作更加直接、有力。他通过加快舞蹈的速度，增加更多的连接性动作，以及更具爆发力的跳跃和旋转，让古典芭蕾的优雅中注入了现代社会的动感与活力。我们将分析巴兰钦如何“解构”古典芭蕾的程式与主题。许多古典芭蕾作品都带有鲜明的叙事性，如童话故事、神话传说等。巴兰钦的作品则常常剥离这些叙事外衣，回归舞蹈本身。他可能只是选取一部歌剧或一部交响乐，然后用舞蹈来回应音乐的情感与结构，而非为其赋予具体的人物和故事情节。这种“去叙事化”的处理，使得他的作品具有了普适性，能够跨越文化和语言的隔阂，直接与观众的情感产生共鸣。例如，他对于“脚尖”的运用，与古典芭蕾有所不同。在古典芭蕾中，脚尖站立常常是为了营造一种轻盈、梦幻的感觉。而在巴兰钦的作品中，脚尖站立不仅是为了高度，更是为了清晰的线条、精准的指向以及强大的支撑力。他让舞者在脚尖上展现出惊人的稳定性和爆发力，将脚尖的艺术推向了新的高度。此外，本章还将探讨巴兰钦如何通过“无脚下动作”的训练，来培养舞者更强的身体控制能力。他常常要求舞者专注于上半身的姿态、手臂的精准律动以及身体的轴心稳定性，这些都为他后续的快速、复杂、以及充满速度感的编排奠定了坚实的基础。第四章：遇见“巴兰钦舞者”——才华的发掘与塑造乔治·巴兰钦不仅是一位伟大的编舞家，他更是一位“造星大师”。他拥有发现舞者独特潜力的非凡眼光，并能将他们塑造成他舞蹈世界中最完美的诠释者。本章将深入探讨巴兰钦如何与舞者互动，发掘其才华，以及他所塑造的“巴兰钦舞者”的特质。巴兰钦对待舞者的态度，既严格又充满着创造性的激发。他从不认为舞者仅仅是完成他指令的工具，而是他共同创作的伙伴。他能够看到隐藏在舞者身体里的潜能，并用他独到的方式去引导、去雕琢，最终将他们塑造成他所设想的艺术形象。本章将重点分析巴兰钦在发掘舞者“个性”方面的独到之处。他从不追求千篇一律的“完美舞者”，而是寻找那些拥有独特气质、鲜明个性以及能够理解他音乐性表达的舞者。他能够看到一个舞者眼中的光芒，听到他们身体里隐藏的节奏，并将其转化为舞台上独特的魅力。我们将探讨巴兰钦如何通过“即兴”与“探索”来训练舞者。他常常会在排练中，给舞者一些基础的动作指令，然后鼓励他们去探索，去寻找最适合自己的表达方式。他通过反复的试验，不断调整，直到找到最能展现舞者个人特质，同时又能服务于整体舞蹈构图的动作。这种工作方式，使得舞者在表演中不仅拥有精湛的技术，更注入了属于他们自身的生命力。此外，本章还将分析“巴兰钦舞者”所具备的独特品质。他们通常拥有卓越的音乐感，能够对音乐做出敏锐而精准的反应；他们具备极强的身体控制能力，能够完成快速、复杂、充满爆发力的动作；他们拥有清晰的肢体线条，能够在舞台上展现出极具视觉冲击力的形态；他们还具备一种“不惧怕”的特质，敢于挑战高难度的动作，敢于在舞台上展现出最真实的自我。许多曾与巴兰钦合作过的舞者，都曾表示，在他那里，他们仿佛“重新认识了自己”。他不仅提升了他们的技术水平，更激发了他们对舞蹈艺术更深层次的理解。他让芭蕾不再仅仅是优雅的表演，而是充满生命力的、具有探索精神的艺术创作。结论：跨越时空的艺术回响乔治·巴兰钦留给世界的，是一笔丰厚的艺术遗产。他的作品，至今仍是全球顶尖芭团的基石，他的理念，持续影响着一代又一代的舞者和编舞家。本书通过对其核心创作理念、空间与形式探索、与古典芭蕾的对话以及对舞者发掘与塑造的深入剖析，力求展现出巴兰钦这位艺术巨匠的多维魅力。他是一位将音乐的抽象转化为视觉的具象的大师，他用舞蹈的几何语言构建了令人惊叹的舞台空间，他以革新的精神，为古典芭蕾注入了现代的活力，他更是发现了无数才华横溢的舞者，让他们在舞台上闪耀。巴兰钦的艺术，是理性与感性的完美结合，是传统与创新的有机统一。他的作品，如同精密的数学公式，又如同奔腾不息的生命洪流。他让我们看到了芭蕾艺术的无限可能，也让我们领略到，真正的艺术，能够跨越时空的界限，在每一个观众的心中，激起持久而深刻的回响。他的精神，将永远激励着我们，去探索、去创新、去感受舞蹈艺术所带来的无尽魅力。