音で観る歌舞伎―舞台裏からのぞいた伝統芸能

出版者:新評論

作者:八坂 賢二郎

页数:263

出版时间:2009/11/10

价格:2,940

装帧:B6判

isbn号码:9784794808196

具体描述

裏方の悪戦苦闘を知ると、歌舞伎はもっと面白くなる。

「座元と役者と観客が喜ぶ作品」（河竹黙阿弥）はこうして生まれている。

序幕　伝統芸能の全貌

２幕目　大和民族の音の感性

３幕目　能楽の基礎知識

４幕目　文楽の基礎知識

５幕目　歌舞伎のいろは

６幕目　音楽で魅了する歌舞伎の技

７幕目　裏方も演技する歌舞伎

大詰　裏方稼業

★「音」を意識すると、歌舞伎がもっと面白くなる！

日本の三大伝統演劇といわれている能楽・人形浄瑠璃文楽・歌舞伎は、数百年も民衆を喜ばせてきた大いなる娯楽である。それらは世界無形文化遺産にもなっていて、日本国民の大切な財産といってよい。本書はその魅力の真髄をバックステージからお伝えするものであり、それも「歌舞伎の音」をテーマに綴っている。歌舞伎の劇作者である河竹黙阿弥は弟子たちに、「座元（劇場経営者）と役者と観客が喜ぶ作品を書きなさい」と説いたという。この教えは、歌舞伎を支える裏方全体に共通するものであって、大道具、照明、音響などのスタッフたちも、役者を引き立たせ、座元と観客が喜ぶ作品づくりに精を出している。その裏方たちには苦労も多いのだが、一方では幾多の喜びもある。そのように喜びと涙と汗で創造され、進化を続けている歌舞伎の伝統技法は、内外の様々なジャンルへも影響を与えている。歌舞伎は「能楽」を親とし、「文楽」を兄として育ったようなものなので、本書ではその家系と家柄を紹介する意味で、能楽と文楽についても触れた。能楽に用いられている楽器は三種類の太鼓と笛、文楽の主要楽器は三味線である。歌舞伎は双方の楽器を基に、様々な楽器を取り込んで歌舞伎音楽を成熟させてきた。心の奥に響く三味線の音、劇場空間を清める拍子木の音、波・風・雨などを表現する大太鼓は、日本人の音に対する感性と美意識によって創造された世界に類を見ない「音」と言えよう。それに七五調の心地よいセリフなどが加わった舞台を目にしたとき、感動が生まれる。歌舞伎を観るとき、音を意識するともっと面白くなるしワクワクしてくる。それらの音が舞台裏でどのようにつくられているのかを紹介した本書によって、舞台芸術の創造に携わる人々だけでなく、観客の皆さんにも歌舞伎の音の世界を堪能していただきたい。

作者简介

八坂賢二郎［ヤサカケンジロウ］

１９４４年栃木県生まれ。１９６６年から国立劇場（現日本芸術文化振興会）で、能・歌舞伎・文楽・舞踊・寄席芸能など伝統芸能全般の音響を担当。その傍ら、１９９１年のロンドンにおける歌舞伎版ハムレット『葉武列士倭錦絵』や１９９４年のウィーン・ワルシャワ・プラハ・ロンドンにおける能・文楽・歌舞伎のコラボレーション版『俊寛』など、能・文楽・歌舞伎・琉球芸能などの海外公演（１５か国・２２都市）にも参加（本データはこの書籍が刊行された当時に掲載されていたものです）

用户评价

坦白讲，我购买此书是抱着一种“挑战自我理解极限”的心态。歌舞伎的复杂性往往令人望而生畏，各种流派、术语和历史背景如同迷宫一般。我需要的不是一本试图“简化”或“通俗化”的导览书，而是那种敢于深入挖掘复杂性的作品。我希望作者能够抛开那些陈词滥调，直接切入到最核心的、最晦涩的技艺层面，哪怕一开始我需要反复阅读才能理解。比如，不同流派在处理“太鼓”或“笛子”上的细微差异，这些差异是如何影响观众对情节的感知速度和情绪沉淀的？如果这本书能提供一种类似于“音谱分析”的严谨性，将舞台上的听觉事件进行系统的梳理和归类，那么它就不仅仅是一本面向爱好者的普及读物，而是一份具有文献价值的工具书。我希望它能让我真正理解，一个世纪以来，歌舞伎的声音传统是如何被小心翼翼地维护和传承下来的。

