Performance Practice, Medieval to Contemporary

出版者:Music-Garland

作者:Roland Jackson

页数:518

出版时间:1987-12-1

价格:USD 86.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780824015121

用户评价

购买这本书，完全是被它所跨越的时间长度所吸引。从中世纪到当代，这几乎涵盖了西方音乐史的绝大部分重要时期。我一直对音乐的“活态传承”充满兴趣，而“Performance Practice”恰恰是连接音乐创作与演奏者之间的桥梁。我设想，这本书会从最古老的时期开始，讲解早期音乐的演奏特点，比如格里高利圣咏的自由节奏、调式特征，以及如何在没有现代乐谱的时代进行音乐的传承。随后，我想它会进入复调音乐的黄金时期，讨论卡农、赋格等技法的演奏要点，以及不同声部之间的相互关系是如何通过演奏来体现的。进入巴洛克时期，我期待能看到对装饰音、即兴演奏的深入剖析，以及那个时代特有的情感表达方式。古典时期的均衡、清晰和“自然”的风格，在演奏上又意味着什么？浪漫主义时期澎湃的情感、个性化的表达，又对演奏家提出了怎样的挑战？最后，我想这本书会聚焦于20世纪和21世纪的现代音乐，讨论在新的作曲技法、新的乐器技术和新的表演观念下，演奏实践是如何演变的。我希望能在这本书中找到关于不同时代音乐家们如何在创作与演奏之间寻找平衡点、如何在既定的音乐框架内发挥个人创造力的精彩案例。

我对这本书的期待，主要源于其“Performance Practice”这个核心概念。在我看来，这不仅仅是关于“如何演奏”，更关乎“为什么这样演奏”以及“演奏的意义”。从音乐史的角度来看，不同时代对音乐的理解和接受程度是截然不同的。我想，这本书会详细解析在不同历史时期，音乐的功能、社会背景如何影响了音乐的演奏方式。例如，宗教音乐在礼拜仪式中的应用，与世俗音乐在宫廷宴会或民间集市中的演奏，其目的和风格肯定会有天壤之别。这本书很可能还会涉及音乐理论在演奏实践中的应用。比如，在中世纪和文艺复兴时期的复调音乐中，对声部线条的清晰度和平衡的追求，以及如何通过演奏来呈现这些复杂的织体。到了古典时期，对清晰的乐句划分、对称的结构和自然的表达，又是如何通过演奏来实现的？我特别希望书中能够探讨“原版”演奏与“现代”演绎之间的张力。毕竟，我们今天听到的很多古典作品，其最初的演奏方式可能与我们现在的理解大相径庭。这本书的价值在于，它能帮助我们理解历史的演变，并在此基础上形成更全面、更具洞察力的音乐鉴赏能力。我期待这本书能提供丰富的史料和学术研究，但更希望它能以一种引人入胜的方式呈现，让我能够感受到音乐在不同时代是如何被“生命化”的，又是如何跨越时空与我们产生共鸣的。

这本书我早就想拜读了，一直对表演实践这个领域充满好奇。从史前时期到现代，音乐表演的演变一定是个非常迷人的话题。我尤其感兴趣的是，在不同的历史时期，演奏家们是如何理解和诠释作品的。比如，中世纪时期，音乐的记谱法还很不完善，演奏家们在即兴创作和个人风格上会有多大的自由度？到了巴洛克时期，通奏低音的出现又带来了哪些新的演奏技巧和理念？我想书中一定会深入探讨这些问题，以及不同时期音乐家们在技巧、乐器使用、甚至演奏厅的声学条件等方面是如何适应和创新的。想想看，从古老的鲁特琴到现代的钢琴，乐器的发展本身就对演奏方式产生了多么巨大的影响。这本书的跨度如此之大，我想一定能让我对音乐表演的历程有一个宏观且深刻的理解。我期待书中能有大量的实例分析，通过对具体作品的演奏比较，来印证理论上的阐述。例如，对同一首巴赫赋格的不同时期演奏版本进行对比，分析演奏家们在速度、力度、表情等方面的差异，以及这些差异背后所反映的时代审美和演奏习惯。我更希望作者能够带领我们走进那些伟大的演奏家，了解他们的训练方法，他们的思考方式，以及他们在舞台上是如何将枯燥的乐谱转化为鲜活的音乐的。这本书对我来说，不仅仅是关于音乐史，更是关于人类创造力和艺术表达的深刻探索。

我挑选这本书，是因为我对音乐表演的“本体论”感到好奇。与其说是学习音乐史，不如说是深入探究音乐“被演奏出来”的那一刻的生命力。从最朴素的中世纪吟唱，到精心设计的当代电子音乐表演，音乐的实践方式一定经历了翻天覆地的变化。我猜测，这本书会从乐器学的角度来切入，探讨不同时期乐器的发展如何直接影响了演奏技巧和音乐风格。例如，从中世纪的单音乐器到文艺复兴时期的多声部合奏，再到近代管弦乐团的形成，乐器性能的进步无疑为音乐创作和演奏带来了新的可能性。我也对不同音乐风格在演奏上的“美学”感到好奇。比如，中世纪音乐的“神圣性”和“超然性”，巴洛克音乐的“华丽”和“戏剧性”，古典音乐的“秩序”和“理性”，浪漫音乐的“情感”和“个性”，以及现代音乐的“实验”和“探索”，这些不同的美学追求，是如何在演奏家的指尖和口中实现的？我希望书中能提供一些关于具体演奏家及其独特演奏风格的分析，通过他们的实践来理解不同历史时期音乐表演的精髓。这本书对我而言，将是一次对音乐“存在”方式的深度考察。

我选择这本书，是因为它点明了一个我长期以来感到困惑的音乐学问题：音乐的“实践”是如何塑造音乐的“理论”和“审美”的。从古老的中世纪音乐，那些在修道院中低语的旋律，到今天舞台上光怪陆离的现代音乐会，音乐的表演形式一定经历了巨大的演进。我想，这本书会深入分析不同历史时期音乐的“语境”。例如，中世纪的宗教音乐，其演奏一定是服务于崇拜仪式，其音色、节奏、速度都可能与神圣的氛围息息相关。而到了文艺复兴时期，随着世俗音乐的兴起，音乐表演可能变得更加注重技巧和娱乐性。巴洛克时期，歌剧的诞生和器乐的繁荣，又对演奏提出了新的要求，比如对戏剧性、对情感表达的精准拿捏。我想，这本书的价值在于，它能让我们看到，音乐理论并非脱离实际的空谈，而是深深根植于当时的演奏实践之中。反过来，演奏实践的不断创新，又会反哺理论的发展。我特别期待书中能有关于一些重要历史时期音乐家们的“幕后故事”，了解他们在创作和演奏过程中所遇到的挑战，他们是如何克服困难，又是如何创新性地解读音乐的。这本书将是理解音乐“活着”状态的关键。