Harmonic Practice in Tonal Music

作者:Gauldin, Robert

页数:650

出版时间:2004-7

价格:810.00元

isbn号码:9780393976663

具体描述

Taking a linear functional approach, Professor Gauldin uses clear explanations and outstanding musical examples to show students how individual chords function in the overall structure of a piece, explaining how both harmonic and melodic forces contribute to the development of musical ideas. For the Second Edition, Professor Gauldin has undertaken a comprehensive revision that responds directly to the suggestions of instructors. The new text emphasizes fundamental concepts, using a more effective organization and simpler, more accessible language to bring the most important ideas and information to the foreground.

用户评价

坦率地说，这本书的排版和设计，首先就给我留下了极其深刻的印象。它避开了传统教材那种单调乏味的黑白图表，取而代之的是大量清晰、富有美感的乐谱插图，有些甚至采用了定制的色彩编码系统，用以区分不同声部的内在张力。这表明作者团队在内容呈现上投入了极大的心力，他们明白，面对音乐这样的听觉艺术，视觉呈现的质量直接影响了学习的效率和乐趣。阅读体验的流畅性是这本书的另一个亮点。作者的行文风格如同一个经验丰富、循循善诱的导师，他从不急于下结论，而是通过一系列精心设计的提问，引导读者自己去发现结论。这种“发现式学习”的方法，极大地增强了读者的主动性和对所学知识的内化程度。我发现自己不再是被动地接受知识，而是在和作者的“对话”中，一点点构筑起自己对调性体系的完整认知框架。这种互动感，在厚重的理论著作中是极为罕见的。

这部作品无疑是音乐理论领域的一股清流，它没有沉溺于那些陈旧的、只有学院派才懂的晦涩术语中，而是以一种近乎诗意的笔触，将复杂的和声进行梳理得井井有条。我尤其欣赏作者在处理调性音乐中那些微妙的色彩变化时所展现出的敏锐洞察力。书中的例子选取得极为精妙，它们不仅仅是教科书式的展示，更像是从巴赫到德彪西的音乐长河中精心打捞上来的珍宝。初读时，我曾担忧其深度是否足够，但随着深入，我发现作者在每一个转折点都埋下了深入思考的种子。例如，它对“功能和声”的再定义，彻底打破了我过去对主、属、下属和弦的僵化理解，让我开始用一种更具动态和情境的眼光去审视音乐的进行。作者似乎深知，真正的“实践”不在于机械地应用规则，而在于理解规则背后的情感逻辑和历史语境。这种对音乐本质的探寻，让这本书超越了单纯的“如何做”的指南，而升华为一本“为何如此”的哲学思辨录。即便是资深的乐评人，也能从中发现新的启发点，更不必说那些渴望从工具书泥沼中挣脱出来的学生们了。

与市面上那些充斥着教条主义的音乐理论书籍相比，这部作品散发出一种令人放松的、自信的权威感。作者似乎并不急于证明自己比前人高明，而是专注于如何最有效地将这些经过时间检验的智慧传递给下一代学习者。我特别欣赏书中对“听觉训练”与“理论学习”之间相互促进作用的强调。作者反复提醒读者，任何理论分析的终点，都必须回归到耳朵的判断上。书中设计了一些非传统的听辨练习，这些练习并非测试你是否能分辨出一个增六和弦，而是要求你辨识出一段音乐中，和声色彩是如何服务于叙事节奏的。这种强调“整体感知”而非“碎片识别”的教学理念，使得本书不仅是一本理论参考书，更是一份通往更高层次音乐理解力的通行证。它真正做到了理论与耳朵的无缝对接。

这本书最让我感到惊喜的，是它对早期浪漫主义时期音乐处理的细腻程度。在很多教材中，这一时期的和声语言往往被简化为“更丰富的色彩”或“更大的不协和度”，但本书却深入挖掘了舒曼和肖邦作品中那些微妙的半音进行和非功能性连接的真正目的。作者成功地论证了，在那个时代，和声的“功能性”开始让位于“表情性”，而这种转变是如何通过对特定音级的小幅、持续的色彩渗透来实现的。通过对乐谱中微小动机的层层剥离，我们得以窥见作曲家在追求情感深度时，如何谨慎地游走在调性框架的边缘。这部分内容对于那些对十九世纪音乐怀有特殊情感，却苦于找不到精确分析工具的爱好者而言，无疑是及时雨。它不仅提供了分析工具，更给予了我们欣赏那份“恰到好处的模糊感”的钥匙。

我必须指出，这本书对于“实践”二字的理解，达到了一个前所未有的高度。它不仅仅停留在对和弦的横向连接分析上，更深入探讨了垂直结构在时间维度上的延展性和塑造性。书中对“节奏与和声的耦合”这一主题的探讨，尤其令人振奋。作者并没有将节奏视为一个孤立的要素，而是将其融入到和声功能的实现过程中，阐释了特定节奏型如何能够加强或削弱某个和弦的倾向性。对于希望将理论知识转化为创作灵感的学习者来说，这是无价之宝。在提到复杂转调技巧时，作者没有采用那种冷冰冰的数学公式推导，而是引入了建筑学的隐喻，将和声的构建比作空间的设计与填充，使得原本抽象的理论变得触手可及，富有空间感。这种跨学科的类比运用，极大地拓宽了读者的思维边界，显示出作者深厚的艺术素养和教育智慧。