购买这本书的冲动，源自我对“传统”与“现代”碰撞的反思。在如今这个充斥着即时满足和碎片化信息的时代，歌舞伎这样需要长时间投入、需要深厚文化背景才能完全消化的艺术形式，如何保持其生命力？我猜想，这本书很可能提供了一个绝佳的切入点，来探讨这种古老艺术的“现代适应性”。它是否会探讨，在新的声学技术和舞台设计面前，歌舞伎的表演者们是如何在不背叛其核心精神的前提下进行微调的？我想读到的，不是怀旧式的赞美，而是对一种活着的、不断呼吸的文化形态的敏锐观察。例如，当代的导演或编剧是否正在尝试用声音的“留白”来挑战观众的耐心，从而达到比以往更强的戏剧张力？如果这本书能捕捉到这种微妙的张力——传统如何在坚守中寻求突破——那么它就远超了一本单纯的艺术介绍，而成为了一部关于文化传承的思考录。

我期待这本书能像一位耐心的导师，带我进入一个全新的认知领域。我对歌舞伎的了解，大多停留在视觉符号的层面，比如那些经典的“見得”（決めポーズ）和特定的服装寓意。然而，真正的“体验”往往需要多感官的同步激活。这本书如果能够成功地构建起“声音景观”，那么它无疑会极大地提升我对歌舞伎的审美阈值。我设想的阅读过程是：先阅读文字描述，想象声音的质地、空间感和情绪色彩，然后带着这种新的“听觉记忆”去观看实际的演出，届时，那些原本平淡无奇的音效可能会突然爆发出惊人的力量，将我直接拽入角色的世界。这种由书本先行铺陈、再由现场体验印证的阅读回路，对我来说是学习艺术最理想的路径。我尤其希望看到作者对“間の美学”——那种精确控制的停顿和寂静——是如何通过声音设计来实现的深入剖析。

老实说，我一向对那种故作高深的理论书籍敬而远之，但这本书的副标题“舞台裏からのぞいた伝統芸能”（从舞台幕后窥视传统艺术）让我立刻被吸引住了。我总觉得，真正的理解，必须来自内部视角。舞台前，我们是观众，被精心设计的幻象所包裹；而舞台后，才是汗水、是无数次重复的磨练、是布景师的焦虑、是灯光师精准到毫秒的配合，以及演员们在浓妆之下对气息的控制。这本书如果能如其名，揭示这些“幕后英雄”和“幕后技术”的运作逻辑，那简直是无价之宝。我尤其好奇它会如何处理“様式美”与“技术细节”之间的关系。歌舞伎的每一招一式都是高度程式化的，但这程式化背后，需要付出多少超越常人的努力去维持和创新？我希望作者能用一种既专业又充满人情味的笔触，描绘出那种在后台的紧张感中，艺人们如何将冰冷的规则转化为富有生命力的、震撼人心的艺术瞬间。这不仅仅是关于歌舞伎的技术手册，更应是一部关于“匠人精神”的史诗。

这部书光是标题就让人心头一颤，充满了对传统艺术深层探索的渴望。《音で観る歌舞伎》——“用声音来观看歌舞伎”——这个概念本身就极具颠覆性。我一直觉得，歌舞伎的魅力不仅仅在于那华丽的服装、夸张的舞台调度和演员们精准的面部表情，它更深层次的震撼力，其实是隐藏在那些看不见的声响之中的。想象一下，没有了视觉的直接冲击，我们的大脑将如何通过听觉去重构整个舞台场景？我想这本书很可能提供了一种全新的“解码”方式，教导读者如何去聆听那些被我们习以为常忽略的声音元素：是三味线的拨弦声如何描摹出人物内心的波澜？是鼓点和笛声如何精确地标记了角色的出场与退场，甚至是如何通过声效的微妙变化来暗示幕后的权力斗争？我期待的不是一份枯燥的学术分析，而是一场由文字引导的沉浸式听觉之旅，让我重新审视每一次“咚”和“咔哒”背后的深刻意图，仿佛真的能穿过厚重的幕布，直接触碰到表演者最纯粹的意念。这种从听觉反推视觉的体验，无疑是对传统艺术鉴赏方式的一次有力拓宽。